Plus de 60 gagnants du concours artistique 2014

Plus vieux = mieux

Bravo aux 10 gagnants de notre concours artistique 2014 des plus de 60 ans! De 64 à 83 ans, ils partagent leurs œuvres et leurs histoires. Et” n pas de consulter le vaste assortiment concours artistiques que nous proposons tout au long l ici> .

Linda Sheppard

76 • Beaufort, Caroline du Sud

Souvenirs à 98 ans (pastel sur papier, 22 × 44)

À la fin des années 70, notre famille vivait en Californie. En tant que mère occupée de quatre jeunes enfants, j’ai essayé de trouver du temps pour mon amour de la peinture. Après avoir passé de nombreuses heures à regarder les cours de ballet de ma fille à travers une fenêtre à sens unique, j’ai commencé à voir une histoire émerger. Le but de beaucoup de ballerines en herbe est de danser un pas de deux; J’ai réalisé que je pouvais utiliser les poses des danseuses pour illustrer l’expérience des relations. Quelques années plus tard, j’ai eu une exposition personnelle de ces peintures intitulée «A Search for Intimacy».

Un atelier avec le célèbre peintre californien Robert E. Wood a changé ma vie. À la fin des deux semaines, Wood a vu que j’étais découragé et m’a donc montré les travaux qu’il avait soumis pour sa thèse de maîtrise: ce n’étaient pas de grands tableaux. Je pensais alors: «J’ai une longue vie devant moi. S’il peut s’améliorer autant, moi aussi.

Je lui ai dit que je sentais que je devais peindre le chagrin non résolu de la mort de mon premier mari au Vietnam. Wood suggéra de peindre les différentes ambiances de l’océan – de ne pas s’attendre à montrer le travail à d’autres.

J’ai conçu Memories at 98 comme un tableau de l’amitié entre deux dames d’un groupe de couture, mais il s’est avéré, lors de la séance photo, qu’une dame ne regardait pas l’autre («Elle n’est pas mon amie!»), alors j’ai fait signe à mon photographe de ne photographier qu’un sujet à la fois. J’ai demandé à chaque femme de me raconter l’histoire de quelque chose de bien qui leur était arrivé. Bernice, la figure de ce tableau, a raconté qu’elle raconterait comment elle avait demandé à son mari de lui demander de l’épouser.

Bernice avait demandé à un bel homme de l’escorter au Harvard Club pour une danse. Le beau, cependant, est rentré à la maison avec une fille coquette qui était assise sur ses genoux – pas Bernice! Elle était furieuse. Le lendemain, elle l’accusa d’être «l’homme le plus rusé du monde». Il dit: «Tu as raison. Viens avec moi et nous ferons un pique-nique au bord de la rivière Hudson. »Peu après leur mariage, il est décédé des suites d’une maladie du cerveau. Ce n’est que maintenant que je réalise les correspondances de Bernice et mes histoires. MB

Jean Smith

83 • Fishers, Indiana

Catastrophe en Alabama (aquarelle sur papier, 12 × 17 1/2)

Mon fils et ma petite-fille ont visité les environs de Birmingham, Alaska, en 2011, pour aider au nettoyage après la tornade la plus destructrice de l’histoire de la région. Catastrophe en Alabama est basé sur une photo que mon fils a prise de la région que lui et sa fille ont aidé à nettoyer; J’ai réalisé que l’image serait un sujet à la fois significatif et saisissant. En fait, la photo reflétait si complètement la désolation de l’après-ouragan, que je n’avais pas besoin de changer la composition ni les couleurs.

Les paysages, en particulier ceux qui incluent de vieux bâtiments, font partie de mes sujets préférés. Par conséquent, bien que cette scène particulièrement agitée par la tempête ne soit pas typique de mon travail, j’ai su saisir les effets atmosphériques et la profondeur de champ. Je travaille généralement par sections, dans ce cas-ci en commençant par le ciel, puis en passant aux arbres d’arrière-plan et enfin au premier plan. Je me couche en trois ou quatre couches de couleur, ce qui donne la profondeur de l’image.

J’ai découvert mon intérêt pour l’art à l’école primaire et j’ai suivi des cours au lycée et à l’université Butler, à Indianapolis, par l’intermédiaire de l’Institut d’art John Herron (aujourd’hui l’école d’art et de design Herron). Pendant 30 ans, j’ai travaillé à l’huile, bien que ma peinture ait été interrompue avec la naissance de mes enfants et leurs activités au lycée. Maintenant, je travaille à l’aquarelle et j’enseigne des cours de portrait. Je travaille actuellement sur une peinture d’enfants du Kenya, basée sur des photos prises par mon ministre lors d’un voyage missionnaire. haute définition

Ginny Seabrook

72 • Green Valley, Arizona

Circuitous (acrylique sur papier, 22 × 29)

Les souvenirs s’animent dans mes peintures. J’ai étudié le ballet à New York et, bien que je ne danse plus, je peux réaliser des ballets entiers dans mon esprit. Souvent, lorsque je peins, je ressens le travail de la même manière que je peux encore sentir le mouvement de la danse. Je pense que c’est pourquoi beaucoup de mes œuvres ont un sens aigu du mouvement.

J’ai commencé à dessiner et à peindre quand j’étais enfant et j’ai continué à le faire pendant mes études universitaires. Ma carrière, cependant, consistait à enseigner l’anglais et j’ai arrêté de peindre pendant de nombreuses années lorsque je me suis marié et que j’ai eu une famille. Après ma retraite, j’ai repris la peinture, créant d’abord des aquarelles réalistes et, éventuellement, des acryliques abstraits.

J’ai longtemps admiré le travail des artistes abstraits – Kandinsky et Klee sont mes préférés – mais il m’a fallu un certain temps pour trouver comment le devenir. Dans les groupes d’art locaux, j’ai appris en voyant les œuvres de mes amis et j’ai suivi des cours chez Francheskaa, un artiste de Tucson. Je commence chaque peinture sans plan, et je peins vite et librement dès le début pour que mon critique intérieur n’ait pas la possibilité de prononcer un mot. Je reste avec un tableau jusqu’à ce qu’il commence à me parler. Ensuite, j’écoute le tableau et nous discutons. Les dernières étapes prennent de quelques jours à plusieurs mois. Je regarde la pièce et je me pose des questions sur le contraste des valeurs, la dominance des couleurs, la forme et l’équilibre.

Dans les dernières étapes de Circuitous , j’ai intensifié certaines couleurs et souligné le mouvement circulaire qui commençait à apparaître. Cette pièce évoque non seulement mon amour du mouvement et de la danse, mais exprime également quelque chose que j’ai appris au cours de mon voyage dans la vie: le voyage n’est pas linéaire, mais me retourne à des défis inattendus et des moments de bonheur inattendus. haute définition

Bill Baffa

74 • Dix Hills, New York
www.baffawatercolors.com

Bits & Bridles (aquarelle sur papier, 15 × 24)

Influencé par ma mère, illustratrice de mode à New York, j’ai peint et dessiné tout au long de mes études, de mon collège et de mon post-collège, jusqu’à ce que ma carrière de directrice artistique et de graphiste et l’éducation de trois enfants me permettent de m’élever. pour la peinture et peu de temps pour continuer mes études d’art. J’ai repris la peinture après ma retraite. Maintenant, avec ma femme, Arlene, je voyage à travers les États-Unis et à l’étranger, toujours à la recherche de ces petits éléments uniques dans la perspective plus large qui touchent mon âme, me parlent et murmurent: «Peins-moi». Je peins des images puissantes qui donnent à la vie des nuances qui seraient autrement omises par l’observateur occasionnel.

En me donnant la mission d’explorer d’éventuels tableaux dans une écurie de chevaux et autour de celle-ci en fin d’après-midi, je suis entré dans la sellerie. Les brides accrochées aux crochets contre un vieux mur de bois et les morceaux de métal captant la lumière du soleil avec des ombres portées étaient étonnants. J’ai immédiatement su que c’était le tableau que je voulais compléter. Souvent, mes peintures proviennent d’une connexion instantanée à de petits segments d’objets dans leur environnement naturel. L’année dernière, Bits & Bridles a eu l’honneur d’être sélectionné pour participer à la 147ème exposition internationale américaine de l’aquarelle au Salmugundi Club à New York.

Mon processus de peinture à l’aquarelle est peut-être légèrement différent de celui des aquarellistes traditionnels en ce sens que je peins très étroitement et avec plusieurs couches sur plusieurs couches et de nombreux bords mélangés. En fait, les spectateurs sont souvent surpris de découvrir que mes peintures sont des aquarelles plutôt que des peintures à l’huile. MG

Carole Berren

71 • Warwick, Rhode Island
www.caroleberren.com

Tous à bord du 932 (aquarelle sur Yupo, 13 × 20)

J’ai peint All Aboard the 932 sur Yupo. Je trouve que travailler sur une surface lisse et non-absorbante me permet d’explorer mon sujet au fur et à mesure que j’explore mon papier et ma peinture, qui bougent et changent, me permettant d’entrer dans le processus, tout en explorant «l’histoire» de ma peinture. .

All Aboard the 932 a été inspiré par mon trajet sur un chariot en état de fonctionnement à la Nouvelle-Orléans. J’imaginais les travailleurs et leurs pensées, leurs relations avec le travail et la famille, l’excitation puis l’épuisement d’une dure journée de travail. J’ai entendu leurs chansons et essayé d’imaginer leurs coutumes et leur mode de vie, leurs rêves.

Après avoir pris la photo qui allait devenir l’image de référence pour All Aboard the 932 , et avant de l’avoir peinte, la tragédie de l’ouragan Katrina a transformé la Nouvelle-Orléans et tous ses habitants en un lieu de désespoir et de honte en raison de la manière dont le gouvernement a géré le désastre. Je ne pouvais pas peindre pendant un bon bout de temps parce que je ne pouvais absolument pas comprendre les sentiments et la destruction des maisons et de la vie de ces personnes. Une fois que la Nouvelle-Orléans se remettait, cependant, le premier chariot à être en état de fonctionner n’était autre que le 932. Cela me signalait l’espoir, la reconstruction et la conviction que les habitants de la Nouvelle-Orléans surmonteraient cette tragédie. MG

Paul Chapman

71 • Hudson Falls, New York
www.paulmchapmanart.com

Chaos (acrylique sur toile, 26 × 30)

Ma carrière artistique a débuté à New Paltz à l’Université d’État de New York et j’ai commencé à enseigner peu après l’obtention de mon diplôme. Une femme, trois enfants et 35 ans et demi plus tard, j’ai pris ma retraite. Entre aider à élever ma famille, réparer une maison et en construire une nouvelle, je n’avais pu créer que des œuvres d’art de manière minimale. En 2001, j’ai consacré mon temps à l’art, devenant chaque jour un meilleur peintre.

Le chaos est le deuxième d’une série expérimentale destinée à mettre de distance entre ce pour quoi je suis devenu connu: les intérieurs et les extérieurs industriels. La plupart de mes peintures industrielles sont des structures complexes avec des perspectives indéterminées. Cette nouvelle série est restée complexe, mais le sujet est organique; J’ai décidé de me rapprocher des enchevêtrements visuels naturels. Cette peinture est presque monochromatique, en noir et blanc avec des roseaux et des feuilles beige. Je trouve que vous pouvez aller plus sombre avec une couleur similaire dont la valeur est plus profonde, au lieu d’utiliser du noir. Je trouve également que les gris composés de couleurs complémentaires, plus le blanc ou le noir, me donnent plus de satisfaction que les gris composés uniquement de noir et de blanc. Ce que j’aime dans cette peinture, c’est le fait qu’elle a deux pieds bien enracinés dans le monde réel – elle existait dans le temps -, mais elle est sans aucun doute abstraite.

Quand j’ai commencé ce morceau, je me suis demandé «Où dois-je commencer?». La réponse a été: «Aujourd’hui, je vais suivre ce fil et voir où il va.» J’ai fait plusieurs erreurs de calcul et je me suis retrouvé à refaire des parties qui m’échappaient, qui donne toujours vie à un tableau. Je suis très bon pour faire des erreurs, mais je pense que je suis meilleur pour les corriger. En peinture, vous devez toujours être fidèle à votre vision d’origine. Si vous vous en écartez, soyez prêt à tout recommencer. MW

Henry Washington

64 • Bakersfield, Californie

Une journée à la plage (acrylique sur toile, 24 × 36)

Au cours des deux premiers tiers de ma carrière, mon art a pris du recul pour prendre soin de ma famille et assurer leur bien-être économique. J’étais entraîneur de basket-ball et professeur d’art dans le district scolaire secondaire de Kern à Bakersfield, en Californie. Bien que je me considère comme un artiste, j’ai fini par comprendre que j’étais vraiment un enseignant qui apprenait à devenir un artiste.

C’est l’un des aspects les plus intéressants de l’enseignement: vous apprenez avec vos étudiants. Vous voulez qu’ils réussissent, ce qui vous oblige à trouver des moyens de les aider. Vous créez vos propres œuvres et transmettez ce que vous avez appris à vos étudiants. En guidant vos étudiants, vous apprenez encore une fois des erreurs qu’ils commettent. C’est un cycle fou, mais j’adore ça!

Une journée à la plage montre comment l’enseignement a aidé mon propre art. Pendant mes vacances à Atlantic City, j’ai pris des photos de l’herbe de trois mètres à partager avec mes étudiants parce que, vivant en Californie, ils ne voient pas l’herbe aussi haute. Après avoir examiné les photos, une image représentant l’herbe, le ciel et trois baigneurs de plage emblématiques s’est démarquée et j’ai décidé de l’utiliser, avec quelques ajustements, comme référence pour la peinture. Cette herbe longue, cependant, s’est avérée difficile. Après quelques tentatives infructueuses, j’ai réussi à utiliser une méthode de superposition en superposant de larges zones de couleur à plat avec des zones de plus en plus petites de couleurs plus claires, en laissant les bords non mélangés. J’ai continué avec cette technique tout au long de la peinture. Les couches de formes abstraites et colorées aident à modéliser les figures, suggèrent une texture dans le trottoir et créent une illusion de profondeur dans les herbes.

Au fil des années, de telles expériences m’ont aidé à développer mon potentiel d’artiste. J’enseigne toujours les étudiants en art et, à l’heure actuelle, j’organise une exposition, en avril, à la Younger Gallery, à Bakersfield, en Californie, d’œuvres de professeurs d’art du district de Kern High School. haute définition

Philip Barlow

81 • Salt Lake City, Utah

Les contes préférés de Pooh (huile sur toile, 16 × 20)

Les récits préférés de Pooh ont évolué à partir des livres AA Milne, illustrés par EH Shepard, que nous avons lus à nos enfants et petits-enfants. Le vieil ours minable, nommé Boo, était mon jouet d’enfance et mes propres enfants jouaient avec lui (il était probablement mordu par quelques chiens de la famille également). Dans cette peinture, Pooh sort magiquement des livres de Milne – pour raconter des histoires de ses aventures sauvages à Boo.

Je me suis toujours intéressé aux œuvres des maîtres anciens, dont les noirs ne sont pas aussi noirs qu’ils paraissent; ils contiennent plutôt une sensation de lumière à l’intérieur. Moi aussi, j’essaie de capturer cette sensation de lumière dans l’obscurité. J’aime que mes sujets passent des contours nets aux contours doux à l’infini.

Je compose une configuration avec la caméra. De cette façon, je peux contrôler la lumière en créant des ombres fortes et des contours plus doux, à ma guise. Je peux choisir 10 images ou plus et, en fonction de la complexité de la configuration, je vais effectuer des transferts détaillés sur le sol (toile) et commencer à peindre.

Les récits préférés de Winnie Winnie l’Ourson nécessitaient plus d’esquisses et de modifications de son corps et de ses gestes que la plupart de mes natures mortes. Je devais intégrer Winnie l’Ourson dans la composition avec l’ours en peluche, les étagères à livres et les livres que j’avais pré-arrangés et éclairés comme sur une scène. Le lettrage sur les livres que j’ai ajouté très tard dans les dernières séances de peinture.

En ce qui concerne les conseils aux autres artistes: il est important de respecter votre talent et votre travail acharné. Traitez votre peinture comme une entreprise et efforcez-vous toujours d’être professionnelle dans vos relations avec les galeries et les collectionneurs. MB

Marjorie Collins

73 • Oxford, Angleterre
www.marjoriecollins.com

Soleil sur une assiette (aquarelle sur papier, 21 × 28)

Un jour, un grille-pain peu utilisé a attiré mon attention et j’ai pensé au «petit-déjeuner». J’ai donc préparé deux œufs au soleil, les ai placés sur mon assiette préférée à rayures et j’ai préparé une tasse de café. Ici, j’injecte quelques conseils: plus ne veut pas nécessairement dire meilleur. Imaginez les œufs en tant qu’acteurs principaux, au centre de la scène; vous ne voulez pas que les paysages trop compliqués nuisent à leurs performances! Ici, j’ai éliminé le pain grillé et inséré un tissu à rayures pour relier les éléments.

Après avoir obtenu un baccalauréat ès sciences en design de l’Université du Michigan et tout en travaillant comme fonctionnaire, j’ai suivi des cours de peinture à la School of Art Institute de Chicago. Enseigner pendant cette période était orienté vers l’expressionisme abstrait, alors que je me trouvais plus influencé par des réalistes abstraits comme Alex Katz et, pour le contenu, Edward Hopper. J’ai découvert plus tard Wayne Thiebaud.

Ce qui a changé ma vie, c’est d’épouser un universitaire anglais et de déménager à Oxford en 1975. À la naissance de nos jumeaux, un autre artiste m’a conseillé de ne pas prendre du temps pour peindre, mais de rentrer dès que possible. Au moment où les enfants étaient en bas âge, «Maman, va peindre» était un avertissement qu’ils étaient prêts à faire du mal! Ils pensaient que la mère de tout le monde peignait et même maintenant, mes petits-enfants de 6 et 3 ans savent que grand-mère peint. Le plus âgé aime dessiner. Comme elle l’a dit un jour, alors que je la regardais dessiner, «je dessine ce que je vois». Les caractéristiques principales étaient mes lunettes rouges et, contrairement à la façon dont je peindrais les cheveux, mon petit-fils avait clairement mes cheveux En sortant de ma peau à angle droit, puis en tombant – on devrait apprendre de cette précision chez un si jeune! MB

Marla Smith

71 • Prescott, Arizona
www.marlasmith.com

Maynard Dixon Country (huile sur toile, 15 × 30)

Bien que mon parcours artistique ait commencé tard dans la vie, le temps perdu a été compensé par l’impact émotionnel et viscéral qu’il a eu sur moi. J’ai grandi dans un ranch et j’ai toujours eu une profonde admiration pour les vastes paysages. Ma maison est située dans l’Ouest et je me sens obligé de créer une représentation visuelle de ce qui m’inspire, que ce soit des paysages ou de la faune. Malgré un amour de toute une vie pour l’art, je n’ai reçu aucune éducation artistique formelle. Quelques ateliers en cours de route et la peinture en plein air ont été mes professeurs.

Maynard Dixon Country a en fait été réalisée à partir d’une étude en plein air que j’ai effectuée au Mont. Carmel, Utah, la maison et l’atelier de Maynard Dixon, célèbre peintre de scènes de la Californie, dont le travail a capturé l’ampleur de l’Ouest américain. C’est un pays magnifique et j’y peins aussi souvent que possible. Je crois que les études en plein air sont efficaces dans le processus de création. Je fais de mon mieux pour noter de petites notes sur l’heure, les conditions météorologiques et les couleurs que je vois. Je trouve ces détails extrêmement utiles lorsque je travaille sur des pièces de studio. MW

Mentions honorables

Paul Baldessini, Glen Bruns, Will Bullas, Susan Goodmundson, Denise Hawkins, Gigi Horr Liverant, Heather Hughson, Cara Jankovich, George Kramer, John Lawson, Tom Lockhart, David Manje, Laura Mitchell, Craig Pursley, Cynthia Rosen, Arlene Steinberg, Chris Stubbs, Lynn Wade, Deb Ward, Derek Zietsman

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