Katie O’Hagan’s Story: Figure and Portrait Peintures à l’huile

Cet article de Christine McHugh a été publié pour la première fois sous le titre «Serious Serendipity» dans le numéro d’avril 2013 de The Artist’s Magazine .

Aine-Death-Valley-by-Katie-OHagan

Aine, Death Valley (huile, 20 × 30) de Katie O’Hagan

Il est 20 heures, ses filles sont au lit et Katie O’Hagan se tient devant la toile blanche de son studio encombré de 90 pieds carrés avec son chien Seamus. «La peinture est un processus solitaire dans lequel je veux me perdre complètement», dit-elle. «Je veux chanter au rythme de la musique, parler à mon chien, parler à moi-même, maudire ma peinture si elle ne coopère pas. Cela semble égoïste, mais je ne veux pas avoir à penser à une autre personne, faire une petite conversation ou donner des pauses. En outre, je suis à peu près sûr qu’un mannequin qui accepterait de travailler pendant les heures habituelles, de 20 heures à 3 heures, serait assez cher.

Pendant une quinzaine de minutes, se référant parfois à plusieurs des 10 photos affichées sur l’écran à côté de son chevalet, O’Hagan agite la main, mesure les proportions dans les airs et ne laisse aucune trace. Le placement de ce premier élément est important et, sans dessin détaillé, ni blocage sur la toile, elle réfléchit toujours au point de départ. Si cette coureuse de fond énergique avait suffisamment de place pour avancer et si cela pouvait aider à accélérer ce premier coup, elle le ferait. Impatiente, elle finit par prendre son pinceau et commence à peindre – l’œil droit de son sujet.

«Une fois que l’œil est parfaitement précis», dit-elle, «je sais que je peux placer tout le reste correctement». En quatre ou cinq heures, elle termine le «premier passage» sur la tête. Ensuite, généralement lors des sessions suivantes, utilisant davantage de peinture et se déplaçant plus rapidement, elle procède au blocage et à la peinture des formes de couleur plus grandes de la figure et de l’arrière-plan, sans ordre particulier, tenant parfois le pinceau horizontalement et verticalement pour aider son globe oculaire. les proportions (voir la démonstration de peinture de Katie O’Hagan au bas de cet article).

Ann-by-Katie-OHagan

«Ann Marshall, une grande artiste et une bonne amie, m’a peint l’année dernière et j’ai adoré,» a déclaré Katie O’Hagan. «J’ai décidé de la peindre dans une scène qui regarde le toit de son studio à Hoboken, dans le New Jersey. Bien que ce soit un portrait plus simple, son look et le cadre dans Ann (huile, 30 × 40) s’accordent bien avec les autres peintures que j’ai réalisées. ”

Luttant au départ

C’était un chemin détourné qu’O’Hagan a suivi pour devenir artiste. Ayant grandi sur la côte nord de l’Écosse, elle a consacré plus de temps à ses manuels et à ses dossiers qu’à ses études, mais elle n’a suivi aucun cours d’art jusqu’à sa dernière année d’études secondaires. Fergus Mather, professeur d’art, a remarqué une affiche qu’elle avait dessinée pour un concours et l’a convaincue qu’elle pourrait entrer à l’école d’art. «Je n’avais pas de meilleurs plans», explique O’Hagan, «alors j’ai abandonné les mathématiques, ce que je détestais de toute façon, et suis passé à l’art.»

O’Hagan a fini par fréquenter le Edinburgh College of Art mais ne s’est jamais sentie à sa place. «Je n’avais fait que des dessins et quelques pastels», dit-elle, «et je voulais apprendre à peindre, mais j’étais totalement intimidée. par le département de peinture. »Elle ne comprenait pas la plupart du travail conceptuel que faisaient les gens. “Rien de tout cela ne semblait accessible”, dit-elle, “et je savais que mon esprit ne fonctionnerait jamais de cette façon.”

Elle suit donc des cours de design, étudie le travail des métaux et l’argenterie – sans jamais toucher un pinceau à l’école d’art. Quand elle obtint son diplôme en 1993, elle s’installa immédiatement à New York «sans plan clair, sans travail, sans appartement et environ 600 dollars» dans sa poche. Elle se releva rapidement et passa la décennie suivante à travailler principalement dans les industries du cinéma et de la télévision et à mener une vie sociale trépidante.

Recherche d’expression

Apprivoisé par Katie-OHagan

L’histoire de la soeur de John F. Kennedy, handicapée sur le plan cognitif, était l’inspiration de Katie O’Hagan pour Tamed (huile, 28 × 38). Au début de sa vingtaine, Rosemary Kennedy a été soumise à une lobotomie, puis à un nouveau traitement, et a résidé pendant un certain temps avec des aides dans un chalet près de l’endroit où habite aujourd’hui O’Hagan. «Ce n’est pas censé être« Rosemary Kennedy », dit O’Hagan, mais plutôt un écho d’elle, sur la terrasse où le vrai Romarin aurait été assis. Je me suis souvent demandé à quel point elle comprenait et comment elle se sentait d’avoir été apprivoisée. Mon portrait montre sa réaction comme atténuée mais toujours apparente, avec ressentiment et résignation dans son regard direct, légèrement accusateur. ”

O’Hagan a été «gênée par une impulsion créatrice frustrante et indéfinissable» pendant tout ce temps, mais elle ne savait pas du tout quelle forme elle devrait prendre. Elle a essayé d’écrire un scénario et de jouer du violon dans un groupe, mais rien ne semblait bien se passer. «Je dessinais parfois des amis comme un tour de passe-passe, dit-elle, mais à part ça, je ne pensais pas à l’art.»

Sa vie a ralenti un peu après la naissance de ses deux filles. La famille a quitté la ville et elle a quitté son travail pour rester à la maison. «Même si j’adorais être maman, je me suis vite agitée avec la routine domestique et je me suis retrouvée à gribouiller sur des bouts de papier et à dessiner des fruits ou tout ce qui traînait.»

Fonctionnement sans manuel

En 2004, sur un coup de tête, elle a décidé d’essayer de peindre et a acheté son premier ensemble d’huiles. «J’ai fait le portrait du fils d’un ami, raconte-t-elle, et je me suis mis à peindre immédiatement. Cela ressemblait à ce que j’avais vu toute ma vie devant moi, et je le voyais enfin. »Elle travaillait surtout quand les enfants faisaient la sieste et après qu’ils étaient au lit la nuit. «Je peignais chaque fois que je pouvais; Je n’ai jamais eu à me forcer à le faire. J’ai visité des musées et des galeries pour la première fois et je me suis approché des toiles pour essayer de comprendre comment les peintures étaient réalisées. ”

Janet-by-Katie-OHaganSteve par Katie-OHagan

Esme-by-Katie-OHagan

Dans le sens des aiguilles d’une montre, en partant du haut à gauche: Janet , Steve , Stephen et Esme (huile, chacun 18 × 18) constituent l’un des ensembles de portraits de membres de la famille encadrés par Katie O’Hagan. O’Hagan explique: «Je voulais une option moderne et esthétiquement agréable pour les portraits de famille et j’ai commencé à utiliser divers traitements de fond unificateurs. Je pensais aussi (plus cyniquement) que les portraits individuels facilitent le divorce en divisant les choses et (moins cyniquement), ils facilitent également l’ajout de nouveaux membres de la famille. ”

Stephen-by-Katie-OHagan

O’Hagan est convaincue que son développement d’artiste non systématique, «au hasard», est le seul chemin qu’elle aurait pu prendre. «J’avais l’habitude d’être très consciente de mon manque de formation», dit-elle, «mais je n’ai jamais été capable de faire attention dans une salle de classe ou avec des tâches répétitives, alors je pense que j’aurais eu du mal à rester concentré. ”

Harvey-Girls-by-Katie-OHagan

Harvey Girls (huile, 48 × 36) est l’une des commandes les plus récentes de Katie O’Hagan. «La mère des filles est elle-même une artiste et m’a laissé beaucoup de liberté», explique O’Hagan. “Je ne connaissais pas bien les filles, mais elles sont assez inhabituelles et aériennes, et je voulais un sentiment presque effrayant pour le tableau plutôt que tout ce qui est sentimental, ce que je tiens à éviter.”

Jamais une personne ne «lit le manuel», elle a tendance à comprendre elle-même des choses, comme elle le dit si bien qu’elle admet que ce n’est pas toujours la méthode la plus efficace, mais qu’elle la maintient engagée. «Il y a certainement beaucoup de choses que j’aurais pu découvrir plus rapidement et plus facilement dans un contexte pédagogique, mais j’y parviens généralement par l’observation et par essais et erreurs. Avoir une capacité décente à regarder dans les yeux et à obtenir rapidement une représentation exacte est mon principal atout et c’est probablement la raison pour laquelle je suis capable de travailler comme je le fais. »Elle a également eu la chance de rencontrer et de rencontrer plusieurs artistes. , dont Paul W. McCormack et Daniel Sprick, qui l’ont inspirée lorsqu’elle a commencé à peindre et lui donnent toujours de précieux conseils.

Peinture d’après photos

Aujourd’hui, O’Hagan peint dans son petit studio, presque toujours à partir de photos. «Il est pratiquement impossible d’intégrer un modèle réel ici, d’autant plus que j’ai tendance à travailler à une assez grande échelle.» Avec un moniteur à côté de son chevalet, elle fait généralement référence à au moins cinq à douze photos. au besoin et en ajoutant ses propres éléments confectionnés. “Je ne copie pas servilement une photo parce que je trouve ça ennuyeux, mais heureusement, je suis un très mauvais photographe, alors ce n’est jamais une option.”

Casse-tête par Katie-OHagan

Breakneck (huile, 48 × 60) est situé dans la vallée de l’Hudson sur la crête de Breakneck, où la légende dit qu’un taureau fou terrorisait les villageois de la localité, qui ont fini par la poursuivre par-dessus le bord de la crête, lui brisant le cou. «L’année dernière, j’ai été attiré par le terrain accidenté et dangereux», a déclaré O’Hagan. «J’ai commencé à beaucoup penser à ce taureau, je suppose comme une manifestation de tout ce qui était sombre et troublant. J’ai décidé de le peindre, ce qui a déclenché une quête d’un an visant à le rendre «juste», ainsi que l’itinéraire le plus détourné que j’ai jamais emprunté avec une peinture. La première restitution, qui mettait en scène un taureau sombre et menaçant, prêt à lancer des charges sur une femme en détresse, a subi de nombreuses révisions. ”

Pour Breakneck (ci-dessus), elle a cité 10 à 12 photos. La tête, le corps et les cheveux du sujet proviennent de références différentes. Elle composa l’essentiel du paysage, mais vérifia les photos pour le gravier et les rochers. «Le pauvre modèle a grimpé une montagne pour prendre les clichés, explique-t-elle. Ainsi, bien que les photos n’aient pas très bien tourné, je me suis débrouillé plutôt que de la refaire. En fait, j’aime bien le défi créatif que représente la lutte avec des matériaux de référence médiocres pour une peinture réussie. ”

Faire un détour

Jusqu’à il y a quelques années, O’Hagan était attiré par la peinture de portrait plus simple et réalisait de nombreuses commandes. Lorsqu’elle n’était pas devant le chevalet, elle réfléchissait à la façon de résoudre divers problèmes techniques, mais depuis lors, sa peinture a radicalement changé.

Radeau de sauvetage par Katie-OHagan

Katie O’Hagan a peint le radeau de sauvetage à une époque de grands bouleversements personnels, alors que son art semblait être la seule chose qui la maintienne à flot. Cliquez ici pour en lire plus.

Au début de 2010, un peu fatiguée de la peinture de portrait commandée, l’artiste a commencé à esquisser des concepts pour des peintures «plus ambitieuses» et à écrire des idées dans un cahier, mais elle était trop nerveuse pour la mettre sur une toile, pour «faire une peinture plutôt que d’ un portrait. » le point tournant pour O’Hagan était le processus de peinture Radeau (ci – dessus), qui a coïncidé avec son divorce plutôt soudaine. Elle était tellement embarrassée par le sujet personnel et littéral qu’elle a tourné le morceau au mur chaque fois qu’elle quittait son studio. «C’était la dernière peinture que j’ai faite dans mon ancien studio, ma vieille vie», dit-elle, «c’était donc très émouvant. Tout ce qui se passait en dehors du studio était si triste et si triste que je ne pouvais échapper à aucune chance. J’ai alterné entre me sentir très désolé pour moi-même et plutôt amusé par le sujet surmené; alors je craignais que personne ne reçoive le léger aspect pince-sans-rire. C’était à la fois une représentation sans faille et une prise de pisse de mon état d’esprit. ”

Ce tableau était avant tout pour O’Hagan un processus extrêmement engageant. «Je ne m’ennuyais pas ni sur le pilote automatique», dit-elle, «et plus que cela, cela m’a ouvert la voie à une nouvelle façon de penser à ce qu’il faut peindre. J’ai vu comment traiter de manière visuelle ce qui se passait en interne. Je n’avais jamais fait ça et c’était effrayant mais grisant. ”

Accueillir le voyage

Depuis qu’elle a peint le radeau de sauvetage, O’Hagan a été «plongée dans» ce qu’elle appelle ses peintures de «dame triste», dont deux présentent l’artiste comme sujet. Plus sombres que ses travaux précédents, ces études psychologiques relatent son parcours émotionnel alors qu’elle se débat avec la solitude et ses conséquences: anxiété, abandon, solitude, introspection. Les émotions de ses sujets – ses émotions – sont palpables, exposées. (L ‘une des séries, Pity Party , a remporté la deuxième place en figures / portraits. Le” concours artistique annuel>du magazine de l’ artiste a paru dans son numéro de décembre 2012. )

Dirty-Laundry-by-Katie-OHagan

Dirty Laundry exprime les sentiments de paranoïa qui peuvent survenir lorsqu’une personne traverse une crise dans une communauté où de nombreuses personnes connaissent votre entreprise.

L’artiste n’a pas consciemment décidé de peindre cette série. «J’ai l’impression que je n’avais même pas le choix», dit-elle. “Les idées semblaient être des enfants réclamant mon attention, et la seule façon de les faire taire était de se concentrer sur eux – les plus” tout d’abord “.” Et en finissant chacune, elle se sentit un peu plus fermée sur ce qui s’était passé. dans sa vie.

Aujourd’hui, O’Hagan a pris conscience de sa situation personnelle et les choses se sont arrangées pour elle, mais sa nouvelle perspective sur la peinture demeure. «J’ai plus d’idées que je n’aurai jamais le temps de peindre», dit-elle. «Passer par un divorce est une période intérieure – je suppose que je suis absorbé par moi-même – et cela se reflète dans le travail pour le moment. À mesure que j’avance et que les idées deviennent moins liées à ma propre situation, mon objectif est de continuer à faire un travail qui signifie quelque chose pour moi mais qui n’est pas si spécifique. Le travail de commission était un bon processus d’apprentissage mais, étant arrivé trop tard, je n’ai pas le travail que je souhaite. Avec cette série “lady sad”, j’ai mes premiers vrais tableaux qui me font penser à moi et correspondent à mon esthétique. Transformer une idée en un bon tableau est une trajectoire d’apprentissage complète en soi et je n’en suis encore qu’au tout début de ce parcours. ”

Thomas Merton a écrit dans No man is an island : «L’art nous permet de nous retrouver et de nous perdre en même temps.» Katie O’Hagan incarne cette merveilleuse dichotomie chaque fois qu’elle prend son pinceau.

Démonstration de peinture à l’huile: «assembler ensemble» une figure

Par Katie O’Hagan

Il m’est difficile de décrire mon travail car mon approche de la peinture est aussi aléatoire que pratiquement tout le reste de ma vie. N’ayant pas appris à peindre dans une école d’art, j’ai développé un procédé inhabituel, un procédé qui pourrait ne pas bien fonctionner pour certains. Plutôt que de commencer par un dessin détaillé ou même de bloquer la figure, je commence habituellement par un œil et je sors de là. Ce qui suit n’est pas une démo complète et détaillée, mais j’espère que mon explication vous permettra de mieux comprendre ma méthode.

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1. Bien que cet œil paraisse assez loin, ce n’est que le premier passage. Je ne souhaite obtenir qu’une approximation de la couleur et de la valeur à ce stade. Une fois que le placement de l’œil est parfaitement précis, je sais que je peux positionner tout le reste correctement. Bien que je ne fasse aucune mesure complexe, je tiens le pinceau de temps en temps horizontalement et verticalement pour m’assurer que tout tombe à l’endroit approprié.

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2. Au bout de quatre à cinq heures, je passe habituellement une bonne première tête. Pour le premier passage, je dilue généralement la peinture avec un peu de térébenthine. Ensuite, je passe à un support composé de deux parties d’essence de térébenthine et d’un support d’huile.

Pour mélanger les tons de chair, j’utilise généralement du blanc de flocon mélangé à de l’alizarine pourpre, du bleu céruléen et de l’ocre jaune. Ce mélange accomplira à peu près tout le teint que je recherche. Pour certains faits saillants, je passe du bleu céruléen au bleu outremer. Pour les peaux plus foncées, j’ajoute du Vandyke brun. J’utilise également des touches de vermillon ici et là pour mes rouges plus chauds et mes zones de couleur plus intenses, comme les joues et le bout des doigts.

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3. Une fois la tête terminée, j’obtiens de plus gros pinceaux et plus de peinture, accélère et commence à bloquer de grandes sections du reste de la peinture. Aucun ordre établi. Je vais généralement me concentrer sur une grande section par session de peinture afin de ne pas avoir à nettoyer ma palette et mes pinceaux.

J’ai du mal à rester intéressée quand je ne fais pas de figure. En fait, cela peut poser un problème lorsque je dois peindre un arrière-plan; Je m’ennuie facilement et je peux être un peu bâclé. J’essaie de me forcer à mettre le même soin dans les autres éléments d’un tableau que dans la figure.

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4,5. Bien que la précision soit importante au début, je ne panique pas si je me suis écarté du document source. En fait, la dérive est presque une donnée. J’utilise rarement le même matériau source pour la tête et le corps, aussi un certain “fudging” est-il nécessaire pour les rejoindre. Ce tableau ne fait pas exception. La tête et le corps proviennent d’images différentes, à des angles légèrement différents. La main à son cou est d’un tiers. Cette méthode signifie que je dois rester flexible et être prêt à dévier de la référence. Les photos sont souvent déformées et, si vous avez un bon sens des proportions, vous vous ajusterez automatiquement pour corriger la distorsion la plupart du temps. Cette approche de «bricolage» ne réussit pas toujours totalement, mais avec le temps, elle est devenue plus facile et instinctive.

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Almost Home (huile, 57 × 38) de Katie O’Hagan

Peinture terminée: À gauche, vous voyez ma peinture à l’huile terminée Almost Home . Parfois, j’ai une idée très précise de la mise en page exacte d’un tableau avant de commencer et parfois, il est plus vague et je le découvre au fur et à mesure. Je ne suis juste pas assez discipliné pour toujours avoir mes canards dans une rangée. Je finis parfois par retendre la toile ou poncer le premier passage et recommencer. Cela est généralement nécessaire lorsque l’idée change une fois que j’ai déjà commencé.
En général, je travaille sur plusieurs tableaux à la fois, ce qui m’aide à rester intéressée, mais peut poser des problèmes lorsqu’un tableau est resté assis pendant un certain temps. Puis, quand j’y reviens, j’ai repensé l’idée et je veux changer les choses. J’essaie de me faire compléter un morceau avant de passer au suivant.

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Détail de la peinture terminée: En fait, mes méthodes de peinture évoluent sans cesse. Quand j’ai commencé à peindre, je détestais faire les mains et je faisais en sorte que les sujets aient toujours les mains derrière le dos ou dans les poches. Cela a définitivement changé et maintenant, les mains sont souvent la partie la plus amusante de la peinture, comme le montre le gros plan (à gauche) de la version finale de Almost Home .

Apprendre encore plus

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