La valeur d'une AMF

Dans une interview avec John A. Parks, Deborah Bright, directrice du département des beaux-arts de l’Institut Pratt, plaide en faveur d’un diplôme de maîtrise. (Cet article a été publié pour la première fois dans le numéro de septembre 2014 de The Artist’s Magazine . )

Après avoir obtenu un baccalauréat en beaux-arts (BFA), de nombreux étudiants sont confrontés à un choix de carrière crucial: obtenir un diplôme de maîtrise en beaux-arts (MFA) ou simplement commencer une carrière tout de suite? La perspective de deux années consacrées à son propre travail, encadrée par des artistes professionnels, a un attrait considérable. De plus, une maîtrise en beaux-arts est considérée comme un diplôme final et permet à son titulaire d’enseigner au niveau collégial.

D’autre part, les coûts d’une AMF sont élevés. Dans de nombreuses écoles, les frais de scolarité pour un programme de deux ans dépassent largement les 70 000 $. Après l’ajout des matériaux et des frais de subsistance, le coût total pourrait bien dépasser 125 000 $. Même si les universités offrent presque toujours une aide financière, la plupart des étudiants peuvent être obligés de s’endetter considérablement. Pendant ce temps, les rendements financiers dans le monde de l’art sont généralement faibles. Alors qu’un petit nombre de stars de l’art accumulent des richesses considérables, la plupart des artistes peinent à continuer de travailler. Enseigner à l’université peut sembler attrayant, mais la vérité est que les emplois sont rares et que les salaires sont souvent étonnamment bas.

Pour discuter des avantages et des inconvénients de la poursuite d’une MFA, j’ai parlé à Deborah Bright, directrice du département des beaux-arts du Pratt Institute, à Brooklyn, à New York. (J’ai” discut avec de jeunes artistes qui ont d l sans mfa.>

John Parks (JP): Quels sont les principaux avantages qu’un étudiant peut s’attendre à tirer d’un programme MFA?

Deborah Bright (DB): Deux années de croissance intense, dirigées par des artistes professionnels réputés, et l’occasion de rejoindre une communauté de pairs capables de former un réseau intégré après l’obtention de leur diplôme. Il arrive souvent que des camarades de classe restent connectés virtuellement, sinon physiquement, avec leurs anciens professeurs et pairs, et nouent des amitiés éternelles. Ceci est important car être un artiste peut être une entreprise solitaire et décourageante sans soutien social.

Je ne saurais trop insister non plus sur l’importance de ces deux années d’intenses efforts pour développer la pratique en studio ou post-studio sans trop de distraction. La transformation des jeunes artistes au cours des études supérieures est étonnante, à la fois en termes de sophistication et de réalisation du travail réalisé et en raison du fait qu’ils comprennent le type d’engagement et l’intensité qu’ils doivent apporter à leur travail pour le soutenir.

JP: Quel conseil donneriez-vous à un étudiant potentiel qui cherche à équilibrer l’équation risque / récompense financière dans la poursuite d’une AMF?

DB: Tous les programmes de MFA proposent différentes formes d’aide financière: bourses d’études, bourses d’assistance de deuxième cycle, assistants diplômés et possibilités de travail-études offrant un meilleur salaire que le salaire minimum. Chez Pratt, nous permettons également à nos étudiants de faire des stages rémunérés pendant leurs études, en même temps que l’expérience professionnelle leur est créditée. Nous les aidons à trouver des possibilités de stage, qui sont nombreuses dans la région de New York. D’autre part, le nombre croissant d’étudiants internationaux (40% de notre classe de maîtrise de maîtrise en beaux-arts chez Pratt) découvrent que les prêts financés par le gouvernement américain leur sont fermés. Par conséquent, les étudiants internationaux ont tendance à venir de familles riches qui peuvent se permettre de les subventionner ou que leur gouvernement d’origine accorde.

Mais il est vrai que, en tant qu’institution privée principalement axée sur les frais de scolarité, Pratt ne peut offrir le même type de soutien financier qu’une université d’État ou une institution privée bien dotée telle que Yale ou le MIT. Nous admettons également une cohorte bien plus nombreuse d’étudiants en beaux-arts (environ 50) chaque année que la plupart de nos institutions homologues. Donc, les fonds sont très serrés pour nous, en effet.

JP: Quelles sont les chances d’un maître en beaux-arts d’obtenir un emploi en enseignement sur le marché du travail actuel?

DB: Ils ont beaucoup plus de chances si les diplômés sont prêts à quitter la région métropolitaine de New York! Je dis souvent aux étudiants qui veulent vraiment enseigner d’aimer volontiers de déménager dans le Midwest ou le Sunbelt pendant un certain temps pour renforcer leur expérience en enseignement. Ils peuvent ensuite postuler à des emplois sur les deux côtes, s’ils le souhaitent.

Rester dans une grande région métropolitaine, à moins de devenir une star du marché (et les stars du marché n’enseignent souvent pas parce qu’elles doivent créer des produits à plein temps), signifie enseigner au bas de la chaîne alimentaire, peut-être pendant des décennies. C’est une vie difficile si vous vous souciez de l’enseignement en tant que vocation. Il n’ya aucune loyauté institutionnelle envers les auxiliaires, le salaire est bas et les avantages quasi inexistants. Ce n’est un secret pour personne que le monde de l’art à New York, de même que l’éducation artistique dans la ville, repose sur le travail sous-financé des artistes, à moins qu’ils ne soient représentés par des syndicats. À Pratt, les professeurs auxiliaires sont syndiqués et garantissent une certaine sécurité d’emploi après avoir enseigné pendant un certain nombre de semestres consécutifs.

JP: Pensez-vous qu’une AMF donne à un artiste un avantage pour obtenir une représentation de galerie ou une autre exposition au monde de l’art?

DB: oui. Il n’en a pas toujours été ainsi, mais depuis le marché de l’art des années 1990, certains programmes très sélectifs du MFA ont versé des salaires attractifs au corps professoral vedette et sont devenus des écoles nourricières (Yale, Columbia, UCLA) pour les systèmes de galeries en New York et Los Angeles, ce qui a considérablement accru les attentes des candidats. Désormais, tous les programmes de MFA tentent de créer des liens avec le monde des galeries en invitant critiques et distributeurs à rencontrer les étudiants de MFA et à découvrir leurs travaux. Par exemple, chaque programme du MFA à New York a des studios ouverts qui font l’objet d’une grande publicité et qui permettent au public (et, espérons-le, aux galeristes et aux conservateurs à la recherche de nouveaux talents) de voir de nouveaux travaux du MFA. Les expositions de thèses ont de plus en plus lieu dans des galeries d’art louées pour une semaine ou deux par les programmes du MFA. À New York, cela représente un réel avantage, et les écoles situées en dehors de New York y louent des espaces pour présenter leurs étudiants au moment de la remise des diplômes. Chez Pratt, nous exploitons notre site de North Brooklyn pour connecter nos étudiants du MFA directement aux galeries et aux conservateurs des quartiers adjacents de Williamsburg et de Bushwick – des lieux qui tendent à montrer le travail d’autres artistes émergents.

JP: Certains jeunes artistes cherchent des moyens de poursuivre leur développement artistique sans chercher à obtenir un MFA. Les communautés basées dans des studios ou des réseaux proches de récents diplômés des collèges offrent une dynamique de groupe similaire à un coût bien moindre. Certains disent que le réseautage à travers les ouvertures de galeries et les événements dans une région métropolitaine est plus efficace que d’essayer de le faire dans un contexte universitaire. Pensez-vous que ces critiques ont un point?

DB: Le réseautage peut fonctionner pour des artistes plus âgés, plus expérimentés et autodisciplinés, déjà installés dans une ville commerçante comme New York, qui sont déjà connectés et savent exactement ce qu’ils veulent et comment s’y rendre. Cependant, c’est rarement le cas. La plupart des artistes issus des programmes BA / BFA ne sont pas à ce stade, pas plus que ceux qui vivent en dehors des grandes villes marchandes telles que New York, Chicago ou Los Angeles. Ils ne savent même pas par où commencer pour trouver ces réseaux, en particulier dans les villes extrêmement concurrentielles où vous savez qui compte, tout autant que la qualité de votre travail.
Si un étudiant de premier cycle obtient ce type de capital social, je dirais qu’il faut y aller! Mais ce genre de bon sens est rare. Pour atteindre leur potentiel, la plupart des jeunes artistes ont besoin de ces deux années de croissance intensive sous la tutelle de professeurs experts et de pairs tout aussi ambitieux. Ils auront le reste de leur vie pour se faire connaître comme artistes professionnels. Deux années doivent être mesurées par rapport à 40 ou 50 ans de productivité. L’école reste un bon investissement si être artiste est ce qui compte vraiment pour vous.

En outre, et je ne saurais trop le souligner, le marché ne s’adresse pas à tout le monde: c’est un système gagnant-gagnant qui prend tout, qui est très compétitif et qui exclut beaucoup de bon travail. Heureusement, il existe d’autres moyens de vivre et de travailler en tant qu’artiste. On peut travailler dans une communauté en tant qu’artiste en résidence; travailler pour un organisme artistique sans but lucratif; construisez une petite entreprise générant suffisamment de revenus pour subvenir aux besoins de son art ou travaillez avec des enfants dans des entreprises quasi éducatives, telles que Studio in a School à New York. Pour être exposé à ces options, il faut être dans un endroit où ces contacts peuvent être établis. Chez Pratt, tous les étudiants du Master sont animés par un solide séminaire sur les pratiques professionnelles, ce qui leur permet de se frayer un chemin dans le monde des organisations à but non lucratif et du marché.

Le but réel de l’enseignement supérieur est d’enseigner aux étudiants comment continuer à enseigner eux-mêmes – faire preuve de souplesse et tirer parti des possibilités qui s’offrent à eux. Il n’existe pas de cheminement de carrière unique et inévitable pour tous les artistes; la plupart des artistes vivent de nombreuses «vies» différentes au cours de leur carrière.

Liste de contrôle des futurs étudiants MFA

  • Faites une recherche approfondie dans les programmes pour vous assurer qu’ils offrent une formation et un soutien pour le type d’art qui vous intéresse. Visitez les écoles et discutez avec les étudiants et les professeurs.
  • Découvrez combien d’aide financière est offerte; cela varie beaucoup d’une école à l’autre. Souvent, les écoles haut de gamme bénéficient de plus d’aide que les écoles moins chères et plus petites. Rencontrez un agent de l’aide financière et soyez prêt à négocier.
  • Jetez un coup d’œil aux programmes qui se déroulent sur plusieurs étés. Ils sont généralement moins chers.
  • Comprenez qu’il n’y a aucune garantie de carrière avec un MFA. Les emplois en enseignement sont rares et le monde de l’art n’est pas un endroit facile pour gagner sa vie. Toutefois, des écoles «de nom» comme Yale, Columbia, la RISD (École de design du Rhode Island) ou l’Université de Californie de Los Angeles (UCLA) confèrent des avantages indéniables en termes de perspectives de carrière.

Peintre et écrivain, John A. Parks a exposé son travail à New York et dans le monde entier. Il est titulaire d’une maîtrise en peinture du Royal College of Art de Londres, ce qui équivaut à un MFA américain. Selon Parks, «J’ai eu la chance d’étudier en Angleterre à une époque où on nous donnait à la fois des cours gratuits et une petite allocation de subsistance.»

Note de l’éditeur: Il existe une myriade d’excellents programmes de maîtrise en beaux-arts dans des collèges, des universités et des écoles d’art situées dans d’autres régions et dans d’autres pays.


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