Comment utiliser la perspective atmosphérique pour créer de la profondeur dans vos peintures

Qu’est-ce que la perspective atmosphérique?

La perspective atmosphérique (ou perspective aérienne) fait référence à la manière dont l’atmosphère affecte la façon dont nous voyons les objets lorsqu’ils se retirent au loin. La perspective atmosphérique indique que lorsqu’un objet s’éloigne de la distance par rapport au spectateur, nous voyons cet objet avec une netteté, une valeur et une saturation des couleurs réduites. De plus, les objets au loin semblent avoir une température de couleur relativement froide.

Dans cet article, je détaillerai en quoi consiste la perspective atmosphérique et comment l’utiliser pour créer l’illusion de profondeur dans vos peintures.

J.M.W. Turner, The Fighting Temeraire Tugged To her Last Berth To be Broken Up, 1839
JMW Turner, le temeraire de combat tiré vers le haut pour se séparer, 1839

Perspective atmosphérique et linéaire

Il existe deux types de perspective: atmosphérique et linéaire. Comme indiqué ci-dessus, la perspective atmosphérique fait référence à la manière dont l’atmosphère influe sur la façon dont nous voyons les choses. La perspective linéaire, quant à elle, fait référence à la taille relative des objets et à la façon dont un objet apparaît plus petit à mesure qu’il s’éloigne dans la distance.

La connaissance des perspectives atmosphérique et linéaire est essentielle pour apprendre à peindre avec précision. Mais la plupart du temps, lorsque nous pensons à la perspective, nous ne considérons que la perspective linéaire.

Leonardo da Vinci était un artiste qui comprenait l’importance de la perspective atmosphérique et, en s’appuyant sur ses nombreux écrits sur le sujet, la considérait aussi importante que la perspective linéaire en peinture. Beaucoup de peintures de Vinci ont une sensation presque éthérée, grâce à une utilisation intelligente de la perspective atmosphérique pour créer l’illusion de profondeur.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa, 1504
Léonard de Vinci, Mona Lisa, 1504

Perspective Atmosphérique Et Réalisme

La perspective atmosphérique et linéaire sont des éléments essentiels de la création de peintures réalistes, car elles reflètent notre vision réelle. Cependant, la perspective linéaire est beaucoup plus facile à démontrer lorsque des éléments architecturaux sont présents (comme dans le tableau ci-dessous de John Singer Sargent). De toute évidence, dans les peintures de paysages marins et de paysages marins, les éléments architecturaux ne sont pas toujours présents; nous devons donc nous fier davantage à la perspective atmosphérique pour créer l’illusion de profondeur.

John Singer Sargent, Ponte Della Canonica, 1903
John Singer Sargent, Pont Della Canonica, 1903

Les 4 clés pour créer l’illusion de la perspective atmosphérique

1. texture

La texture peut faire référence à deux choses:

– la texture physique de votre peinture; ou

– L’illusion de texture dans votre peinture (par exemple, en utilisant la technique de l’ ébouillis pour créer l’illusion d’une écorce sèche sur le côté d’un arbre).

Pour créer l’illusion de profondeur dans vos peintures, vous pouvez utiliser davantage de texture dans le contraste de premier plan par rapport à un arrière-plan beaucoup plus lisse. Cela reflète la manière dont nous voyons les détails. Lorsque vous regardez une scène de paysage, vous pouvez voir tous les détails et textures minuscules au premier plan – toutes ces pierres, ces brins d’herbe, de branches, d’insectes, de plantes, etc. Vous pouvez peindre ces détails avec une texture accrue au premier plan, à la fois avec une accumulation physique de peinture et avec une activité accrue de votre travail au pinceau et de vos couleurs.

Mais au fur et à mesure que vous avancez au loin, tous ces petits détails et textures disparaissent pour se fondre dans une masse générale de couleurs et de formes.

John Singer Sargent, The Simplon, 1919
John Singer Sargent, Le Simplon, 1919

2. valeur

La valeur correspond à la luminosité ou à l’obscurité, sur une échelle allant du noir au blanc (le noir étant la valeur la plus basse et le blanc la valeur la plus élevée). post . Vous pouvez en savoir plus sur la valeur dans ce post .

Lorsqu’un objet s’éloigne dans la distance, il semble que sa valeur soit supérieure à sa valeur réelle. En d’autres termes, les objets au loin sont teintés (quelques valeurs sont plus claires).

Dans le tableau ci-dessous de Claude Monet, remarquez que les falaises lointaines de notre gauche ont une valeur plus élevée (plus légère) que les falaises plus proches de nous. Notez également que le ciel situé juste au-dessus de l’horizon est plus clair que le reste du ciel. Cela repousse ces zones dans la peinture et crée cette illusion de profondeur.

Claude Monet, Beach And Cliffs At Pourville, Morning Effect, 1882
Claude Monet, plage et falaises à Pourville, effet du matin, 1882

3. clarté

C’est un concept simple, mais avec lequel les débutants semblent se débattre. Lorsque vous regardez un objet à distance, il apparaît beaucoup moins clair et détaillé que lorsque vous visualisez ce même objet de près.

Ainsi, lorsque vous peignez ces montagnes au loin, vous n’avez pas besoin de peindre tous les rochers, les ombres, les arbres et autres détails particuliers. Vous pouvez vraiment simplifier les détails pour créer l’illusion de la perspective atmosphérique.

Dans certains cas, vous pouvez même vouloir trop simplifier l’arrière-plan pour vraiment exagérer le sens de la profondeur dans votre peinture.

Dans le tableau de Turner ci-dessous, comparez le niveau de clarté entre l’avant-plan et l’arrière-plan. L’arrière-plan n’a presque pas de détail et est simplement là pour un effet atmosphérique. La partie la plus détaillée du tableau est la partie la plus proche à notre droite.

J.M.W. Turner, Rain Steam And Speed, The Great Western Railway
JMW Turner, Pluie, vapeur et vitesse, The Great Western Railway

4. Température de couleur et saturation

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