Artiste du mois | Kathryn Weisberg

Nous sommes heureux de présenter Kathryn Weisberg en tant qu’artiste du mois ! Kathryn a été finaliste au 29e concours artistique annuel du magazine The Artist’s. Sa peinture à l’huile impressionniste, Route de Lavender (huile, 9 × 12) est ci-dessous. Lisez la suite pour en savoir plus sur son style et son processus!

http://kathrynweisberg.com ~ San Francisco, Californie

L'art gagnant de Kathryn Weisberg

Route de lavande (huile, 9 × 12) de Kathryn Weisberg

Ma grand-tante Judy était une aquarelliste exceptionnelle. Beaucoup dans ma famille étaient des artistes et des musiciens. Très tôt exposé à l’esprit créatif, j’ai commencé à dessiner vers l’âge de 5 ans et à peindre à l’aquarelle à l’âge de 10 ans. J’ai remporté mon premier prix à 14 ans dans un concours scolaire et je ne me suis plus jamais considéré comme un artiste.

J’ai assisté à l’Academy of Art de San Francisco alors que celle-ci était dans ses années fugaces sur Sutter Street. Par la suite, j’ai étudié pendant deux ans avec Richard Sloan, un peintre à l’acrylique de renommée internationale, et plusieurs autres puissants mentors ont également été récompensés.

Après plusieurs années de peinture à l’aquarelle et à l’acrylique, je suis retournée à l’huile car elle me donne la plus grande souplesse dans le style que j’apprécie le plus, l’impressionnisme. Peindre dans une peinture humide et pouvoir gratter les zones à repeindre est un luxe.

La Route de Lavande a été peinte en plein air en Provence en 2006. J’étais en voyage de peinture dans le sud de la France, où nous avons passé de nombreux jours debout dans des champs découverts remplis de lavande. Le soleil chaud et l’odeur de lavande ainsi que la formation de nuages ​​dans le ciel en fin d’après-midi étaient irrésistibles.

Je travaille la vie, des croquis et des photos, la vie étant le choix optimal, puis des dessins et enfin des photos où je ne peux pas capturer une pose ou une situation à l’aide de séances ou de longs croquis. Se rendre dans les régions isolées du monde pour visiter les cultures autochtones et rechercher la faune ne se prête pas toujours à des poses ou à des esquisses. Cela dit, rien ne remplace l’expérience de travailler dans la vie et j’utilise cette expérience pour trouver les valeurs, la couleur et les nuances de lumière dans les zones que les photographies effacent ou surpassent en contraste. Il y a des couleurs dans les ombres, les reflets, des modifications de valeur subtiles et des contours qu’une photo ne révélera pas. Quand j’utilise une photo, je réfléchis toujours à son apparence dans la vie.

Les peintures en atelier peuvent prendre plusieurs jours et parfois des semaines. Je travaille habituellement sur 3 à 4 peintures à la fois pour permettre à mon esprit de se reposer et à mon oeil de se rafraîchir au fur et à mesure que des passages d’un tableau sont complétés. Les morceaux de plein air sont, par nécessité, faits en quelques minutes. Passer 2 heures sur une pièce en plein air demande une journée bien couverte et une bonne mémoire. Si je me souviens bien, cette pièce a été réalisée en 15 à 20 minutes environ.

J’aborde toujours les pièces en plein air comme une étude de ce qui est devant moi. J’essaie de me déconnecter de ma pensée et de mon esprit analytique et je vis juste le moment en peinture. C’est la difficulté et la joie de ce type de peinture directe. Vous ne savez jamais vraiment ce que vous obtiendrez et cela rentre généralement dans la catégorie d’une autre étude.

J’ai commencé à travailler avec des groupes de conservation dans le but de soutenir des projets sur les espèces en voie de disparition. Le produit de certaines de mes impressions va directement à ces organisations. Au-delà de cela, je ne fais que continuer à étudier la peinture. Quarante-cinq ans après avoir récupéré mon premier pinceau, j’apprends encore à peindre!

Je ne pense pas que je suis réellement inspiré pour créer de l’art. Je qualifierais davantage la sensation d’attraction ou d’exigence. Ne pas peindre n’a jamais été une option et je deviens réellement diminuée spirituellement si je ne l’utilise pas pendant de longues périodes. Y a-t-il un gène de l’art?

La chose la plus drôle à propos de mon art est que je ne me définis pas par lui. Je crois qu’il vit sa propre vie depuis sa conception. Je n’ai jamais vraiment l’impression que c’est à propos de moi, mais plus à propos de son propre désir de naître. Presque comme si il voulait échapper au chevalet et «passer à autre chose».

Il n’y a pas de mots pour décrire les sentiments qu’un artiste a pour les mentors, et j’en ai beaucoup, décédés et vivants, à qui je dois beaucoup de mercis. Je suis particulièrement motivé par leurs enseignements et guidé par leurs avertissements. Jim Smyth et Brigitte Curt ont été particulièrement instructifs lors de ce voyage de peinture en France.

Peindre, peindre, peindre. Il faut des kilomètres de toile pour comprendre. [Si vous aimez cette citation, cliquez ici pour la tweeter!]

Kathryn Weisberg

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