Évoquer l'émotion comme les maîtres

Certaines peintures nous arrêtent dans nos traces. Ils pourraient nous donner des frissons, ou faire mal à notre cœur. Il est difficile de définir pourquoi nous avons ces réactions, car elles sont personnelles et authentiques. Pour ces raisons, ils ne peuvent pas être disputés. Mais il y a un autre côté à ce mystère: le côté qui crée l’art suscitant ces sentiments forts. Si vous souhaitez avoir ce pouvoir – le pouvoir de faire en sorte que votre art suscite de vraies émotions – lisez Le langage de l’énergie dans l’art: Trouver votre vision.

Tableau de Charlotte Wharton, Evoke Emotion Like the Masters

Reminiscing (huile, 9 × 12) de Charlotte Wharton, qui affirme que cette peinture «montre comment la répétition de la forme met en mouvement un flux à travers une peinture. Notez comment l’épaule et le revers unique de la sangle se répètent dans le drapé rouge, le canapé et le genou plus proche sous la jupe. La diagonale descendante du drapé et de la figure ajoute au mystère passif de la peinture. La couleur mère rouge Munsell était utilisée avec son compliment grisé de discordes bleu-vert et grisé de jaune-vert et bleu-violet. ” (Cliquez ici pour“ épingler ”cette peinture sur Pinterest!)

De l’unité visuelle de Charlotte Wharton

Munsell Color System, conseils de Charlotte Wharton sur artistmagazine.com

Morning Light (huile, 14 × 11) de Charlotte Wharton. «Le sujet de Morning Light est la lumière», déclare Wharton. «La peinture est un paradoxe. La lumière est chaude et douce, et malgré la forte valeur, les contrastes dans le buisson en fleurs, les angles audacieux de l’architecture et les ombres au sol, le tableau est agréable et calme. Le flux rythmique lyrique des fleurs et la faible énergie de la forme carrée de l’architecture procurent un équilibre et confèrent à la peinture son caractère modéré. La couleur mère bleue Munsell a été utilisée avec son compliment grisé de discordes jaune-orange et grisé de rouge-violet et de jaune-vert.

À travers les âges, les artistes ont été réputés tempérer leurs peintures pour obtenir des effets visuels et émotionnels qui, à leur avis, devaient être pleinement exprimés ou parce qu’elles avaient été demandées par un mécène. Quelques exemples historiques:

Anthony van Dyck (flamand, 1599-1641) a utilisé des symboles tels que des colonnes pour indiquer son statut ou une couleur chair tendre pour donner aux portraits une grâce et une délicatesse. Chaque appareil a donné un sens différent à son travail.

Diego Velázquez (espagnol, 1599-1660) a toujours rêvé de composer ses peintures avec différentes formes pour une expression souhaitée d’équilibre, de rythme et de mouvement.

Jean-Baptiste Camille Corot (français, 1796-1875) et John Constable (anglais, 1776-1837) ont tous deux estimé qu’ils devaient devenir poétiques pour traduire les divers sentiments de la nature.

Claude Monet (français, 1840-1926) a peint avec jusqu’à six marques et techniques différentes pour réaliser ses célèbres effets de lumière atmosphériques et scintillants.

Pablo Picasso (espagnol, 1881-1973) avait une grande variété de styles. Il était connu pour démonter cubiquement une femme dans une peinture et en dessiner sensuellement et lyriquement une autre le même jour.

John Singer Sargent (américain, 1856-1925) savait quand et comment ajuster les valeurs et les coups de pinceau pour adopter une certaine qualité de sujet.

Ce que nous pouvons donc en déduire de ces maîtres, c’est d’ajuster, de tempérer, leur technique, leurs marques ou leur façon de travailler pour obtenir l’effet désiré. Cela nous amène à deux préoccupations auxquelles sont confrontés les artistes d’aujourd’hui. Beaucoup ne savent que copier une photographie, sans émotion ni sentiment innés. D’autres encore disent ne peindre que ce qu’ils voient. Eux aussi font des copies, comme la caméra, ou peignent à un niveau intuitif très développé et ne sont plus conscients de la façon dont ils parviennent à ce qu’ils peignent. Ce dernier est en effet un domaine artistique que nous espérons tous atteindre. Cependant, même à ce niveau, il est de notre crédit en tant qu’artistes de disposer d’un arsenal de techniques, de palettes de couleurs et de matériaux variés qui peuvent être moulés pour communiquer le motif de la peinture d’un sujet.

Il s’agit donc pour les artistes d’apprendre ou de se réapprendre à ajuster ou tempérer un tableau, à s’intégrer à leur travail ou à transmettre leur sens du sujet. Un langage visuel a traversé les siècles à travers les maîtres de la Renaissance qui l’ont découvert ou utilisé. Nous pouvons en tirer ce dont nous avons besoin pour donner un sens à notre travail. Chaque peinture nécessite deux éléments pour une expression complète: l’unité de conception et l’unité visuelle. L’unité de conception fournit l’impact structurel d’une peinture, tandis que l’unité visuelle communique le sens ou la signification souhaitée d’une œuvre d’art.

C’est l’unité visuelle – l’élément communicatif de l’art – sur lequel se concentre le livre Le langage de l’énergie dans l’art: Trouver votre vision . Laissez ses mots vous guider dans la recherche ou le perfectionnement de votre voix unique, de votre vision et de votre sens de la nature. ~ Charlotte Wharton

Comme c’est beau dit! Les exemples ci-dessous montrent à quel point l’implémentation de l’unité visuelle peut être puissante. Apprenez à susciter une réaction émotionnelle de la même manière avec Le langage de l’énergie dans l’art: trouver votre vision de Wharton . En plus d’apprendre à affiner votre voix, vous découvrirez également des concepts solides, tels que le système couleur Munsell.

Lequel des artistes énumérés ci-dessus est votre favori? Dites-nous dans la section commentaires ci-dessous et rejoignez la conversation!

Déplacé par l’art,
Chérie

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Cherie Haas, rédactrice en ligne
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