Juger le concours annuel du magazine de l’artiste

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Ici, nos distingués juges expliquent leurs jugements pour notre concours annuel 2014. Achetez un exemplaire du numéro de décembre pour voir chacun des gagnants de nos cinq catégories et un article sur chacun d’eux.

Alexandra Tyng: Paysage / Floral

Retour aux lacs (huile, 40x60)

Retour aux lacs (pétrole, 40 × 60)

Née à Rome, en Italie, Alexandra Tyng est titulaire d’un diplôme de premier cycle de Harvard et d’un diplôme de troisième cycle de l’Université de Pennsylvanie. L’un des fondateurs du mouvement Women Painting Women, Tyng a présenté des expositions personnelles à la Fischbach Gallery de New York ainsi qu’à Philadelphie. Elle a remporté des prix décernés par la Portrait Society of America, les Allied Artists of America, le magazine The Artist’s et un artiste américain . son travail a été présenté dans Fine Art Connoisseur, American Art Collector, International Artist, etc. Parmi les collections importantes dans lesquelles son travail apparaît, on trouve la National Portrait Gallery à Washington DC; le Springfield Art Museum de Springfield, dans le Missouri; et le musée Mütter du Philadelphia College of Physicians à Philadelphie.

Quelles directives avez-vous utilisées pour juger la catégorie Paysage / Floral?

C’est un peu difficile de choisir entre tant de belles œuvres. Il y a peu de choses que je recherche constamment. L’un est un sens fort de l’idée de l’artiste. Un paysage est toujours à propos de quelque chose , qu’il s’agisse d’une réponse à la beauté des formes sous une certaine lumière, ou d’une atmosphère, d’une comparaison ou d’un contraste, d’une découverte, d’un événement ou d’un changement implicite. Je réponds à une peinture lorsque l’artiste est capable de susciter mon intérêt pour l’idée et de la conserver.

Pour ce faire, un point focal fort est important. Le regard du spectateur est dirigé vers le tableau et cherche un chemin à suivre – circulaire, sinueux ou rectiligne – menant à un lieu de repos. L’œil devrait apprécier de voyager à plusieurs reprises dans cette motion et de prendre de nouvelles choses à chaque fois. Le traitement de chaque niveau de distance (avant-plan, milieu et arrière-plan) doit être examiné avec soin. Je me suis concentré sur la façon dont l’artiste a utilisé la maîtrise technique pour soutenir, articuler et améliorer l’idée: en particulier compréhension de la lumière et des ombres, de la couleur et des bords, contrôle de la valeur, de la teinte et de la chrominance pour créer une illusion d’espace et de distance, et utilisation des bords et un travail au pinceau pour créer de la variété et diriger l’œil vers le point focal.

Il y a aussi quelque chose d’indéfinissable dans un tableau auquel je réponds différemment d’un autre juge. Je dois faire attention à ma voix intérieure, mais en même temps, je suis conscient que ce sont toutes des peintures fantastiques et je tiens le travail de tous les finalistes en haute estime.

Quels ont été vos sentiments généraux sur les entrées de cette année?

En jugeant les œuvres finalistes de cette année, j’ai été ravi par la grande variété de styles, d’approches, de points de vue et de sujets. J’ai également été impressionné par le niveau extrêmement élevé de maîtrise technique et par l’émotion transmise par la peinture.

Dites-nous pourquoi vous avez attribué le prix de la première place à Down the Stairs, de l’autre côté de la cour, entre les maisons (huile sur toile, 36 × 24) de Nicholas Reynolds?

L’artiste a choisi comme sujet une simple scène de jardin à une heure de la journée où le soleil s’inclinait entre deux maisons. La peinture suscite mon intérêt en ramenant mon regard vers le point focal à l’aide des lignes de perspective fortes des balustrades et du sentier: en bas des marches, autour de la chaise renversée, à travers la tranche de pelouse allumée, en bas du sentier et en montant. des marches lointaines – et peut-être à travers l’écart étroit dans l’espace ensoleillé au-delà La lumière du soleil traverse le sentier en créant des angles et des formes intéressantes. Différents niveaux de distance sont définis en alternant zones ouvertes et passages étroits, soleil et ombre, de sorte que l’œil du spectateur passe à travers une série de pièces extérieures. Cette peinture me rend curieux. Je veux descendre les marches et découvrir ce qui se trouve entre les maisons.

Avez-vous des mots de sagesse ou des conseils pour les futurs candidats?

La combinaison d’une bonne idée et de l’habileté à concrétiser cette idée est la clé pour créer un art qui engage l’intérêt du spectateur et le retient. Il est important de bien comprendre ce que vous voulez dire et de savoir comment vous allez aborder le sujet. Avant de commencer à peindre, passez du temps à regarder le paysage devant vous et demandez-vous ce qui vous attire dans cette scène en particulier et ce que vous ferez pour vous assurer que le regard du spectateur trouvera le point central et en profitera encore et encore. .

Anni Crouter: Animal / Faune

Spooked (aquarelle sur papier huile, 16x21)

Spooked (aquarelle sur papier huile, 16 × 21)

Née à Chicago, Anni Crouter a grandi dans une ferme du Michigan. son père était vétérinaire; elle avait prévu de suivre ses traces avant d’être déroutée par les mathématiques. Elle vit maintenant à Flint, dans le Michigan, où elle travaille à temps partiel en tant que toiletteuse dans le bâtiment qui abrite le cabinet vétérinaire de son mari. Ses images ont été primées par Birds in Art, la Society of Animal Artists et bien d’autres. Travaillant principalement à l’aquarelle et à l’acrylique, elle est membre de l’American Watercolor Society et de la Northwest Watercolor Society. Son travail a été présenté dans Aquarelle (où sa photo d’ours polaire immergé dans l’eau recouvrait la couverture), dans Artist International, The Artist’s Magazine et le Journal of Veterinary Medicine.

Quelles directives avez-vous utilisées pour juger de la catégorie Animal / Wildlife?

Je suis un peu traditionnel, je suppose. J’aime la composition solide, la bonne compréhension de la théorie des couleurs et la connaissance du sujet. J’aime le réalisme alors je suis naturellement attirée par ce style. Cela dit, j’aime aussi les œuvres abstraites, car je ne peux pas peindre dans ce style et j’apprécie les gens qui le peuvent.

Quels ont été vos sentiments généraux sur les entrées de cette année?

Il y avait tellement de bons morceaux, beaucoup qui englobaient tout ce que je cherchais dans un morceau fort. Ce fut un processus difficile mais agréable. il a fallu beaucoup de temps pour régler le problème, à la fois en regardant les images et en les recapotant dans ma tête pour voir lesquelles étaient mémorables.

Dites-nous pourquoi vous avez décerné le premier prix à Jiggy’s Birds (huile sur toile, 18 × 20) de Ann Kraft Walker

J’ai aimé cette pièce dès le début. Juggy’s Birds a fini par m’atteindre, car j’y revenais sans cesse. J’ai adoré la composition; l’éclairage était parfait et le sujet était magnifiquement peint. J’ai aimé la combinaison du vrai oiseau et des oiseaux de pierre.

Avez-vous des mots de sagesse ou des conseils pour les futurs candidats?

Oui, essayez toujours de prendre d’excellentes images de votre travail – s’il ne s’agit pas seulement d’une référence personnelle (vous ne savez jamais quand vous aurez peut-être besoin de cette image), mais de compétitions comme celle-ci. Il y avait quelques images parmi les œuvres des finalistes que je souhaiterais mieux photographier. Dans mon propre travail, j’ai commis cette erreur par le passé! J’ai pris une photo qui n’était pas idéale, puis j’ai vendu la pièce, pour ne plus jamais la revoir, et c’est exactement à ce moment-là qu’il me fallait une meilleure image pour la publication! S’il ne vous est pas possible de prendre une bonne photo, faites-le par un professionnel.

Casey Baugh: Portrait / Figure

Jaune (huile sur toile, 22x22) de Casey Baugh

Jaune (huile sur toile, 22 × 22) de Casey Baugh

«J’ai quasiment grandi avec un crayon dans la main», explique Casey Baugh, qui, jusqu’à la neuvième année, était scolarisé à la maison dans un environnement qui mettait l’accent sur le dessin et les arts. «Il me semblait que le dessin était une forme de communication aussi efficace que l’écriture et la parole», poursuit le jeune artiste, dont les compétences en dessin étaient suffisamment développées à 11 ans pour attirer un flux constant de commandes de portraits rémunérés. Après avoir étudié avec Richard Schmid pendant quatre ans, Baugh a eu sa première exposition personnelle à 25 ans. Né à Chattanooga, dans le Tennessee, il vit à New York et expose à la Galerie Acadia. Son travail a paru dans The Artist’s Magazine (sur la couverture) , American Artist et dans de nombreuses autres publications.

Casey Baugh a refusé de commenter ses critères pour juger l’art. Il a décerné le premier prix à Nostalgie (huile sur toile, 24 × 20) de Dean Buhler.

Jimmy Wright: Nature morte / Intérieur

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Jimmy Wright a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de la Art School Institute de Chicago et une maîtrise en beaux-arts de la Southern Illinois University. Son travail figure dans de nombreuses collections publiques et privées, notamment celles du Metropolitan Museum of Art et de l’Art Institute of Chicago. Son travail est actuellement à l’affiche au Lesley Heller Workspace, à New York. Musée Brattleboro, Vermont; Musée d’art du comté de Nassau, NY; Salle commémorative de Chang Kai Shek, Taipei, Taiwan et Musée Hang MingShu, Suzhou, République populaire de Chine. La galerie DC Moore, à New York, et Corbett vs. Dempsey, à Chicago, dans l’Illinois, ont présenté plusieurs expositions personnelles; ils continuent à représenter l’artiste.

Quelles ont été vos pensées lorsque vous avez choisi les gagnants de cette catégorie Nature morte / Intérieur?

Je me sentais d’ abord prix, Ride Clyde (huile sur toile, 20 × 16) par Diane Davich Craig, était une surface polie qui résonne avec la couleur. Les détails exigeants et l’espace peu profond créent une tension avec la structure formelle, presque abstraite, de la composition.

Display of Light (aquarelle sur papier, 14 × 20) de Jong-sik Shin, qui a remporté le deuxième prix , m’a incité à demander: quel élément visuel est le principal sujet de cette aquarelle: la branche d’arbre de poires dans un bol en céramique Bien sûr tissu tissé ou la lumière du soleil qui illumine la nature morte? Le point de vue aérien, la définition magistrale de l’espace et l’éclairage brillant en font un délice pour les sens.

Je pensais que Nancy King Mertz, lauréate du troisième prix , était sans peur dans Prep Talk (pastel sur papier, 24 × 36), en ce qu’elle était si directe dans son approche d’un intérieur complexe, combinant une lumière dramatique, de multiples natures mortes et enrichissement de la forme, de l’ambiance et du lieu.

Mention honorable , Studio Chair (huile sur lin, 18 × 24) de Sandra Power montre une palette de valeurs subtiles et de couleurs limitées, un espace clairement défini et la manipulation de quelques objets comme des lignes de vision intelligentes, mais pas évidentes, Établissez cette vision de l’atelier d’un artiste à la fois comme une nature morte et un intérieur.

Dans la mention honorable , Morning Song n ° 5 (aquarelle sur papier, 14 × 20) de Lok Kerk Hwang, l’ombre bleue intense sur le mur, ainsi que les ombres sombres en guise de voile, témoigne d’une maîtrise magistrale de l’aquarelle à peindre avec colorer et éclairer la vie dure d’un transporteur de vélos en activité.

Mention honorable , Still Life With Monkey (pastel sur support, 32 × 52) de Don Williams, une installation sur table devient un jeu de la nature morte traditionnelle de Chardin et William Merit Chase – une vue de dessus de table avec un arrangement décontracté éclairé par une puissante lumière de studio qui projette des ombres à fort contraste sur les bords de la bavette d’une étagère de rangement.

Katherine Chang Liu: Abstrait / Expérimental

On A Clear Day (Technique mixte sur panneau, 30x30) de Katherine Chang Liu

Par temps clair (techniques mixtes sur panneau, 30 × 30) de Katherine Chang Liu

Bien aimée en tant qu’enseignante, Katherine Chang Liu a été honorée par l’Académie nationale des arts et des lettres, la Société nationale de l’aquarelle, les artistes alliés d’Amérique, la Société nationale des peintres de caséine et de peintures acryliques et le Butler Institute of American Art. Les galeries suivantes représentent son travail: Jenkins Johnson Gallery, New York et San Francisco; Sandra Walters International, Hong Kong; Kathleen Faletto Warner Beaux-Arts, Rome, Italie; Galerie Par-ci Par-la, Lyon, Lyon, France et AMA Gallery, Turku, Finlande. Son travail a été présenté dans le magazine de l’artiste, aquarelliste et artiste acrylique .

Quelles directives avez-vous utilisées pour juger la catégorie abstraite / expérimentale?

Je recherche un sens de l’engagement et de l’innovation de l’artiste. Je recherche un travail émotionnel et engageant.

Quels ont été vos sentiments généraux sur les entrées de cette année?

Dans le dossier des travaux acceptés dans la catégorie Abstrait / Expérimental (les finalistes), il y avait suffisamment d’ouvrages intéressants et intéressants pour me permettre de démêler les lauréats. J’aurais facilement pu attribuer cinq autres prix.

Dites-nous pourquoi vous avez attribué le premier prix à Comp’ny, 3’s a Crowd de 2 (acrylique et papier sur crêpe de soie, 135 × 210) de Pamel Jenning, peinture que vous avez choisie.

J’ai récompensé d’un triptyque Comp’ny, 3’s a Crowd , un triptyque séduisant par son équilibre entre design dynamique et contenu poétique. Il se distinguait parmi les entrées par sa beauté silencieuse. Je voudrais mentionner que trop souvent le format de triptyque est artificiel et banal. Mais cette peinture a utilisé le format à son avantage.

Avez-vous des mots de sagesse ou des conseils pour les futurs candidats?

Je suis un artiste qui travaille. J’essaie d’être authentique dans mon contenu; J’essaie également de ne pas montrer de fatigue à cause de ma propre familiarité avec ce contenu. Il est essentiel que l’excitation de la découverte reste dans le processus de travail. La peinture, c’est comme écrire: il y a un contenu central; nous devons avoir un moyen personnel d’exprimer ce contenu, mais nous n’utilisons pas les mêmes phrases à chaque fois.

Pour les futurs candidats, il est également possible d’élargir la définition de l’abstraction (le tableau de Geoffrey McCormack cette année, un photo-réalisme au format de l’abstraction) et de l’introduction du média numérique dans Dans l’ensemble du processus de peinture, la définition de catégories d’art est floue.

Consultez tous les lauréats et leurs articles dans notre numéro de décembre et participez à l’un de nos concours d’art pour avoir la chance de figurer dans le magazine!

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