Le dessin est le coeur

Le dessin est le coeur
Le dessin est la base de l’expression de soi. Apprendre à dessiner est le moyen le plus lent mais le plus sûr d’atteindre la maîtrise de votre peinture.

Par Juliette Aristides

. Le dessin est le coeur et l’âme de l’art . Cependant, il est souvent sous-estimé et parfois même redouté, car des artistes autrement diligents sont dissuadés par l’engagement du temps requis. Dans les années 1960, 1970 et 1980, à la suite de l’expressionnisme abstrait, du néo-expressionnisme et de la vogue de l’art d’assemblage et d’installation, le dessin a presque disparu du programme de la plupart des écoles d’art. Dessiner semblait inutile, presque désuet. Déjà avant cela, dès 1924, apprendre à dessiner était considéré comme secondaire par rapport à l’apprentissage de la peinture, comme le montre ce commentaire de Harold Speed: «Le dessin, bien que le premier (en importance), soit aussi la dernière chose qu’un peintre études. Il y a plus dans le dessin (le dessin) qui peut être enseigné et qui rapporte une application constante de l’effort »(tiré de The Practice and Science of Drawing , réimprimé par Dover en 1980).

La couleur est immédiatement séduisante, certes, mais la forme ravit aussi bien l’esprit que l’œil. Pourquoi le dessin, quel que soit le sujet, est-il si important? Pensez à un portrait où les yeux sont mal alignés ou à un paysage où la perspective est de travers. Quel que soit l’impact émotionnel qu’aurait eu le tableau autrement est effacé par un défaut technique. Speed ​​croyait qu’il était possible d’apprendre à dessiner et, en tant qu’enseignant d’artistes, je témoigne de cette vérité. Tout le monde peut apprendre à dessiner mais, comme au piano, cela ne se fera pas du jour au lendemain et cela ne se fera pas sans la pratique. Certains artistes commencent avec une installation, car ils dessinent depuis leur enfance. Dans mon atelier, je vois ce genre d’étudiant et je vois l’autre type, ceux qui manquent de compétences mais qui sont déterminés à essayer. Le deuxième groupe réalise des gains énormes, tandis que ceux du premier groupe prennent rarement les risques nécessaires pour réussir. Ceux qui ont la discipline pour persévérer deviennent des dessinateurs qualifiés, capables de maîtriser les techniques de tous les supports.

Autoportrait avec une étoile de David de Juliette Aristides

“Autoportrait avec une étoile de David” (huile, 44 × 32) est inspiré de “Femme aux écailles” de Vermeer. La photo encadrée à gauche est une eau-forte d’une peinture de Rembrandt; à droite, une copie d’un dessin académique russe du XIXe siècle. La copie de chefs-d’œuvre entraîne à la fois votre œil et votre main.

La tradition académique

J’enseigne actuellement ma propre classe d’atelier à l’Académie des beaux-arts de Seattle. Le programme que j’ai élaboré est rigoureux, conformément à la tradition académique qui a débuté dans les ateliers d’artistes de la Renaissance et s’est épanoui aux 18e et 19e siècles, notamment à l’École des Beaux-Arts et à l’Académie Julian. Les siècles précédents ont compris que l’artiste avait besoin d’être bien formé en tant que dessinateur avant de passer à la peinture; souvent, une décennie d’études en dessin n’était pas considérée comme excessive. Il était également admis que les compétences d’un artiste devaient être perfectionnées avant de tenter d’aborder le grand sujet de la forme humaine. Ce n’est qu’après que l’artiste a fait ses preuves en peignant des moulages de figures et des arrangements de natures mortes qu’il a pu commencer à exprimer la vitalité et la noblesse de la figure. Pour peindre la forme humaine, l’artiste doit non seulement réaliser une ressemblance, mais aussi suggérer – avec profondeur, sensibilité et intégrité – ce qui se cache au-delà de l’apparence: l’âme.

La compétence améliore l’expression de soi

On a dit aux artistes débutants que la compétence elle-même inhibe l’expression de soi. Au contraire, je crois que l’apprentissage du métier d’artiste vous permet d’exprimer votre propre vision. Les compétences traditionnelles sont la base sur laquelle vous, l’artiste, travaillez. C’est l’artisanat, pas le manque, c’est la base de l’expression de soi. À l’inverse, être créatif sans connaissance de l’artisanat équivaut à vouloir décorer un bâtiment dont la structure n’est pas saine. Cela n’a pas de sens.

Je considère que mon enseignement transmet un patrimoine artistique qui serait autrement perdu. Quand j’enseigne, j’essaie de transmettre les informations dont un artiste a besoin d’une manière compréhensible. Les tâches complexes de dessin et de peinture deviennent plus faciles à gérer lorsqu’elles sont décomposées.

Blu de Juliette Aristides

La première fois que j’ai vu le modèle Pan, j’ai été pris de court; il avait un calme profond et une présence autre parole que je trouve rare. Dans des portraits comme «Blu» (ci-dessus; huile, 34 × 24) et «Pan» (ci-dessous; crayon Conte et fusain, 18 × 15), j’ai essayé de transmettre des aspects contrastés de son esprit.

Pan de Juliette Aristides

Pan (Conte crayon et fusain, 18 × 15) de Juliette Aristides

Le dessin est un processus de simplification

Il n’y a rien de plus important que de dessiner. Le processus de simplification, l’acte de concevoir, relève du domaine du dessin. Tout, chaque aspect de l’art – c’est-à-dire les proportions, la valeur et la forme – mais la couleur relève du domaine du dessin. Si l’artiste a d’abord été formée en tant que dessinateur, elle est libre de se concentrer sur la couleur plutôt que de s’inquiéter de ne pas obtenir les bonnes proportions.

L’un des paradoxes de l’apprentissage du dessin réside dans le fait que la phase de début exige de sacrifier les détails au profit du dessin et du geste, tandis que la phase de fin exige que chaque partie du corps soit rendue, sinon l’œuvre aura un aspect générique et plat. Apprendre à dessiner prend du temps; il faut que tu puises dans la vie tous les jours. Dans mon atelier, les étudiants commencent par se concentrer sur le dessin. les étudiants plus avancés passent à la peinture monochromatique puis entièrement chromatique. Les élèves dessinent des moulages en plâtre, le modèle nu et des configurations de nature morte. ils copient également des chefs-d’œuvre. Les projets deviennent de plus en plus complexes à mesure que leurs compétences, ainsi que leur confiance en elles, grandissent.

Comment passer du dessin à la peinture

Il y a autant de façons de commencer une peinture qu’il y a de tempéraments. Je trouve utile de diviser le processus de peinture en ses différentes composantes: composition, dessin, valeur et couleur – généralement travaillées dans cet ordre. La base est forte conception; une conception forte aura un impact de l’autre côté de la pièce. Le deuxième élément le plus important est le dessin. Mon but est que le dessin soit à la fois précis et bien conçu. Ensuite, je travaille sur l’unification des valeurs afin que les zones sombres fournissent un contexte aux lumières. Enfin, je me concentre sur la couleur, à la fois la couleur locale et la manière dont la lumière affecte cette couleur locale.

Travailler par étapes: un métier d’artiste

Habituellement, je travaille plusieurs jours sur la composition. Ensuite, je dessine directement sur la toile. J’affine le dessin avec de l’encre de chine permanente diluée (pour que la couche de peinture suivante n’enlève pas le trait), appliquée avec un pinceau fin. Ensuite, je fais une sous-couche monochromatique qui établit les valeurs. Pour cela, j’utilise souvent de la terre d’ombre crue mélangée à de la térébenthine; Ce mélange peut recouvrir complètement la surface de la toile, mais les lignes d’encre resteront visibles en dessous. Je sors les lumières avec un chiffon de coton.

Je travaille toujours du général au particulier. Je commence par les relations les plus larges en ligne, valeur et couleur avant de me concentrer sur les relations plus petites au sein de chaque objet ou de chaque partie. À l’aide d’un pinceau large, je bloque les relations de couleurs globales. La plupart des bords sont perdus; Je suis préoccupé par la liaison des objets.

À ce stade, je regarde à nouveau le dessin. Est-ce qu’il lit bien à distance? Y a-t-il une partie subordonnée du tableau qui retient trop l’attention? Un bord doit-il reculer ou avancer? Souvent, je fais une liste et la consulte au fur et à mesure que je modifie.

Dessin de Jeremy par Juliette Aristides

Cette peinture représentait un saut pour moi, car elle montrait que j’avais acquis la confiance nécessaire pour appliquer mes compétences en dessin directement à la peinture. Jusque-là, j’avais suivi un processus indirect consistant à développer complètement un dessin, puis une sous-couche monochromatique avant de passer à la couleur. Avec «Drawing of Jeremy» (huile, 26 × 22), j’ai commencé à peindre plus directement, en jouant avec les bords perdus et trouvés, ainsi qu’en utilisant une palette très chromatique.

Se concentrer enfin sur la couleur

Maintenant, je vais me concentrer sur une partie de la peinture à la fois et amener chaque zone à un état fini. J’essaie de garder les formes d’ombre unifiées et simples; Je le fais en ne permettant pas trop de variance de valeur dans les ombres. Ensuite, je concentre mes efforts sur les demi-teintes entre le cœur de l’ombre et les lumières. Si je sens une couleur, je la mets dedans – il ne s’agit pas tellement de voir la couleur, elle en voit une lueur du coin de l’œil. J’espère que cela aura l’air correct dans le contexte. Plutôt que d’utiliser une seule couleur pour un domaine entier, je cherche des relations de couleurs. La couleur dans la nature est extrêmement variée, extrêmement complexe et d’une beauté étonnante. Tant que le dessin et la plage de valeurs sont forts, la couleur peut être une question d’opinion. Le spectateur refusera de juger ce qui semble plausible au profit de ce que l’artiste crée.

Lumière dans l’obscurité

Je savais dès le départ que je voulais être artiste. J’ai grandi à Reading, en Pennsylvanie, une ville assez petite. Mes parents avaient émigré du Cap, en Afrique du Sud, où je suis né. Mon père était médecin et ma mère, quand j’étais jeune, restait à la maison. Nous avons eu beaucoup de livres, notamment une collection de 50 ou 60 monographies sur les maîtres peintres. Ma famille a également fait pas mal de voyages, alors j’ai vu beaucoup d’art et copié beaucoup d’œuvres. J’étais un grand fan de Rembrandt.

Quand j’étais adolescent, je réglais mon réveil à 2 heures du matin pour pouvoir rester seul et marcher dans l’obscurité. J’avais beaucoup lu de philosophie et je pensais qu’il était important de communier avec la nature, surtout à une époque où tout le monde semblait endormi. C’est incroyable à quel point je pouvais voir; J’ai fait beaucoup de croquis à ce moment-là. Quand tu as cet âge, la vie est si nouvelle et tu es si vivante. C’est comme si vous voyiez des choses pour la première fois, comme si tout était en feu.

Je pense que les artistes utilisent continuellement cette intensité de jeunesse. Au fur et à mesure que j’ai mûri en tant qu’artiste, mon travail semble être de plus en plus axé sur la révélation. Je vois la peinture comme un acte d’illumination, de travail dans l’obscurité jusqu’à la lumière. La lumière est un grand révélateur de choses. Un enseignant, Myron Barnstone, m’a dit un jour: «La tombe est pour les ténèbres. Les toiles d’araignée sont pour la tombe. Quand vous êtes en vie, vous devriez célébrer la lumière. »Cette déclaration a résonné en moi. Je trouve fascinant qu’il y ait dans la vie ces moments où vous réalisez que quelque chose d’important se passe; qu’une expérience ne sera jamais reproduite; qu’il s’effacera et sera oublié pour ne jamais être récupéré – à moins que vous ne le peigniez. Avoir la capacité et la capacité de peindre ce genre de moment, d’enregistrer ce genre de révélation, est incroyablement merveilleux.

Rachel (huile, 21x13) de Juliette Aristides

Souvent, les artistes travaillent et retravaillent le même thème. Comme Edgar Degas (1834-1917) est célèbre pour avoir déclaré: «Vous devez faire sur le même sujet dix fois, cent fois. En art, rien ne doit paraître accidentel, pas même un mouvement. »Au-dessus se trouve« Rachel »(huile, 21 × 13); ci-dessous est «Académie (crayon Conte et fusain, 22 × 13).

Academia de Juliette Aristides

Academia (crayon Conte et fusain, 22 × 13) de Juliette Aristides

Aspects de l’artisanat
Conseils de l’atelier

1. Tirez des moulages en plâtre de statues antiques.

2. Copiez les dessins maîtres. Cette pratique vous donnera l’occasion d’étudier comment les maîtres ont transformé la nature, avec toute sa variance, son abondance et ses détails, en ligne.

3. Pensez comme un designer. La plus grande imitation n’est pas le plus grand art. En vous inspirant de la vie, cherchez ce que vous voulez dire et soulignez le caractère dominant de la pose du modèle.

4. Travailler du général au particulier. Il est facile de se sentir dépassé par la complexité de la nature et il faut de l’expérience pour commencer à distinguer ce qui est pertinent de ce qui est inutile.

• plisser les yeux en regardant votre sujet.

• Regardez à travers le verre coloré ou l’acétate coloré pour vous aider à voir la ligne.

• Avant de commencer à peindre, condensez toutes les informations dans une petite esquisse, par exemple 3 x 4 pouces. Si l’esquisse se lit bien de l’autre côté de la pièce, vous êtes prêt à commencer à peindre.

Recline de Juliette Aristides

Je commence par un dessin léger avec du charbon de vigne moyen ou dur ou des crayons Conte sépia, en ajoutant progressivement des couches de tons successives, ou je pose un ton moyen uniforme sur du papier fusain tout en étirant les lumières à l’aide d’une gomme malaxée, comme je l’ai fait pour «Inclinaison». (Crayon et charbon de bois, 15 × 18).

Ceci est un article complet du Magazine de l’Artiste (mars 2004). Si vous avez aimé lire ceci, cliquez ici pour voir d’autres œuvres d’art époustouflantes et pour lire les autres reportages de 2004.


A propos de l’artiste

«Les gens ont l’impression que le fait d’avoir des enfants limitera leur vie ou enfermera leur monde, mais j’ai réalisé après avoir eu ma fille et mon fils que mon monde était auparavant fermé», déclare Juliette” aristides> , lauréate du prix Wilder de dessin de la National Academy of Design à New York en 1995. Elle a étudié avec Jacob Collins au célèbre Water Street Atelier; elle a maintenant son propre atelier. Son site Web est www.aristidesarts.com .

, and Classical Drawing Atelier by clicking on the book titles. Pour en savoir plus sur les enseignements d’Aristides sur le dessin, consultez ses leçons de dessin classique et son atelier de dessin classique en cliquant sur les titres du livre.

Laisser un commentaire

Votre adresse de messagerie ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *

2 + 4 =