Monter un spectacle | Tomie DePaola

Tomie DePaola s’entretient avec un autre maître illustrateur, Will Hillenbrand , à propos de l’impératif du livre d’images: être fidèle au cœur – et à la délicieuse responsabilité de captiver et de divertir.

Parmi les nombreuses récompenses de Tomie dePaola figurent la médaille Smithson de la Smithsonian Institution, le prix Kerlan de l’Université du Minnesota et la médaille de Regina de la Catholic Library Association. L’American Library Association lui a décerné un livre d’honneur Caldecott, un livre d’honneur Newbery et le prix 2011 Laura Ingalls Wilder pour «sa contribution substantielle et durable à la littérature pour enfants».

Photos par Ian Hillenbrand

Photos par Ian Hillenbrand

Will Hillenbrand, un vieil ami de Tomie, auteur et illustrateur de livres primés comme What a Treasure! , En route pour Tondo , le printemps est arrivé et Louie! , a rencontré Tomie pour la première fois il y a 27 ans lorsque Will et son épouse, Jane, ont assisté à la réception d’ouverture d’une exposition du travail de DePaola à Nashua, dans le New Hampshire. Le lendemain, ils ont suivi l’atelier de DePaola, «Alors tu veux écrire un livre pour enfants». En novembre 2012, Will et Tomie ont bavardé dans le studio de DePaola, une grange vieille de 200 ans, dans le New Hampshire.

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Will Hillenbrand: Ce qui est particulièrement fort dans votre travail, c’est la façon dont il communique avec les enfants. J’ai pris une photo que Jane a prise de deux de ses élèves de maternelle qui regardent l’un de vos livres – ils sont fiancés; ils rient leur réponse est juste instinctive.

Tomie DePaola: Donc, ce n’était pas posé!

C’est aussi spontané que possible. Lorsqu’un artiste expose dans une galerie, il peut voir combien de temps les gens restent devant une œuvre. Pour un illustrateur de livres pour enfants, c’est l’équivalent: voir les enfants réagir à votre livre. Alors ma première question: comment avez-vous obtenu votre contenu et votre art jusqu’à ce point de communication qui soit simplement organique?

Si je le savais, je serais milliardaire! Je ne veux pas être un malin, mais je pense que cela m’est venu avec le temps. Si je regarde mes premières affaires, elles ne sont pas encore là. Je suis trop plein de moi-même, trop plein de vantardises, montrant à quel point je pouvais hacher, par exemple.

Je pense que c’est la progression d’un jeune artiste. Vous montrez et ensuite, ou vous-même, trouvez soudain le cœur du travail. J’ai soudainement commencé à être fidèle au cœur: l’humour, le pathos, tout ce qui est là.

J’ai dû apprendre à dessiner, bien sûr; J’ai dû apprendre à composer. Je suis né avec un A sur mon front, mais lorsque je suis arrivé à l’Institut Pratt à l’automne 1952, il était évident que tout le monde là-bas portait également un A gravé sur son front. Ces A ont commencé à s’estomper après les premières semaines, se transformant en C et en B. C’est donc à Pratt que j’ai appris, et je veux dire appris. Je me souviens que l’un des enfants a demandé à l’instructeur: «Quand allons-nous faire quelque chose de réel? Quand allons-nous arrêter de faire ces projets, ces missions? quand allons-nous faire quelque chose? »Et l’instructeur a dit:« Quand vous êtes assez mature pour faire quelque chose, vous allez créer quelque chose de réel. tout ce que vous faites est de la merde en ce moment. ”

Un jour – et cela s’est vraiment passé ainsi – je me suis réveillé et j’ai pu prendre tout ce qui m’intéressait et sur lequel j’avais travaillé – je pouvais prendre le trait, la couleur, ma capacité à manipuler le trait et ma capacité à dessiner – et combinez cela avec des choses que j’avais apprises au théâtre. Le théâtre était ma deuxième vocation. J’avais étudié le théâtre et la danse, ainsi que la scénographie et la confection de costumes, pas aussi formellement que l’illustration chez Pratt, mais tout est venu ensemble. Je l’ai reconnu sur la page. À ce stade, j’avais quelque chose à peaufiner et à construire.

Big Anthony, Bambolona et Strega Nona, avec l’oiseau blanc emblématique de dePaola

Big Anthony, Bambolona et Strega Nona, avec l’oiseau blanc emblématique de dePaola

Vous avez découvert votre talent à un jeune âge, mais vous l’avez redécouvert après avoir vécu différentes expériences.

Je savais qu’à 4 ans j’allais devenir artiste. et Trina Schart Hyman, ma bonne amie qui n’est plus parmi nous, elle le savait à 41/2; Georgia O’Keeffe savait à 10 ans qu’elle allait devenir peintre. Meryl Streep savait à 11 heures qu’elle allait devenir actrice. José Limón savait à 6 ans qu’il allait danser. Être artiste, ce n’est pas être médecin. ce n’est pas comme être un enseignant; c’est inventer quelque chose à partir de rien. Cela ressemble à ça de l’extérieur, mais c’est du sang, de la sueur et des larmes. C’est un mystère pour les gens qui ne le font pas et parfois un mystère pour ceux d’entre nous qui le faisons.

Donc, vous commencez avec un talent. Je regarde ce portrait que Picasso a fait quand il avait 11 ans et, bien sûr, il allait devenir célèbre. Ce n’était pas un dessin académique d’un visage; c’était quelque chose de plus que cela. Je pense que différents artistes culminent à des moments différents. J’ai travaillé très fort chez Pratt. Un de mes bons amis, Roger Crossgrove, mon instructeur de peinture, m’a montré son vieux carnet de notes. J’avais un C-minus, mais à la fin de l’année, j’avais un A-plus. Donc, quelque part au cours de cette année, j’ai appris à peindre. Quand je dis «appris à peindre», je veux dire, j’ai appris à manipuler la peinture pour qu’elle devienne une seconde nature.

Une diffusion de The Birds of Bethlehem, dont les images illustrent la conviction de DePaola, "Tout commence par la forme."

Une diffusion de The Birds of Bethlehem, dont les images illustrent la conviction de dePaola: «Tout commence par la forme.”

Parlez-moi un peu plus de Pratt.

Nous avons eu beaucoup de chance, car bon nombre de nos instructeurs étaient des réfugiés, d’excellents artistes modernes comme Richard Lindner. Bien sûr, les nazis voulaient se débarrasser de tout l’art moderne, comme le fait tout régime fasciste, alors les artistes se sont enfuis aux États-Unis. Pratt, de la Rhode Island School of Design, et Cooper Union avaient ce programme: si vous étudiez l’une des quatre disciplines — illustration, design publicitaire, design industriel ou design de tissu — vous suiviez le même cours d’étudiant de première année; il s’appelait l’année de fondation, basée sur l’année de fondation du Bauhaus dans les années 1930. Je me suis récemment assis à nouveau et ai lu ce traité du Bauhaus; il a toujours sa validité, non pas comme une fin en soi, mais comme méthode de formation. C’est toujours l’un des meilleurs, tous basés sur la conception, la conception bidimensionnelle et tridimensionnelle et le dessin.

Le premier cours en illustration s’appelait Creative Expression. Donc, Lindner nous donnerait un problème, il nous donnerait un sujet, puis nous devions aller le chercher. Disons qu’il nous a donné Greenwich Village. Nous allions nous-mêmes au village et nous devions ensuite écrire un petit paragraphe sur nos impressions. La semaine suivante, nous devions illustrer ce paragraphe. Tous les soirs, nous avions des gros blocs-notes et un n ° 4 ou 5, un crayon très dur utilisé par les architectes, nous devions faire ce qu’il appelait des «dessins d’observation», car il disait que l’important, pour un illustrateur, était d’observer. Il allait nous entraîner à observer – comme quelqu’un apprend des gammes au piano. Nous prenions de petites choses comme la tige d’une montre, là où ça roule, et nous passions 15 minutes à tirer en ligne seulement, sans ombrage. La première semaine, nous étions tous: «Quinze minutes, tu n’es plus fou!» À la fin de l’année, nous n’aurions même pas fini ces petits dessins en 15 minutes, car nous deviendrions tellement observateurs. Cela entraîne ton oeil. Il apprend à tes yeux à regarder. L’oeil est un muscle.

Il en va de même avec la théorie de la couleur de Josef Albers. Tu regardes la couleur; vous regardez ce que fait la couleur avec la couleur dans vos exercices avec la couleur, et vous renforcez les cônes de couleur dans vos yeux, de sorte que vous voyez soudainement plus de couleur. Ce sont les choses dans lesquelles les artistes doivent être formés.

Tomie DePaola et un partenaire de danse interprètent le Charleston at Pratt.

Tomie DePaola et un partenaire de danse interprètent le Charleston at Pratt.

Un des aspects de votre travail que j’aime beaucoup est votre utilisation de la forme – comment vous utilisez une page rectangulaire pour nous attirer, pour y attirer notre attention – pour pénétrer dans un espace lisible afin que nous puissions voir les formes qui font un paysage.

Tout commence par la forme. Encore une fois, c’est là que la formation au Bauhaus est entrée en jeu, car nous avons commencé par une conception en deux dimensions, des formes rectilignes avec un angle droit et un angle. Ensuite, nous avons commencé à utiliser des formes organiques; alors nous couperions du papier et ces formes deviendraient quelque chose. Nous devrions forcer les formes à devenir quelque chose. Parfois nous avons réussi, parfois non. Mais alors vous commencez à réaliser, OK, peut-être que ce groupe de maisons là-bas ne se résume pas à de petits rectangles individuels; peut-être font-ils une forme non rectiligne comme ils ont été assemblés. Et vous réalisez soudain que c’est la même chose avec les chiffres, la même chose avec les animaux.

Ils nous apprenaient à voir d’abord la forme, puis la forme individuelle. Ou ce que cette forme pourrait devenir. La forme n’était pas la fin du processus; la forme était le début du processus. Ce que l’on appelait à Pratt – je n’y pensais pas depuis si longtemps – était «l’équivalent abstrait d’une image». Et je le fais toujours. Je vois toujours la page, commence par la page, en tripotant des formes. Il faut commencer par cette fondation.

J’étais à une de vos ouvertures au musée Eric Carle du livre d’art et un jeune vous a demandé: «Quelle est la seule chose qui m’aiderait à devenir un artiste de livres d’images?

Quelle est la réponse? Je n’ai pas de réponse!

Vous avez répondu: “Prenez le théâtre.”

Oh oui, je le crois. Ce que vous devez comprendre, c’est qu’un livre d’images est un continuum temps / espace. Vous commencez avec la page de titre, puis vous vous tournez et si vous regardez les enfants regarder des livres d’images, sans même lire les mots du livre d’images, mais simplement en regardant les images, ils vont – je les ai regardés moi-même – ils vont visualiser un livre d’images au même «rythme» que celui que j’avais lorsque je l’ai créé. Ils accélèrent sur les pages censées être accélérées; alors ils arrivent à une grande page et ils s’arrêtent.

C’est pourquoi Richard Lindner nous a dit que nous devions tous rejoindre le théâtre. C’était bien: j’étais déjà dans le théâtre. Lindner a déclaré: «Créer un livre, c’est jouer. Faire un livre, c’est faire une série de photos et en faire cette série de photos, vous faites un parcours émotionnel qui est temps / espace. Vous ne regardez pas simplement un livre d’images et c’est fini. Vous devez tourner la page; vous devez y investir. ”

Quand j’ai fait une version complète de «Old Mother Hubbard» ( les aventures comiques de Old Mother Hubbard et son chien ), qui comporte de nombreuses strophes, je l’ai faite comme une pièce de théâtre avec un décor de théâtre avec des boîtes, avec les personnages de Mother Goose assis dans les boîtes. Je savais que je voulais que mère Hubbard s’habille. Je me suis inspiré d’un vieux dessin, d’une empreinte que j’avais vue, d’un costume ridicule parfait, puis la question était de savoir quel genre de chien elle allait avoir. «La vieille mère Hubbard est allée chercher un os dans le placard, mais quand elle y est arrivée, le placard était vide et le pauvre chien n’en avait aucun.» Au début, il semble qu’elle soit pauvre, mais non, si vous lisez plus loin elle habille ce chien tout habillé; elle lui achète une perruque. Elle est riche! J’ai connu une femme riche qui vivait à Wilmot Flat, où j’habitais dans le New Hampshire; C’était une charmante dame, elle avait un caniche d’abricot. Mère Hubbard s’est donc retrouvée avec un caniche d’abricot parce que les dames riches avaient des caniches d’abricot, pas un chien de chasse vieux.

Les grands-parents irlandais de Tom, une histoire basée sur l’enfance de DePaola.

Les grands-parents irlandais de Tom, une histoire basée sur l’enfance de DePaola.

Vous avez décrit quelque chose que je ne veux pas oublier: vous avez approfondi le texte.

Oui, oui, vous devez.

Vous trouvez les indices… et vous vous demandez, qu’est-ce que cela signifie? Lorsque vous créez des personnages originaux tels que Big Anthony, Strega Nona ou Mary qui a eu un petit agneau, vous n’utilisez pas de références de photos. Mary est Mary, elle n’est pas générique. Comment lancez-vous vos personnages?

J’ai littéralement un appel de casting. Quelque chose d’autre que j’ai appris au cours de ces merveilleuses années chez Pratt et à Brooklyn. Nous avions tous ces cahiers à croquis noirs, 8 × 11 reliés, et nous avons tous pris le métro, et nous avons dessiné et dessiné et dessiné des personnes et des visages. La nouvelle vague de cinéma français était sur nous; Ingmar Bergman était sur nous. Lindner nous a encouragés à aller voir des films et à regarder les actrices. Ce n’est pas une erreur si le Museum of Modern Art possède toute une collection de films. J’allais tous les samedis regarder les films muets parce que j’avais un abonnement gratuit. J’ai appris à regarder les expressions des gens.

Quand je commence un personnage, parfois, j’imagine que si j’étais un producteur hollywoodien, je serais assis là. Oh, je dois interpréter Mary pour “Mary Had a Little Lamb” et je verrais 300 petites filles et il y aurait quelque chose de mal avec chacun d’eux. Et puis j’attendrais ma limousine pour venir me chercher… et tout à coup une petite fille de l’autre côté de la rue avec son chien — et elle est parfaite. «Hé, gamin, tu veux être au cinéma?» C’est comme ça que ça se passe pour moi. Parce que j’ai passé beaucoup de temps à observer et que j’observe toujours des visages, je fais beaucoup de gribouillis.

Quand j’ai fait Mary avait un petit agneau , je vivais ici dans le New Hampshire et Sarah Josepha Hale, qui a écrit cette comptine, n’avait pas vécu à moins de 20 milles. J’étais très ami avec le bibliothécaire – c’était dans les années 1970 – et je voulais faire une belle édition de Mary Had a Little Lamb avec tous les versets qu’il contient. Et comme cela s’était passé ici, dans le quartier où j’habite, j’ai fait des recherches et fait des croquis de lieux réels. À Newport, j’ai mis cette petite fille dans les paramètres réels. Je les ai bien sûr stylisées pour ressembler aux peintures Early American parce que c’est à ce moment-là que j’ai été décorées et j’adore quand même la peinture Early American, et je voulais avoir ce sentiment dans le livre. Je voulais que ce soit drôle pour les enfants. Même dans mon enfance, je me suis dit que ce ne serait pas amusant de faire courir un agneau dans la classe, car c’est ce qui se passe dans le poème. Donc toutes ces choses entrent dans le casting.

Je vais changer légèrement de personnage et passer des humains aux animaux. Les enfants se rapportent automatiquement à vos personnages d’animaux; est-ce un talent différent ou le même talent?

J’ai appris de l’oncle Walt! Je l’ai certainement appris de Disney dans un sens. À l’école primaire, il y avait toujours des enfants qui copiaient des personnages de Walt Disney et, bien sûr, je ne l’ai jamais fait parce que mes cousins ​​artistes m’ont dit de ne pas copier. Je créerais mes propres personnages animaliers. Les personnages animaliers sont très importants. les enfants plus jeunes peuvent avoir des relations avec les animaux plus que les autres; il est peut-être vrai qu’ils transmettent des émotions aux animaux, mais j’ai déjà eu des animaux et je sais que ceux-ci ont une personnalité.

Je me souviens que j’avais probablement trois ou quatre ans et que ma mère m’emmenait voir Qui a peur du grand méchant loup de Walt Disney avec une double facture avec Les trois petits cochons , qui étaient dans leurs petites tenues. Le bon petit cochon qui construit sa maison en brique était en combinaison et les deux autres portaient de petits chapeaux de marin. J’ai donc toujours aimé ça. Je ne fais que continuer.

La dernière page de The Quilt Story, qui montre l’amour de DePaola pour l’art populaire américain.

La dernière page de The Quilt Story, qui montre l’amour de DePaola pour l’art populaire américain.

J’aimerais que vous parliez des qualités remarquables de la couleur dans votre travail.

Quand j’étais jeune et que je recevais des jeux de 60 crayons au crayon ou les merveilleux 68 crayons Crayola — maintenant, c’est 395 crayons Crayola! — Et je pense que c’était probablement parce que j’étais prétentieux, mais je me trouvais toujours attiré par le «turquoise» ou «Corail», au lieu de «bleu» et «rouge». Ces noms m’ont fasciné et j’ai adoré ces mélanges. Ce genre de chose est entré dans ma psyché, et ce qui est également arrivé a été l’avènement de la VHS et, bien sûr, du DVD. Ma mère m’a emmené voir Blanche-Neige et les Sept Nains et l’année suivante, Pinocchio , les deux personnages principaux de Walt Disney, quand j’avais 4 ans et 5 ans. Quelque part dans ma tête quand j’étais petit garçon, je me suis souvenu des couleurs et je me suis souvenu d’eux. différent des couleurs qui entouraient ma vraie vie.

Plus tard, et à ce moment-là, j’étais certainement hors de Pratt, je m’intéressais beaucoup à la théorie des couleurs et je pouvais suivre un court cours avec Josef Albers à Yale. Le cours d’Albers s’appelait «L’interaction de la couleur». Je savais aussi, en allant dans les musées et en regardant, à quel point la couleur avait de l’émotion, comment la couleur pouvait manipuler vos émotions.

J’ai appris chez Pratt, lorsque nous avons dû mélanger les couleurs, que la pire chose à faire était d’utiliser une couleur directement du tube. Nous avions des exercices dans lesquels nous obtenions deux tubes de peinture, un tube de noir et un tube de blanc, et nous devions créer de nombreuses petites nuances de couleurs. C’était fascinant et c’était beau.

Ensuite, bien sûr, en tant qu’illustrateur, je dois me préoccuper de l’impression. Si je raccroche un morceau du mien joliment imprimé à côté de l’original, il n’y a pas de comparaison possible. Une seule personne voit l’original – moi ou la personne qui l’achète – mais 100 000 personnes voient le livre. Je sais donc que la couleur va se perdre dans la reproduction.

Nous n’imprimons pas de pigment. Nous imprimons quatre couleurs.

Droite. Encre sur papier. Les gens me demandent: “Quelle est ta couleur préférée?” Et je dis blanc, car chaque couleur est belle, comparée à celle du blanc. J’ai également appris par Josef Albers, quand il avait invité une petite classe dans son studio à New Haven, qu’il avait tous ces anciens cabinets de dentistes avec de petits tiroirs peu profonds, et je me souviens distinctement qu’il avait un tiroir portant la mention «alizarin écarlate». était très soigné, très allemand. Sa femme, Annie Albers, disait: «Josef peint (avec un couteau à palette) une veste et une cravate.” Dans son hommage à la place , il a manipulé la couleur de la sorte, la première fois que j’ai vu un spectacle, c’était comme entrer dans une cathédrale; c’était une expérience spirituelle parce qu’il permettait à la couleur d’être émotionnelle. En tout cas, il avait, dans tout ce tiroir, toutes les marques d’Alizarine Pourpre jamais fabriquées. En tant qu’étudiants, il nous a montré que si vous allez au magasin d’art et dites que vous voulez de l’alizarine pourpre, que dites-vous? Voici un allemand pourpre alizarin; voici un alizarine pourpre de Grumbacher.

Si vous regardez les peintures que j’utilise, les acryliques Golden et les acryliques Liquitex, elles portent peut-être le même marquage, «lumière rouge cadmium», mais elles sont différentes. J’aime manipuler ça. J’aime ce qui se passe, j’aime la façon dont les couleurs chantent. Et la couleur m’est très personnelle, très émotive.

Marie de Marie avait un petit agneau était basée sur un enfant vivant dans le quartier de dePaola, qui était également le quartier de l’auteur de la rime.

Marie de Marie avait un petit agneau était basée sur un enfant réel dans le quartier de dePaola, qui était aussi le quartier de l’auteur de la rime.

Je veux parler de la joie qui règne dans votre travail. Il ne faut pas oublier le plaisir des livres.

Cela remonte à ma propre enfance. Il y avait deux choses que j’aimais faire quand j’étais petit. L’un était de rire et l’autre était de pleurer. Quand quelque chose était triste, j’ai été autorisé à pleurer. Mon grand-père irlandais m’a appris à pleurer. Ne pleure pas parce que je me suis fait mal au genou. Quand quelque chose était triste, il me disait: «Il faut laisser passer ça.” Le rire était toujours présent au point que ma grand-mère irlandaise disait: “Vos enfants sont aussi mauvais que votre grand-père parce que vous êtes toujours en riant.”

Je me souviens aussi de ma volonté d’apprendre à lire si mal parce que je ne voulais pas être à la merci du programme de ma mère. Pourquoi elle n’a jamais essayé de m’apprendre à lire – je lui ai demandé une fois et elle a dit qu’on lui avait dit qu’elle le ferait mal; c’était le travail de l’enseignant. (Ne vous osez pas enseigner à vos enfants; vous ferez tout de travers et ils ne réussiront pas le test. Bien sûr! Rien de neuf!) Quand je suis arrivé à la maternelle, j’ai demandé: «Quand allons-nous apprendre comment lire? »Et l’enseignant a dit:« Vous apprendrez à lire l’année prochaine »et j’ai dit:« Bien, je serai de retour l’année prochaine. »Et – c’est l’honnête vérité de Dieu – j’ai marché hors de l’école et a marché tout le chemin à la maison.

En première année, le jour de l’obtention de nos livres de lecture est arrivé. L’école a commencé mercredi; C’était jeudi après-midi. J’étais assis et mon nom commençait par un D; j’étais donc à l’avant. Mlle Mildred Kiniry était jeune et avait des boucles, elle était jolie et elle avait trois piles de livres sur la table. C’était à l’époque où les salles de classe étaient parfaites, tous les meubles provenaient de Smith System. Chaque salle de classe avait donc un pupitre de professeur et une table. Une table d’activités correspond à son nom. Et sur la table d’activité se trouvaient trois piles de livres. Un tas de rouges, un jaune et un bleu. Les bleus brillaient, comme s’ils avaient de la lumière à l’intérieur. les rouges étaient plutôt brillants; et les jaunes semblaient un peu terne. Et vous savez, nous n’étions pas censés en parler, mais nous savions instinctivement qu’il y aurait trois groupes de lecture. Nous avions entendu cela de la cour de récréation. Les meilleurs lecteurs, les lecteurs moyens et les lecteurs pauvres. Et bien sûr, vu le budget des écoles, ils n’achetaient pas 30 manuels par an, ils en achetaient 10 et les utilisaient pendant trois ans. ils les ont préservés en moquant la couverture. Le premier jour d’école, vous êtes entré et tout ce que vous pouviez sentir était des mollusques et crustacés, du vernis à plancher et du vernis sur les bureaux. C’était l’odeur d’une nouvelle école.

Nous avons donc été appelés et j’avais attendu une année entière parce que j’avais quitté le jardin d’enfants; un an est une longue période pour un enfant de cinq ans. Nous allons apprendre à lire aujourd’hui; C’est le jour! Mildred Kiniry a appelé mon nom et elle m’a tendu un livre bleu; c’était tout neuf; ça sentait merveilleux.

J’étais dans le bon groupe de lecture! Ils ne nous ont pas testé! Comment a-t-elle su? Je me suis senti désolé pour Bobby qui faisait partie du groupe de lecture jaune. «Alors maintenant, les enfants, n’ouvrez pas le livre», a déclaré Mlle Kiniry. Bien sûr, j’ai immédiatement ouvert le livre, et je me suis dit, c’est quoi ce bordel? C’était un art affreux! Toutes sortes d’oranges et de bleus parce que ces premiers livres n’étaient pas vraiment de la couleur. Ensuite, l’enseignant avait ce grand chevalet recouvert d’un tissu, et elle en avait déchiré le tissu et il y avait un gros livre comme nos petits livres. . Et elle ouvrit le grand livre avec son pointeur qui avait un petit bout rose au bout. Pourquoi nous nous souvenons de ces détails – mais il y avait un anneau en métal à une extrémité et une pointe rose à l’autre extrémité. Et elle a dit: «Maintenant, lis avec moi, enfants. Voir Dick courir. Cours, Dick, cours. Cours Cours cours. Voir Dick courir. ”

Et je me suis dit, ceci ne lit pas. Quand ma mère me lit, c’est «Dans la forêt sombre, il y avait une petite maison» et je me suis dit que j’avais un problème. J’ai attendu un an. Ensuite, j’ai regardé cinq pages plus loin et il était intitulé «See Spot run». Mais vous ne pouviez pas obtenir votre carte de bibliothèque pour sortir un livre de la bibliothèque publique tant que l’enseignant n’avait pas signé ce petit papier qui disait que vous pouviez lire. (Dieu nous en préserve, un enfant qui ne sait pas lire a sorti un livre de bibliothèque. Il pourrait le perdre, il pourrait le lire.) J’ai donc fait l’impardonnable. J’ai collé le livre sous mon pull et je l’ai pris chez moi.

Et ma mère a dit: «Où as-tu eu ton livre de lecture?» J’ai dit: «Mlle Kiniry m’a dit que je pouvais le prendre à la maison» et ma mère a dit: «Non, elle ne t’avait pas dit que tu pouvais le prendre à la maison. Tu as volé le livre. »Et j’ai dit:« D’accord, j’ai volé le livre; ça veut dire que je vais aller en enfer », mais comme je n’avais pas fait ma première communion ni eu ma première confession, mes bases étaient couvertes. J’avais le livre pour le week-end et j’ai demandé à mon grand-père: «Qu’est-ce que ce mot signifie, que signifie ce mot?». Et il m’a dit, et j’avais une bonne mémoire: il n’y avait que 19 mots différents dans ce livre.

Heureusement, Mlle Kiniry était une femme très intelligente et quand je suis allée à l’école tôt lundi (ma mère l’avait appelée naturellement), j’ai pleuré Shirley Temple et j’ai dit: «J’ai volé le livre» et elle a sais que tu veux apprendre à lire si mal. »« Eh bien, ai-je dit, «j’ai appris à lire le livre.» «Tu l’as fait!» dit-elle. «Oui», ai-je dit. “Asseyez-vous.” Et je lui ai lu le livre. Et elle a tout de suite signé ma carte de bibliothèque.

Une propagation de Hey Diddle Diddle & Other Mother Goose Rhymes.

Une propagation de Hey Diddle Diddle & Other Mother Goose Rhymes.

Tu te souviens de ça, Tomie, parce que cette expérience va au fond de toi.

Très profond! Je pense que ce qui m’a motivé, c’est que lorsque j’ai ouvert ce lecteur, il n’y avait aucune de la joie qui se trouvait dans les livres que ma mère m’avait lus à la maison – ni dans les mots ni dans les images. Et j’ai reconnu ça. Ma mère était une lectrice avide. Un vendeur de livres frappait à la porte (bruit sourd) et elle achèterait les livres. Elle croyait à la lecture à voix haute. J’étais là au bon moment et je suis toujours un lecteur assidu. Quelqu’un m’a dit – c’était probablement un bibliothécaire d’école – que si vous apprenez à lire, vous pouvez tout savoir sur tout et sur tout. Cela vous donne énormément de pouvoir.

Enfant, tu te souvenais de quelque chose de riche en détails parce que c’était important, mais tu le savais. Tu savais ce que tu regardais, ce que tu lisais, où tu voulais aller. Rien n’a dû être conçu pour vous.

C’est parce que j’avais déjà été exposé à d’autres choses. Je suis désolé pour les enfants pour qui ce lecteur a été le premier livre qu’ils ont jamais vu. C’est une tragédie. J’étais très impliqué dans RIF (Reading Is Fundamental), une organisation fédérale qui distribue des livres aux enfants. J’étais à Washington pour l’une des réunions lorsque j’ai vu cette salle remplie d’enfants entrer et qu’il y avait des livres sur les tables. Je me souviens d’un petit garçon qui avait dit à sa mère: “Quand dois-je rapporter ce livre?” et la personne du RIF disant: «Non, non, c’est votre livre. Tu n’as pas à la rapporter », et le garçon se tourna vers sa mère et lui dit:« J’aime cette bibliothèque! »Et maintenant, bien sûr, personne ne semble le savoir – les éditeurs ne savent même pas – ce qui va se passer arriver au livre?

La vieille mère Hubbard et son élégant caniche abricot, personnages inspirés des voisins de DePaola, sont sur scène.

La vieille mère Hubbard et son élégant caniche abricot, personnages inspirés des voisins de DePaola, sont sur scène.

Les livres ont une intimité. Ce que nous retenons de nos premières expériences de lecture, c’est le contexte. Quand je lis un livre que j’aime, le narrateur devient la voix de mon père. il est décédé il y a environ 20 ans, mais il est de retour dans un instant. L’enfant est assis sur les genoux du père ou de la grand-mère. Quand l’enfant entre dans le jardin de M. McGregor, c’est un endroit dangereux, mais elle y va avec un guide qui est sensible à ses remous, ainsi celui qui lit le livre peut dire: «On pourra y revenir plus tard.”

Pouvez-vous imaginer un enfant vu le livre lui-même et poussé tout seul dans le jardin de M. McGregor? il aurait peur de merde.

Mais pour l’illustrateur, le livre est avant tout un travail. Un éditeur a un investissement. L’éditeur m’a donné le devoir de le faire parce qu’elle pensait que c’était mon histoire plutôt que celle d’une autre personne, alors tout de suite l’argent est bloqué. Et ceci est une autre chose que les jeunes doivent apprendre. J’ai une responsabilité quand je fais un livre d’images. Je ne peux tout simplement pas dire: «Les mots disent que la petite fille a des chaussettes roses, mais je n’aime pas le rose, je vais donc les rendre vertes.» Alors que si je peins un bol de fruits, À mi-chemin, je dis: «Je suis tellement fatigué des oranges que je vais les transformer en poires.» Je peux le faire et en absorber les conséquences. Donc, ma propre peinture est une sorte de vacances, dans un sens. Ce n’est jamais vraiment des vacances, mais des vacances de «travail», même si c’est dur de peindre, mais je n’ai pas à m’inquiéter du sujet ni à plaire à personne, car si personne ne veut acheter la peinture, c’est bien. Je vais le mettre contre le mur. Ou je vais le mettre sur le mur. Mais si je passe tout ce temps à faire un livre, je le fais pour que le livre soit acheté, je le fais peut-être pour obtenir des récompenses, je le fais pour gagner sa vie.

Lorsque DePaola peint son propre travail, il dépeint fréquemment des êtres spirituels, comme dans Angel (1986; acrylique, 30x20).

Lorsque DePaola peint son propre travail, il dépeint fréquemment des êtres spirituels, comme dans Angel (1986; acrylique, 30 × 20).

Peut-être que certains des artistes qui liront ceci auront ou connaîtront des enfants qui s’intéressent à l’art. Quel genre de choses suggéreriez-vous?

Donnez-leur un coin de la pièce. fais ce que mes parents ont fait. Ils m’ont donné une petite table dans un coin et j’avais une boîte à cigares avec mes crayons. Mon grand-père m’a donné du papier de boucher parce qu’il était boucher. J’ai eu des crayons et j’ai dessiné. Et cet espace était sacro-saint. En vieillissant, nous avions un grenier aménagé dans notre maison et quand j’ai eu tout mon matériel d’art pour Noël, après la guerre, j’avais peut-être 11 ans, j’ai eu un chevalet et ils m’ont aussi donné la moitié le grenier. Je me souviens de mon retour de l’école et de mon studio dans la partie supérieure de la maison où se trouvaient mes deux plus jeunes soeurs. Il y avait deux gros tapis; un couvert une moitié et un couvert l’autre moitié. Et mes sœurs se tenaient les pieds sur «mon» tapis, n’osant pas franchir le seuil. Et Maureen disait à Judie: «Je pense que c’est là qu’il garde ses aquarelles; Je pense que c’est là que se trouve son journal. »La sœur aînée faisait visiter à la sœur cadette le célèbre studio Garrett de son frère.

Cela m’a distingué; cela m’a rendu spécial; cela m’a fait sentir que ce que je faisais était important. Je n’ai pas été forcé ni même encouragé à participer à des concours. Ce que mes parents ont fait, c’est encourager ma passion. Quand je regardais la série de Joseph Campbell dans laquelle il vous dit de «suivre votre bonheur», je me suis entendu dire: «je l’ai toujours fait».

Et quand vous êtes sur le chemin de la félicité, où êtes-vous? Vous êtes où vous faites les liens; vous rencontrez les gens et vous trouvez le bonheur.

Vous trouvez la douleur; vous trouvez le bonheur; vous trouvez la croissance. Vous trouvez la vie. Vous ne trouvez pas l’existence; vous trouvez la vie.

Sur l’enseignement de la couleur aux enfants
par Tomie dePaola

Quand je travaillais avec des enfants, je demandais aux professeurs de donner à chaque élève une boîte de 20 crayons de couleur, et je leur disais: «Je veux que tout le monde supprime sa couleur préférée de la boîte». sortez leurs couleurs préférées de la boîte, puis je dirais: «Je veux que vous mettiez ces couleurs de côté.” (On ne vous autorisera pas à utiliser votre couleur préférée – je ne leur dirais pas encore cela.) !) Je dirais: “Enlevez la couleur que vous détestez vraiment”, puis je les ferais dessiner avec cette couleur. À la fin de la petite séance, ils étaient tombés amoureux de la couleur qu’ils détestaient parce qu’ils avaient appris à connaître la couleur qu’ils détestaient et avaient compris qu’ils ne détestaient plus cette couleur. Et peut-être que cette couleur qui était leur couleur préférée n’avait pas non plus toutes les réponses.

Sur les couleurs subtiles et les ancêtres brillants
par Tomie dePaola

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Il n’est pas dommage que les livres d’Alice et Martin Provensen ( L’Année à la ferme de Maple Hill , Les chatons de la couleur , Le livre de cuisine au coin du feu , etc.) aient été réimprimés, mais ils ont été réimprimés avec des couleurs renforcées – la même chose que Disney a fait quand il a réédité des films classiques. Le Pinocchio original était si subtil et si doux, et maintenant tout est criard. Quels que soient ces gens qui disent: «O enfants modernes ont besoin de cela (couleur plus visible, plus visible).» C’est une excuse et une excuse stupide. Les enfants modernes n’ont pas besoin de ça.

À propos des Provensens: en tant qu’étudiants en art, nous n’avons jamais su qui faisait quoi. When I finally met them along the way, I found out who did what, but Martin said to me, “And don’t tell.” So I said, “I won’t.” But their sense of color and design was so strong and at Pratt, if you said that you wanted to do children’s books, the instructors would hold up the Provensens and Leo Lionni (not Jessie Willcox Smith or some of the more sentimental illustrators).

Disney hired a lot of very good artists, not just to do Mickey Mouse but to do those fabulous backgrounds for those films. One of the most beautiful animated films the Disney corporation ever produced, besides Fantasia , some of whose parts are really unbelievable, is Bambi . There’s a scene in Bambi where the deer are fleeing from the forest fire that is such pure design; it’s none of that cutesy Thumper or the little bluebirds; it’s really an incredible design.


Will Hillenbrand is a celebrated author and illustrator whose published works include more than 50 books for young readers. In addition to his own self-illustrated titles, he has illustrated the works of writers and retellers including Verna Aardema, Eric A. Kimmel, Judy Sierra, Margery Cuyler, Judith St. George, Daniel Pinkwater, Phyllis Root, Jane Yolen, Karma Wilson, Maureen Wright, and Jane Hillenbrand. Learn more at www.willhillenbrand.com .

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