Sadie J. Valeri: natures mortes contemporaines dans l'huile

Sadie J. Valeri crée des natures mortes de peintures à l’huile à partir d’une palette limitée, à commencer par une sous-couche de grisaille. Elle enseigne ce processus dans des ateliers et des cours à l’Atelier Sadie Valeri à San Francisco. Cet article de Michael Lacoy a été publié pour la première fois dans le numéro du mois d’octobre 2011 de The Artist’s Magazine .

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«La collection de bouteilles (huile, 18 × 24) est l’arrangement le plus élaboré et le plus difficile que j’ai peint à ce jour», déclare Valeri. «Le dessin préparatoire lui-même m’a pris quelques semaines, mais il s’est avéré inestimable car le papier ciré s’affaissait considérablement pendant que je travaillais. À la fin, tout était enchaîné avec du fil attaché au plafond du studio et maintenu avec un fil fin collé à l’étagère. ”

Créer une nature morte originale est une tâche décourageante. Le genre est un favori des artistes depuis des siècles et, par conséquent, les musées et les galeries regorgent de peintures de fleurs, de fruits et d’autres objets trop familiers. Sadie Valeri a réagi en combinant un sujet traditionnel (pichets, coques, bouteilles) avec un matériau contemporain, qui n’est généralement pas associé aux beaux-arts: le papier ciré. «J’ai été attirée par le matériau car je pouvais tordre et écraser le papier transparent pour créer un environnement dynamique pour les bouteilles et les pichets anciens que je collectionne», explique-t-elle. Valeri a produit une série d’œuvres sur papier ciré, pour lesquelles elle a reçu un accueil critique impressionnant. Sa peinture Bottle Collection (ci-dessus) a remporté le premier prix dans la catégorie Nature morte au salon international 2009-2010 Art Renewal Center. Pour Valeri, le succès est le fruit d’une étude minutieuse associée à une approche créative des méthodes classiques.

Devenir artiste

Maintenant basée à San Francisco, où elle dirige l’atelier Sadie Valeri, l’artiste a grandi en dehors de Boston. Elle se souvient avoir dessiné de manière obsessionnelle quand elle était enfant et avoir entendu la question souvent posée par ses camarades de classe à l’école (comme le dit Valeri, avec leurs accents épaisses en Nouvelle-Angleterre): «Ah, tu vas être un ah-tiste quand tu seras grand? «Encouragée par son professeur d’art secondaire et le soutien de sa famille, Valeri s’est ensuite rendue à la RISD (Rhode Island School of Design), où elle s’est spécialisée en illustration.

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La statue du Louvre est sculptée dans du marbre parthe, mais la Victoire ailée I (fusain et craie, 24 × 18) véhicule une sorte de translucidité.

Valeri excellait à RISD mais ne se sentait pas sûre de ses perspectives après l’obtention de son diplôme. «Ce qui m’a le plus empêché en tant que jeune artiste sortant de l’école d’art, c’est de savoir quoi peindre. Les possibilités sont infinies dans l’ère postmoderne et, franchement, j’étais submergé par la pensée que mon choix de sujet devait être particulièrement intelligent pour être remarqué. »Pendant les 10 années suivantes, Valeri travailla comme concepteur graphique et Web. son art à l’exception du travail effectué dans des groupes de dessin de vie.

Mais la découverte par Valeri du mouvement réaliste classique contemporain l’a inspirée à dépoussiérer ses peintures et ses pinceaux. Elle a suivi des ateliers avec plusieurs des plus grands noms du secteur, notamment Ted Seth Jacobs, Michael Grimaldi, Juliette Aristides , Tim Stotz et Nicole Michelle Tully du Studio Escalier en France. Elle a également appris les bases de la technique de peinture en couches flamande traditionnelle auprès de Kirstine Reiner. «Après une période intense d’ateliers et de pratique constante de ce que j’apprenais, j’ai ressenti le besoin de créer autre chose qu’une étude, une de mes propres expériences», déclare Valeri. Travaillant hors de chez elle, où l’espace était limité, Valeri décida de se concentrer sur les natures mortes.

«Je viens d’organiser des choses que je trouvais visuellement convaincantes. Je n’ai pas réfléchi à la question de savoir si quelqu’un d’autre les aimerait. »De ces débuts, son Wax Paper Series est né.

Objectif: capturer la lumière et la forme

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«Dans de rares cas, j’ai inclus un autoportrait dans Silver Globe Pitcher (huile, 16 × 20)», explique Valeri. «Le spectateur peut voir l’ensemble de mon petit studio et avoir un aperçu de l’expérience du peintre.

L’approche de Valeri en matière de peinture est simple. «Je peins des effets de lumière réalistes, étayés par une analyse structurelle de la forme», explique-t-elle. En combinant la sensibilité des impressionnistes à la couleur et la maîtrise des fonctions de l’ingénieur, elle leur permet de «déverrouiller la beauté des objets» qu’elle peint. L’artiste effectue son analyse visuelle par le dessin, sa partie préférée du processus de peinture, ce qui lui permet «d’étudier toutes les formes, de procéder à l’ingénierie inverse de toutes les formes et d’analyser le comportement de la lumière». Elle ajoute: «J’aime comprendre pourquoi. la poignée courbée et élégante d’une tasse ou d’un pichet semble assez ferme pour pouvoir être versée et ne semble jamais douce ni floue. »Cette observation attentive est la clé du réalisme convaincant de ses peintures.

Configuration et dessin méticuleux

La mise en place est la première étape importante du processus de peinture de natures mortes de Valeri. «Comme je vais passer un mois ou plus à regarder le sujet, j’aime être sûre de l’aimer avant de commencer», dit-elle. La configuration peut prendre des jours, car elle organise et réarrange avec soin les différents objets en une composition harmonieuse et agréable à l’œil. Elle est attirée par les surfaces stimulantes et attrayantes, «de l’intérieur opalescent d’un coquillage aux papiers translucides tordus en spirales écrasées».

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«Capturer précisément les formes des rehauts, dit Valeri, est la clé pour fabriquer des objets en verre, tels que la bouteille dans Message in a Bottle (huile, 10 × 8), paraissent solides et symétriques.»

Une fois satisfaite de sa configuration, Valeri consacre quelques jours à l’élaboration d’un dessin de contour détaillé. «J’ai découvert, dit-elle, que plus je prends soin du dessin, plus je gagne du temps lors des étapes ultérieures de la peinture.» Travaillant sur du Mylar dépoli (papier calque de haute qualité), Valeri ne ‘ Ne vous inquiétez pas de l’ombrage de son dessin, mais de la composition, des proportions et de la structure.

Elle transfère le dessin terminé sur un panneau en bois apprêté, puis affine les lignes en réduisant leur largeur à l’aide d’une gomme à effacer (rétractable). De cette manière, elle élimine ce qu’elle décrit comme la «qualité morte et tracée» des lignes. Enfin, Valeri scelle le dessin sur le panneau avec une couche de vernis damar dilué à l’essence minérale inodore. “Cela protège le dessin”, dit-elle, “et crée également une surface de peinture idéale: pas trop soif, pas trop lisse.”

Grisaille ouverte et fermée

Le dessin résolu et le support bien préparé, Valeri est prête à commencer à peindre. Elle travaille sous la lumière naturelle du nord et commence par deux sous-peintures en grisaille. En n’utilisant que de la terre d’ombre brûlée, l’artiste expose les valeurs fondamentales de sa composition, laissant nues les zones blanches du panneau pour les zones claires du tableau. Ce processus s’appelle «grisaille ouverte». L’étape suivante, la «grisaille fermée», consiste à créer une chaîne de six ou sept valeurs, allant du noir au blanc, mélangées d’ombre brûlée, de bleu outremer et d’une petite quantité de flocon blanc. En utilisant ces mélanges, Valeri peint un rendu de la valeur de son sujet. «Je termine souvent cette version monochromatique du tableau avec deux couches ou plus, à l’aide de petits pinceaux.»

Couleur opaque avec une palette limitée

Après avoir terminé ses sous-couches de grisaille, l’artiste passe en couleur. Son but à ce stade n’est pas simplement d’embellir la grisaille de couleur, car cela «donnerait simplement l’apparence d’une photographie noir et blanc teintée». Au lieu de cela, Valeri travaille principalement avec la couleur opaque jusqu’aux dernières étapes, en utilisant la sous-couche comme guide pour l’aider à faire correspondre les valeurs qu’elle a déjà définies. «Les couleurs vraies sont saturées (chroma élevé) dans les tons moyens et désaturées (chroma faible) dans les conditions de lumière les plus claires et les ombres les plus sombres», explique-t-elle. «C’est ce qui transforme une peinture monochromatique en une couleur intégrale, et cette transformation n’est possible qu’avec des couches de couleurs opaques recouvrant complètement la sous-couche de grisaille.»

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Une méditation sur la mer et ses dons, Undersea (huile, 153/4 × 20) est une étude par nuances de gradations. Même si sa palette est limitée aux noirs et aux gris, Undersea présente une succession de passages subtilement chauds.

Valeri utilise une palette limitée: «seulement quelques primaires et quelques secondaires et un blanc éclatant, à la fois en pigments transparents et opaques». Avec ces pigments, elle mélange des chaînes de couleurs supplémentaires qui correspondent aux transitions de valeur qu’elle voit sur un objet donné. «Je peins toujours en petites zones distinctes, allant des ombres aux lumières», dit-elle. «Je ne travaille que sur une petite zone à la fois, jusqu’à la finition la plus élevée possible, et la laisse sécher pendant quelques jours pendant que je travaille sur d’autres zones de la peinture.» Pour les dernières étapes de la peinture, Valeri utilise «assez peinture transparente, parfois sous forme de glaçure, pour apporter de subtiles modifications aux couleurs définies dans les couches précédentes. ”

Le temps est de son côté

Le processus de peinture de Valeri est détaillé et prend du temps. Une petite nature morte (9 × 12 ou 11 × 14) nécessite environ un mois de travail, du dessin initial à la peinture finie. «Lorsque j’enseigne mon processus aux étudiants, ils sont parfois déconcertés par la raison pour laquelle nous passons par toutes les étapes. la peinture leur semble plus facile », dit-elle. “C’est à la fin du processus, lorsqu’il y a tout autour du studio que les étudiants atteignent des niveaux de réalisme auxquels ils n’auraient jamais pensé être capables, qu’ils commencent à comprendre à quel point ce processus peut être puissant.”

Michael Lacoy est un artiste, écrivain et éditeur basé à Cambridge, dans le Massachusetts.

EN SAVOIR PLUS

  • GRATUIT: la démonstration étape par étape de la nature morte de Sadie Valerli.
  • TELECHARGEMENT VIDEO: Comment peindre – La méthode Grisaille avec John DeMartin
  • GRATUIT: Lisez des articles sur d’autres artistes vedettes du magazine The Artist’s.

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