Impressionist Art Movement – Masters Of Light And Color

Les grands impressionnistes ont eu une influence considérable sur mon développement personnel en tant qu’artiste. Ils ont testé les limites de ce qui est possible avec la couleur et ont démontré que la matière n’est pas le but ultime de la peinture. Ils ont montré que vous pouvez peindre quelque chose simplement parce que c’est joli, sans signification profonde, et que vous pouvez réussir.

John Singer Sargent explique bien l’impressionnisme:

“L’impressionnisme était le nom donné à une certaine forme d’observation lorsque Monet, ne se contentant pas d’utiliser ses yeux pour voir ce qui se passait ou ce à quoi ils ressemblaient comme tout le monde l’avait fait avant, se concentra pour noter ce qui se passait sur sa propre rétine. (comme un oculiste testerait sa propre vision) “. John Singer Sargent

Dans cet article, je vous présente un aperçu du mouvement artistique impressionniste et quelques-uns des plats à emporter que vous pouvez appliquer à vos propres peintures.

John Singer Sargent, Claude Monet Painting by the Edge of a Wood
John Singer Sargent, Claude Monet Peinture au bord d’un bois

Le début de l’impressionnisme

Le mouvement de l’art impressionniste a été créé dans les années 1860 en France et représentait un changement radical par rapport à la peinture académique réaliste qui avait dominé l’époque. Les représentations de thèmes religieux et de sujets historiques, peintes avec des coups de pinceau précis et des couleurs sobres, étaient très prisées des critiques d’art de l’époque.

Eugène Delacroix, Liberty Leading the People, 1830
Eugène Delacroix, La liberté guidant le peuple, 1830

Le mouvement était dirigé par les artistes Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazille, qui ont sorti leurs toiles et établi la pratique de la peinture en plein air . Leur travail a coïncidé avec le développement de tubes de peinture portables et de chevalets de buis.

Contrairement à d’autres artistes, qui ne faisaient que des croquis en plein air et continuaient ensuite à les travailler dans le confort de leurs ateliers, ces quatre artistes ont peint en plein air du début à la fin, décrivant des paysages vibrants et capturant les scènes de la vie quotidienne. Ils ont peint le monde tel qu’ils l’ont vu – imparfait et en constante évolution. En conséquence, leurs peintures semblaient en désordre et inachevées à d’autres artistes à l’époque.

Pierre-Auguste Renoir, Monet Painting In His Garden At Argenteuil, 1873
Pierre-Auguste Renoir, Monet peignant dans son jardin à Argenteuil, 1873

Le mouvement attira l’attention du public en 1874 lorsque les œuvres d’Impressionist furent exposées au désormais célèbre Salon des Refusés , qui signifie “exposition de rejets” en français. Il s’agissait d’une exposition collective composée d’œuvres soumises à l’occasion de l’exposition annuelle organisée par le Salon , le Salon , mais rejetées par le jury.

Le Salon officiel était une prestigieuse exposition d’art organisée par l’Académie des Beaux-Arts de Paris. Après le rejet de nombreux artistes du salon, ils protestèrent et atteignirent l’empereur français Napoléon III. L’Emporer a ordonné que les pièces rejetées soient exposées lors d’une exposition séparée à proximité. Le bureau de Emporer a publié la déclaration suivante:

“De nombreuses plaintes ont été adressées à l’empereur au sujet des œuvres d’art qui ont été refusées par le jury de l’Exposition. Sa Majesté, souhaitant laisser le public juger de la légitimité de ces plaintes, a décidé que les œuvres d’art refusé doit être affiché dans une autre partie du palais de l’industrie “. (Publié dans Le Moniteur du 24 avril 1863)

L’exposition a attiré de nombreux visiteurs, critiques d’art et publics, mais les œuvres d’art ont été la plupart du temps ridiculisées. Dans un examen assez sévère par le critique d’art Louis Leroy, il moqueuse appelé le mouvement que je mpressionist, le nom inventé après le titre de la peinture de Impression, soleil levant de Monet. Peu il a su que le mot qu’il a utilisé comme insulte marquerait tout le mouvement d’art.

Claude Monet, Impression, Sunrise, 1872
Claude Monet, Impression, Lever du soleil, 1872

Définir les caractéristiques de l’impressionnisme

Le mouvement impressionniste était caractérisé par un ensemble de caractéristiques distinctives qui représentaient un changement radical dans la manière dont l’art est créé et compris.

Coups de pinceau remarquables

Avant l’impressionnisme, les peintres utilisaient des coups de pinceau précis, presque invisibles, souvent mélangés à du vernis doré. Les impressionnistes, en revanche, utilisaient des traits épais et remarquables pour décrire la nature éphémère de la lumière et le passage du temps.

L’utilisation de coups de pinceau lâches leur a permis de peindre rapidement sur le vif et de saisir l’essence du sujet avant que la lumière ne change ou que le sujet ne bouge. Ce type de travail au pinceau donnait lieu à des peintures énergiques qui dépeignaient la nature éphémère de l’environnement.

Claude Monet, The Atelier Boat, 1875-1876
Claude Monet, Le bateau-atelier, 1875-1876
Palette de couleurs vives et audacieuses

Les impressionnistes étaient révolutionnaires dans leur approche de la couleur. Au lieu de mélanger plusieurs peintures pour obtenir le ton souhaité, les impressionnistes utilisaient souvent des couleurs claires et non mélangées et les regroupaient dans une série de petits coups de pinceau pour obtenir les tons désirés. Ces différentes couleurs se mélangent optiquement quand on les regarde de loin. Bien que les impressionnistes n’aient pas créé cette technique, ils semblent être les premiers artistes à en faire un élément clé. Comme John Singer Sargent a expliqué:

“L’habitude de casser sa couleur pour la rendre brillante remonte à plus de temps que l’impressionnisme – Couture le préconise dans un petit livre intitulé ‘Causeries d’Atelier’ écrit vers 1860 – il fait partie de la technique de l’impressionnisme mais est utilisé raison différente. ” John Singer Sargent

Comme on peut le voir dans cette sombre représentation d’une gare de Saint-Lazare, Monet a combiné le vert émeraude, le bleu outremer, le bleu cobalt et même des nuances de jaune pour créer une vibration de couleur:

Claude Monet, Arrival of the Normandy Train, Gare Saint-Lazare, 1877
Claude Monet, Arrivée du train de Normandie, Gare Saint-Lazare, 1877

Les impressionnistes ont également commencé à introduire plus de couleur lors de la peinture des ombres. Au lieu d’utiliser des noirs et des bruns, les impressionnistes ont commencé à incorporer des bleus, des verts, des violets et d’autres couleurs avec un arbre de couleurs distinct. Cela peut être dû à la plupart des peintures impressionnistes créées à l’extérieur, où il y a beaucoup plus de lumière et donc de couleurs plus visibles. Ou peut-être était-ce dû à une grande compréhension du fonctionnement de la lumière et de la couleur.

La nature éphémère de la lumière

La peinture en plein air a permis aux impressionnistes d’étudier de près la lumière naturelle et son influence sur les couleurs que nous utilisons. Peindre fidèlement la lumière était un objectif primordial des impressionnistes. C’était plus important que le sujet lui-même dans la plupart des cas. À l’époque, la lumière et les couleurs étaient encore un mystère (et le sont toujours).

Ce faisant, de nombreux artistes ont peint le même sujet à maintes reprises dans des conditions de luminosité et de conditions météorologiques différentes. Claude Monet l’a souvent fait avec des cath%C3%A9drale” de rouen> .

Claude Monet, Haystacks, 1891
Claude Monet, Meules de foin, 1891
Représentations de sujets ordinaires

La montée de la peinture en plein air a, à bien des égards, déterminé les sujets sur lesquels les impressionnistes ont traité. Au lieu de thèmes historiques ou mythologiques grandioses, les impressionnistes décrivaient des choses qu’ils pouvaient voir de l’extérieur: une multitude de paysages vivants, des natures mortes et des scènes de loisirs de tous les jours (p.ex. pique-niques, promenades en bateau, etc.).

Comme le disait Pierre-Auguste Renoir:

«Ce qui me semble le plus important dans notre mouvement [impressionnisme], c’est que nous avons libéré la peinture de l’importance du sujet. Je suis libre de peindre des fleurs et de les appeler des fleurs, sans avoir besoin de raconter une histoire. »Pierre-Auguste Renoir

Pierre-Auguste Renoir, Luncheon of the Boating Party, 1880-1881
Pierre-Auguste Renoir, déjeuner de la fête de la navigation de plaisance, 1880-1881
Compositions asymétriques

Inspirés par le médium photographique de l’époque, récemment développé, les impressionnistes ont réalisé des peintures avec des angles de vision inhabituels qui ressemblaient à des images de moments inédits. C’est pourquoi de nombreuses peintures impressionnistes présentent des compositions asymétriques ressemblant à des photographies candides prises à l’insu de leurs sujets.

Cela est particulièrement visible dans les œuvres d’Edgar Degas qui, inspirés par les estampes japonaises, ont peint des ballerines de points de vue intimes, amenant les spectateurs à proximité des danseurs.

Edgar Degas, Stage Rehearsal, 1878–1879
Edgar Degas, répétition sur scène, 1878-1879

Figures de proue du mouvement artistique impressionniste

Claude Monet

L’artiste le plus en vue du mouvement artistique impressionniste était sans aucun doute Claude Monet, surtout connu pour ses représentations de

Camille Pissarro

Camille Pissarro, ami de Monet et contemporain, a été une figure centrale du mouvement impressionniste et est connu pour représenter des paysages et des scènes dynamiques de la vie quotidienne des paysans français. Il a souvent mélangé les figures paysannes dans les environs au lieu de faire ressortir les figures. De cette façon, il a réussi à amener les spectateurs à faire l’expérience de la peinture dans son ensemble, au lieu de se concentrer sur les sujets de l’œuvre.

À l’instar de Monet, Pissarro a également créé de nombreuses études sur la couleur et la lumière en peignant divers objets ruraux sous différentes conditions météorologiques et sous un éclairage changeant.

Camille Pissarro, Peasant Woman Digging, the Jardin de Maubuisson, Pontoise, 1881
Camille Pissarro, paysanne creusant, le jardin de Maubuisson, Pontoise, 1881
Edgar Degas

Contrairement à la plupart des impressionnistes qui préféraient peindre en plein air, Edgar Degas était plus intéressé par la représentation de scènes d’intérieur des activités quotidiennes des gens. C’est pourquoi les cafés, les musiciens et plus particulièrement les danseurs de ballet sont généralement présentés dans ses œuvres. Inspiré par l’esthétique des estampes japonaises, Degas a fréquemment expérimenté des points de vue et des compositions inhabituelles. L’artiste, également sculpteur prolifique, utilisait souvent les pastels pour donner à ses personnages une qualité presque sculpturale.

Edgar Degas, Stage Rehearsal, 1878–1879
Edgar Degas, répétition sur scène, 1878-1879
Pierre-Auguste Renoir

Célébré pour ses représentations vivantes de la modernité parisienne et de ses loisirs à la fin du 19ème siècle, il a joué avec brio avec la lumière et l’ombre pour créer des œuvres d’art dynamiques. Les coups de pinceau brisés et les couleurs vives de Renoir décrivaient des sujets plaisants et légers, comme des rassemblements d’amis et des nus féminins.

Pierre-Auguste Renoir, Dance at Le moulin de la Galette, 1876
Pierre-Auguste Renoir, Danse au moulin de la Galette, 1876

Berthe Morisot et Mary Cassatt

Berthe Morisot, la première femme à exposer avec les impressionnistes, s’est fait connaître en peignant de riches compositions mettant en valeur la vie domestique des femmes de son époque. Ses peintures incluaient souvent des nus, des natures mortes et des portraits de sa fille Julie, qui était le modèle préféré de l’artiste.

À la suite d’une invitation de son ami et mentor Edgar Degas, la peintre américaine Mary Cassatt a rejoint les impressionnistes vers 1877. L’artiste est réputée pour ses peintures vibrantes de mères prenant soin de leurs enfants et d’autres scènes de la vie domestique de l’époque (tricot, lecture , boire du thé, etc.).

Berthe Morisot, The Artist's Sister at a Window, 1969
Berthe Morisot, La soeur de l’artiste à la fenêtre, 1969

Cassatt a associé l’impressionnisme à l’influence des estampes japonaises et aux techniques traditionnelles des maîtres anciens pour créer des œuvres articulant les relations complexes entre femmes et enfants. Mais contrairement aux anciens maîtres qui représentaient la forme féminine d’une manière très flatteuse, Cassatt décrivait les femmes pour qui elles étaient, sans parure ni embellissement.

Mary Cassatt, Children Playing With A Cat, 1908
Mary Cassatt, Enfants jouant avec un chat, 1908

Ce que vous pouvez apprendre des impressionnistes

Il y a beaucoup de choses que vous pouvez apprendre des impressionnistes, même si vous ne privilégiez pas le style:

  • Vous n’avez pas besoin de peindre des sujets avec des significations sous-jacentes profondes. Vous pouvez peindre des fleurs simplement parce que vous les trouvez jolies. Cela met l’accent sur la technique de peinture sur le sujet.
  • Vous pouvez créer une vibration de couleur en utilisant la technique de la couleur brisée. Cela vous permet également de mélanger des sujets avec l’arrière-plan, comme Camille Pissarro l’a fait dans bon nombre de ses peintures.
  • Vous n’avez pas besoin de recourir aux noirs et aux bruns pour les ombres. Vous pouvez utiliser des bleus, des violets, des verts, etc. Cette approche de la couleur est beaucoup plus flexible et donne des affichages plus colorés.
  • Votre impression du sujet est importante et unique. C’est la raison pour laquelle deux artistes peuvent peindre le même sujet, mais se retrouvent avec des peintures complètement différentes.

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