Ce que vous pouvez apprendre de ces 10 peintures dramatiques

La plupart du temps, je me concentre sur les paysages colorés et les paysages marins, mais cet article change de thème. Je vais examiner de plus près certaines des peintures les plus dramatiques que j’ai rencontrées.

Ces peintures montrent à quel point l’art peut être puissant et l’émotion que nous pouvons exprimer en tant qu’artistes. Même si vous préférez peindre des scènes colorées et agréables comme moi, il reste encore beaucoup à apprendre des techniques utilisées dans ces peintures dramatiques. Pensez simplement à la manière dont vous pouvez utiliser ces techniques pour décrire le bonheur, la joie ou toute autre émotion que vous essayez de promouvoir dans vos peintures.

Attention: Ce post n’est pas pour les timides. Certaines de ces peintures sont très conflictuelles.

Andrew Wyeth, Le monde de Christina, 1948

Andrew Wyeth, Christina's World, 1948
Andrew Wyeth, Le monde de Christina, 1948

Cette peinture dramatique d’Andrew Wyeth décrit la nature solitaire et difficile du «monde de Christina». Christina est une jeune fille qui semble être coincée au milieu d’un champ, regardant une maison au loin. On pense qu’elle souffrait d’une maladie neuromusculaire l’empêchant de marcher.

Wyeth a peint avec beaucoup de détails et une palette de couleurs mates. Beaucoup ont qualifié ce style de “réalisme magique”.

Claude Monet, Camille sur son lit de mort, 1879

Claude Monet, Camille on Her Deathbed, 1879
Claude Monet, Camille sur son lit de mort, 1879

Le tableau ci-dessus de Claude Monet contraste avec les paysages colorés et énergiques que nous connaissons mieux. Il capture les derniers instants de sa femme sur son lit de mort. Elle est décédée à l’âge de 32 ans, après avoir souffert de diverses maladies.

Monet a dit à un ami à propos de cette peinture …

“Vous ne pouvez pas savoir… l’obsession, la joie, le tourment de mes jours … J’étais au lit de mort d’une dame qui l’avait été, et qui m’était toujours très chère … Je me suis retrouvé en train de regarder [son] visage tragique, essayant automatiquement d’identifier des choses comme les proportions de lumière “.

Il a peint dans son style habituel – couleur cassée pour capturer la nature éphémère de la vie. Il semble y avoir une fenêtre ouverte éclairant sa femme d’un côté. Les couleurs sont toutes atténuées, avec principalement des gris, des bleus mats et des jaunes. Pour moi, son visage semble calme, tandis que le reste de la peinture semble tourmenté.

Edgar Degas, L’Absinthe, 1875-1876

Edgar Degas, L’Absinthe, 1875-1876
Edgar Degas, L’Absinthe, 1875-1876

C’est un tableau si puissant d’Edgar Degas. Il dépeint un couple déconnecté et triste. La femme a devant elle une boisson vert pâle, à savoir de l’absinthe. Les deux sujets étaient en fait des amis de Degas. Ellen André était une actrice et un modèle d’artiste et Marcellin Desboutin était un artiste et graveur. À cause de cette peinture, Degas a dû annoncer publiquement qu’il n’était pas vraiment alcoolique.

Il y a une forte utilisation de la forme dans cette peinture. Les tables, les murs, les chaises, les verres et les objets forment des formes distinctes et intéressantes.

Il y a beaucoup de choses dans la peinture, mais il y a un tel sentiment de vide. J’aime aussi la façon dont Degas a utilisé le noir pour décrire les parties clés du tableau – comme le chemisier, les chaussures et les tables de la femme. Cela ajoute un effet stylistique intéressant à la peinture.

Edvard Munch, L’enfant malade (Det Syke Barn), 1885

Edvard Munch, The Sick Child (Det Syke Barn), 1885
Edvard Munch, L’enfant malade (Det Syke Barn), 1885

Edvard Munch est célèbre pour ses peintures dramatiques et évocatrices. La plupart des gens seront familiers avec sa peinture, “The Scream”. Mais pour moi, la peinture ci-dessus est beaucoup plus dramatique.

Il comporte un “enfant malade” avec un parent, un membre de la famille ou un ami proche. La fille malade est en réalité la soeur de Munch, décédée de tuberculose. Elle est décrite comme fragile et faible, probablement dans ses derniers moments.

Le coup de pinceau est chaotique et les sujets sont déformés. Les couleurs apparaissent boueuses et la perspective gênante, mais cela semble être intentionnel. Cela crée un sentiment de malaise dans la peinture.

Idée à retenir: Parfois, il est plus efficace de peindre de manière inexacte pour aider à rendre le sujet.

Edward Hopper, Automat, 1927

Edward Hopper, Automat, 1927
Edward Hopper, Automat, 1927

Cette peinture est semblable à la peinture précédente de Degas en ce qu’elle représente une femme isolée et sans regard. Dans ce cas, la femme est assise seule dans un automate. Hopper décrivait la solitude générale et l’isolement de l’individu au sein de la société urbaine à cette époque.

Un automate est un restaurant où la nourriture et les boissons simples sont servies par des distributeurs automatiques. Ceci est important car il rappelle l’isolement du sujet – elle peut manger à l’extérieur sans aucune interaction avec d’autres personnes.

Le sujet a un gant enlevé pour tenir son café. Cela indique qu’elle avait seulement l’intention de faire un bref arrêt avant de se risquer à l’extérieur.

On pense que la femme de Hopper a posé comme sujet de cette peinture, mais Hopper l’a peinte avec des traits plus jeunes.

Francis Bacon, homme d’affaires I, 1952 ou tête d’homme, 1952

Francis Bacon, Businessman I, 1952 or Man’s Head, 1952
Francis Bacon, homme d’affaires I, 1952 ou tête d’homme, 1952

Cette peinture de confrontation dépeint un sujet qui devient fou de l’idée de rester un homme d’affaires . Cette peinture est un peu ce que je ressentais lorsque je travaillais comme comptable … (je plaisante, mais pas vraiment).

L ‘”homme d’affaires” a l’air d’être pris au piège dans une boîte en verre, indiquant son isolement. Il semble horrifié par la vie qu’il doit vivre, pourtant coincé dans cette vie.

Son visage est déformé et les couleurs ne sont que gris et bleus mats. Ce n’est pas un chef-d’œuvre technique, mais c’est certainement puissant.

Frederick McCubbin, pionnier, 1904

Frederick McCubbin, Pioneer, 1904
Frederick McCubbin, pionnier, 1904

Je me souviens d’avoir fait un travail artistique sur la peinture ci-dessus au lycée. La peinture est par l’artiste australien talentueux nommé Frederick McCubbin. Il a fait un usage intéressant de trois panneaux distincts (appelés triptyque) pour montrer le passage du temps.

Le premier panneau présente un jeune couple pionnier dans le bush australien. L’homme allume un feu à l’arrière-plan, tandis que la femme s’étonne au premier plan.

Le deuxième panneau présente le couple avec un nouveau-né. Il y a plus de lumière à travers les arbres à l’arrière-plan et une petite maison a été construite.

Le panneau final présente un sujet masculin qui se trouve sur une tombe. Il est incertain que le sujet soit le pionnier des sections précédentes, le fils du couple ou un étranger qui passe. La brousse à l’arrière-plan a été nettoyée et une ville émerge.

Pablo Picasso, vieux guitariste, 1903

Pablo Picasso, Old Guitarist, 1903
Pablo Picasso, vieux guitariste, 1903

C’est l’une des peintures de Pablo Picasso de sa “période bleue”, qui a duré de 1901 à 1904. La peinture semble être influencée par le

Ilya Repin, Ivan le Terrible et son fils Ivan, 1885

Ilya Repin, Ivan the Terrible and His Son Ivan, 1885
Ilya Repin, Ivan le Terrible et son fils Ivan, 1885

Le tableau ci-dessus d’Ilya Repin représente une scène horrible avec Ivan le Terrible tenant son fils mortellement blessé, Tsarevich Ivan Ivanovich . On pense qu’Ivan le Terrible a fait la blessure mortelle. Repin a certainement capturé le regard accablé d’Ivan le Terrible.

Il existe un contraste habile entre les rouges vifs au premier plan et sur le sujet et les verts mats et sombres à l’arrière-plan. Le niveau de détail concentre également votre attention sur les deux sujets.

C’est l’une des peintures les plus célèbres et les plus controversées de la Russie. Il a été vandalisé à deux reprises en raison de sa controverse, une fois en 1913 et une fois en 2018.

Vincent van Gogh, Le vieil homme affligé (à la porte de l’éternité), 1890

Vincent van Gogh, Sorrowing Old Man (At Eternity's Gate), 1890
Vincent van Gogh, Le vieil homme affligé (à la porte de l’éternité), 1890

Voici quelques-unes des principales recettes de ce billet:

  • En tant qu’artistes, nous essayons non seulement de peindre ce qui est devant nous, mais aussi ce qui est en nous. Que ressentez-vous le sujet? Que voulez-vous que les gens ressentent quand ils regardent votre peinture? Les peintures de cet article montrent toute l’émotion que vous pouvez représenter. De toute évidence, vous n’avez pas besoin de peindre avec un tel drame. Vous pouvez simplement peindre la joie qu’un paysage vous fait ressentir.
  • La couleur est l’un des outils les plus efficaces dont nous disposons en tant qu’artiste pour peindre des émotions.
  • Parfois, il est utile de peindre de manière inexacte pour faire passer votre message. Par exemple, déformer le sujet, peindre avec une perspective étrange ou utiliser des couleurs boueuses.

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