Entretien avec un maître universitaire russe, partie 2

Nous poursuivons aujourd’hui l’entretien que Chiaro-Scuro” florence en italie.>

Dessin de composition d’Alex McCloskey

Yenrug: En quoi l’enseignement du dessin dans la Russian Academy of Art est-il différent de celui des autres académies d’Europe et des États-Unis?
Chubirko: Autant que je sache, dans les académies européenne et américaine, l’accent est mis principalement sur les méthodes optiques, typiquement la méthode de dessin à la “taille de la vue”, alors que pour la méthode académique russe, une combinaison équilibrée d’approches visuelles et analytiques est utilisée. Il ne fait aucun doute que nous dessinons ce que notre œil est capable de voir, mais nous ajoutons également ce que notre cerveau sait à propos de la forme, à savoir les principes fondamentaux de l’anatomie et les connaissances de base du dessin constructif. Dans ce cas particulier, je veux dire par construction – la traduction d’un langage très difficile des formes complexes de la réalité, par exemple, la forme du corps humain, dans le langage simple de la géométrie.

Etude d’anatomie et de structure réalisée par Emanuele Capozza

Yenrug: Lorsque vous accueillez dans votre académie des étudiants formés dans des ateliers de Bargue, ont-ils besoin de désapprendre des habitudes ou des pratiques? Quelles compétences doivent-ils ajouter?

Chubirko: Habituellement, les étudiants qui ont étudié dans d’autres ateliers viennent déjà avec un œil bien entraîné et un bon sens du ton. La compétence qui leur fait défaut est la pensée analytique qui sous-tend le dessin, autrement dit l’analyse constructive et la modélisation de la forme en termes de plans. Donc, c’est quelque chose que j’essaie de leur apprendre quand ils viennent dans mon studio. Ces outils supplémentaires permettent à l’artiste d’être plus créatif, indépendant et finalement libre dans ses propres efforts de composition.


Quelles idées fausses les gens ont-ils sur la formation universitaire française?
Il est difficile pour moi de juger des idées fausses, mais je peux supposer qu’elles se concentrent principalement sur les dessins de la vie et ne prêtent pas beaucoup d’attention à celles de l’imagination, ce qui, à mon avis, est très important car il aide à développer la mémoire, pensée, vision intérieure et permet ainsi à un artiste d’exprimer librement ses pensées, ses idées et ses sentiments afin de réaliser un dessin compositionnel.

Portrait de femme par Sergey Chubirko

Vous avez dit que lorsque vous puisez dans le modèle, “ma vision personnelle et l’image que je souhaite créer sont beaucoup plus importantes qu’un modèle lui-même”. Comment préserver votre vision personnelle du modèle et éviter d’être submergé de faits ou de détails séduisants? Comment formez-vous les étudiants à développer leur mémoire, leur imagination et leur vision intérieure?
Merci, Mejas, d’avoir si bien rappelé ce que j’avais dit au sujet du dessin☺)!
Premièrement, afin de ne pas être distrait par différents «faits ou détails séduisants» lors du travail sur une certaine configuration, nous commençons toujours par faire un croquis au stade initial.

Les objectifs principaux définis pour une esquisse sont les suivants: capturer et imprimer une empreinte du modèle, capturer le mouvement et les proportions, répartir la tonalité générale ou trouver une solution tonale. Même si quelque chose change lors du travail sur une configuration (drapés, expression du visage, cheveux, éclairage, etc.), ce qui est tout à fait naturel car le modèle humain n’est jamais absolument identique, alors nous devrions essayer de suivre l’idée initiale fixée dans l’esquisse. Dans ce cas, l’esquisse sert de référence stable et nous empêche d’être égarés pendant la pose longue.

La deuxième raison pour laquelle je ne copie pas explicitement le modèle est que chaque configuration que j’organise pour les étudiants doit communiquer une idée spécifique. Par exemple, si la tâche est un portrait, l’objectif n’est pas simplement de dessiner / copier le modèle, mais de créer le personnage, d’essayer de restituer l’état psychologique du modèle; J’essaie également de sélectionner des accessoires, des attributs et des accessoires correspondant à ce personnage. Troisièmement, pour aider les élèves à développer leur imagination et leur vision intérieure, je leur présente un exercice à la fois simple et efficace: puiser dans la mémoire. Nous regardons le modèle pendant 5 minutes en essayant de mémoriser le plus de détails possible. Ensuite, le modèle s’en va et nous essayons de puiser dans notre mémoire. Cet exercice le plus simple est également très utile pour apprendre à saisir des proportions rapidement et correctement, et nécessite que l’élève comprenne la réalité.

Portrait masculin de Sergey Chubirko

Quel type de travail est le plus important pour les étudiants dans leurs carnets de croquis personnels? Doivent-ils copier d’autres artistes ou capturer des impressions du monde réel?
Copier de bons exemples d’œuvres de maîtres anciens ou d’artistes contemporains ainsi que faire des croquis quotidiens de la vie réelle est toujours utile! Cela devrait être fait partout et chaque fois que c’est possible! Un artiste ne devrait jamais se séparer d’un crayon et d’un carnet de croquis. De plus, je dirais que l’on devrait prendre l’habitude d’enregistrer leurs pensées avec un crayon à la main!

Dessin complet de la figure par Alex
McCloskey

Y a-t-il un danger à étudier trop l’Art du passé plutôt que de se concentrer sur la Nature?
Il n’y a pas un tel danger! Au contraire, étudier et copier le meilleur échantillon d’œuvres produites dans l’histoire de l’art est absolument nécessaire pour une véritable éducation artistique, car tout artiste a besoin d’une référence éthique et esthétique. En dehors de cela, la copie des œuvres de l’ancien maître aide à développer un bon goût artistique et à comprendre ce qu’est la «sélection artistique».

Comment formez-vous vos étudiants à faire face au monde visuel dynamique et changeant en dehors des conditions contrôlées du studio?
Une éducation artistique adéquate dans un environnement professionnel et, de même, la personnalité de l’enseignant est très importante! Cependant, n’oublions pas qu’il existe une éducation et une auto-éducation! Je dirais que pour un artiste, l’auto-éducation n’est pas moins importante, c’est un processus qui dure toute la vie et qui ne finit jamais, même en dehors du studio, alors que le travail en studio n’est que l’idéal et que, comme vous l’avez dit, les conditions d’acquisition de outils professionnels. Ces outils, une fois acquis, serviront un artiste tout au long de sa carrière artistique, mais l’utilisation de ces outils après l’obtention du diplôme dépend beaucoup de la personne. Cela concerne le choix des sujets à décrire, la technique et la manière de travailler, etc.

Beaucoup de mes anciens élèves ont réussi à trouver leur voie dans le monde de l’art et je suis sincèrement heureux de leur réussite! Aujourd’hui, dans mon atelier « Figure masculine dessinée par Alex McCloskey

Quel est le principal problème auquel sont confrontés les artistes d’aujourd’hui qui veulent poursuivre le réalisme ou la peinture figurative?
Le principal problème, à mon avis, est qu’aujourd’hui, la demande commerciale d’art réaliste ou figuratif laisse beaucoup à désirer. Mais dans le même temps, la situation évolue progressivement pour le mieux: on assiste à une montée notable de l’intérêt pour l’art figuratif traditionnel – une bonne nouvelle pour les artistes! Il me semble que les gens sont un peu fatigués de la destruction dans l’art et sont donc impatients de revoir la beauté et l’harmonie du visage humain et du corps humain.

En réalité, l’être humain est le sujet le plus compliqué et le plus contradictoire, mais le plus inspirant et le plus beau à décrire! Dites-moi ce qui peut être plus intéressant à décrire? Il est donc important de pouvoir décrire ce sujet correctement. C’est la raison pour laquelle nous passons des années à apprendre à dessiner et à peindre, non? :))
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Premi%C3%A8re” partie de l avec le professeur chubirko>

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