Vos commentaires sur Teaching Art Fundamentals


%22Les” d devraient-elles enseigner les comp fondamentales> ” A suscité tellement de réactions réfléchies et passionnées que je pensais inclure vos commentaires dans le corps du message d’aujourd’hui. Ainsi, les commentaires ne sont pas cachés et ils sont plus accessibles aux visiteurs du Web.

Commençons par quelques commentaires sur le même post sur Facebook, suivis des commentaires sur ce blog:

Bryn Barnard C’est une question très intéressante, car elle touche au cœur de ce que sont réellement les principes fondamentaux de l’art. Si l’art est la coordination œil-main et la capacité de reproduire et d’interpréter ce que nous voyons en dessinant et en peignant, alors quelque chose de crucial a été perdu si nous ne l’enseignons pas et il sera très difficile de le récupérer. D’un autre côté, si l’art est plus que des compétences, plus une manière de voir et de penser, alors peut-être que ces compétences ne sont pas aussi cruciales que nous le pensons. En Occident, où notre système d’esthétique remonte à la dispute entre Platon (qui a banni des artistes de sa République parce qu’ils imitaient notre réalité, une émotion enflammée et une raison entravée) et Aristote (qui appréciait la capacité cathartique de l’art), nous avons axé sur la capacité de rendre aussi synonyme d’art lui-même. Mais ce n’est pas le cas de tous, ni même de la plupart des traditions artistiques. Dans les écoles internationales où j’enseigne, j’ai eu des étudiants avec des compétences en rédaction brillantes apprises dans des académies d’art et de culture incapables de faire beaucoup plus que reproduire par cœur dans le style de leurs maîtres et des étudiants brillants sur le plan conceptuel sans grande capacité de dessin capable de créer un art qui attire le public. larmes. L’un ne nie pas l’autre.

Pieter Verhoeven Les artistes en installation n’ont besoin que de compétences de base en dessin, identiques pour les modélisateurs 3D, la conception graphique, les graphismes animés, les photographes, les visualiseurs de données, les typographes, les artistes de collage, les manipulateurs de photos, etc.
Devrions-nous rendre la typographie, l’animation, la topologie, l’éclairage, la scénographie, etc. tous obligatoires?

L’objectif principal de l’école d’art est de devenir un penseur créatif, d’apprendre à gérer vos délais, d’apprendre à connaître vos forces et vos faiblesses en tant que créatif. En bref, une exploration intime du processus de création, avec tous les pièges qui l’entourent. Vous pouvez être un excellent dessinateur ou un peintre photoréaliste qui échoue complètement dans l’interprétation des mémoires ou n’a aucun fondement philosophique ou conceptuel et finit par produire un flash de surface.

Enseigner le dessin aux étudiants ouvre certaines portes, mais ferme d’autres. En enseignant une certaine technique et un certain ensemble de valeurs, vous limitez son espace de possibilités et vous les installez sur un chemin qu’ils n’auraient peut-être pas emprunté autrement. Vous lui apprenez à voir le monde à travers vos yeux, réduisant ainsi les découvertes originales possibles. Cela pourrait présupposer une idée de l’art en tant qu’imitation. Pour porter un jugement de valeur sur une œuvre d’art, il faut un ensemble de paramètres utilisés comme base de la critique, mais ces paramètres ne sont ni figés ni figés. De plus, l’observation est une perception qui rend l’art profondément individuel. Van Gogh est profondément anti-académique et n’a jamais vendu une pièce de sa vie, mais il est maintenant considéré comme l’un des plus grands peintres de tous les temps.

L’école d’art n’est pas une école de dessin, il y a beaucoup de cours de dessin comme il en existe sur la musique ou le film.

Ann Christine Dennison. L’art a traversé de nombreuses phases au cours des siècles. C’est l’un d’eux. Je soupçonne qu’ils peuvent à l’avenir se retourner, secouer la tête et appeler cela l’âge sombre de l’art. C’est comme si la capacité à venir avec des explications mentales superflues de ce que l’on appelle l’art est beaucoup plus importante à apprendre que la capacité à développer l’habileté de dessiner. J’ai récemment visité la galerie d’art nationale danoise, j’ai passé des années à regarder le merveilleux art de maîtres disparus et à parcourir la section consacrée à l’art moderne. Ce dernier n’avait tout simplement pas de profondeur et était un très pauvre cousin en comparaison. Je suis conscient que c’est mon expérience subjective, mais ce fut une véritable révélation pour moi. Je me demande comment des musiciens ayant une longue formation académique parviennent à être créatifs si l’argument selon lequel la formation de base au dessin tue la créativité. Nombreux sont ceux qui prouvent cela comme faux avec des compositions merveilleuses. L’argument est peut-être dû au fait que certains tuteurs ne peuvent pas enseigner ce qu’ils n’ont jamais appris. Toutes les écoles d’art ne négligent pas le dessin, l’Open College of Art, basé au Royaume-Uni, l’a comme première partie de son diplôme en peinture. Il y a donc encore de l’espoir

Richard Donc j’enseigne depuis plus de 10 ans. J’ai tout appris de la conception graphique, de l’illustration 3d et de la conception de jeux. Chaque école où j’ai enseigné a ou a eu les bases, allant du dessin de base à la perspective et à l’anatomie, à la couleur de base et au design. La question est double. 1. Les étudiants ne pensent pas à l’essentiel quand ils commencent, mais se concentrent vraiment sur le nouveau projet en cours. Peu importe qu’il s’agisse d’une illustration ou d’un modèle 3D, ils sont plus axés sur le projet que les bases de la couleur, du design et des principes. 2. Je pense que les écoles n’insistent pas sur l’importance des bases. Une ou deux classes pour le dessin, une classe pour le design et une classe pour la couleur, si elles ne sont pas associées à la classe de design. Dans mes cours, j’échoue souvent aux étudiants pour ne pas avoir / comprendre les bases. Et ils ne le font pas car ils sont tellement concentrés sur la prochaine étape ou le prochain processus.

Michael Pianta. Je pense que la question n’est pas de savoir si TOUS les étudiants doivent acquérir ces compétences (comme la question est posée dans le titre du Guardian), mais si les écoles d’art sérieuses devraient pouvoir offrir cette instruction aux étudiants intéressés.

Je suis allé dans une université, j’ai obtenu un BFA, puis un atelier et ensuite j’enseigne dans ce même atelier. J’ai eu de nombreuses conversations avec des gens sur le fait que les universités ignoraient principalement les compétences “fondamentales” et les soiraient. Quand je parle de ça aux gens, souvent, ils ne me croient pas tout à fait. Une fois, une femme diplômée en musique visitait l’école – elle travaillait pour un conseil des arts de la ville qui nous avait octroyé une subvention – et moi-même, les autres instructeurs et le directeur expliquions que la plupart des programmes de BFA n’enseignent tout simplement pas ces compétences. . Elle avait du mal à y croire. Cela nous a pris à tous pour la convaincre. J’ai eu de nombreuses conversations similaires avec des donateurs, des membres du public intéressés qui sont venus à nos expositions, des parents et des conjoints d’étudiants et d’étudiants potentiels, etc.

La comparaison avec les conservatoires de musique est appropriée, car tout le monde semble supposer que les programmes d’art fonctionnent de la même manière, c’est-à-dire que les étudiants sont libres de poursuivre leurs intérêts, qu’il s’agisse de la musique classique traditionnelle et de la performance ou de styles plus contemporains et d’avant-garde. Mais lors de mon programme BFA (qui était un très petit programme), l’hostilité au réalisme traditionnel était plutôt enracinée. Je sais pertinemment qu’une poignée d’étudiants ont abandonné leurs études ou ont changé de majeure parce que le corps professoral était tellement opposé à ce qu’ils poursuivent des techniques et des sujets traditionnels. Un autre groupe d’entre nous a abandonné nos premiers objectifs “réalistes” et a commencé à réaliser des œuvres “contemporaines” avec plus ou moins de succès. Exactement comme décrit dans la citation, on nous a tous dit que faire du travail réaliste était peu sophistiqué, et que même savoir comment les peintures traditionnelles étaient “supposées” être faites ruinerait notre créativité pour toujours. Fondamentalement, vous n’aurez pas à vous “dégrader” si vous n’acquérez jamais une compétence au départ. Cela semblait être l’attitude dominante de mon ministère et je ne pense pas que ce soit unique à cet égard.

Comme vous pouvez probablement le constater, cela me tient à coeur. Je pourrais vraiment continuer, mais je devrais peut-être m’arrêter ici, lol!

Jonathan Noble. Eh bien, le problème est qu’il est impossible d’éviter les principes fondamentaux de toute sphère d’activité pour obtenir une facilité. Il se peut que les propos de ces «tuteurs» soient quelque peu véridiques.

Il est intéressant de noter que la dernière ligne est la suivante: «Cette question ne se pose pas dans les conservatoires de musique». Je veux dire, elle le dit même dans son nom. L’école s’appelle une «conservation de la musique» et non une «nouvelle conception de la musique. Ce n’est pas appelé un conceptionnaire de musique. Et presque aucun des grands musiciens qui ont changé et poussé la musique occidentale contemporaine au cours des 100 dernières années ne vient d’un conservatoire. Des tonnes de techniciens incroyables. Mais ceux qui proposent de nouvelles idées, qui font avancer les choses et développent des genres: évitent presque universellement d’éviter la formation de base, sauf au strict minimum.
Jimi Hendrix aurait-il même été Jimi Hendrix s’il avait eu toute cette formation de conservatoire de musique? Nous pourrions le dire, mais toute liste des 100 plus grands innovateurs et créateurs de l’histoire de la musique moderne consistera essentiellement en éléments fondamentaux non scolarisés et en grande partie absents (au-delà des installations de base).
L’art occidental moderne n’est bien sûr pas une voie aussi claire, mais quand on y arrive vraiment, ce sont les artistes qui nous font découvrir de nouveaux genres et de nouvelles approches. Ceux qui secouent les racines fondamentales de la culture populaire. Ils n’ont généralement pas été complétés par le type de personnalité qui a la ténacité et la diligence nécessaires pour travailler dans un atelier, innombrables heures par année, passant 30 heures à réaliser des dessins au fusain parfaits de moulages en plâtre.
Ou peut-être que chaque fois que nous pratiquons les principes fondamentaux, nous sommes en train de creuser dans ces voies neuronales, à la fois dans nos coups physiques réels, nos mouvements de brosse, mais aussi dans notre façon d’observer, ce que nous observons et comment nous le pensons.
Probablement, la créativité serait entravée par trop de pré-forages dans les voies neuronales au début de la carrière de quelqu’un. Nous devons probablement, dans une certaine mesure, choisir entre une créativité absolue et un savoir-faire artisanal, et probablement même davantage si nous sommes déjà préconçus individuellement pour pencher davantage dans une direction, et l’autre direction serait probablement si pénible pour nous que la décision lui-même.

Donc, je pense que probablement la réponse est: faites ce qui vous touche. Parce que franchement, si vous n’aimez pas dessiner, pourquoi le faites-vous quand même? C’est la base de tous les principes fondamentaux que nous devons peut-être apprendre.

Jamie Williams Grossman. Ne me fais même pas commencer! Cela ne se produirait jamais dans le domaine de l’éducation musicale, car le public ne pourrait jamais écouter ou acheter la musique résultante. En art, cependant, nous avons des conservateurs qui créent des effets autour d’œuvres de jardin d’enfants, utilisant le verbiage pour les vendre aux amateurs de curiosité. L’art visuel devrait pouvoir raconter sa propre histoire sans explication de cinq pages. Personnellement, je pense qu’ils se sentent menacés par des artistes connaissant les bases et sachant transmettre un message de manière visuelle, sans explication de cinq pages. Je suis récemment allé à DIA à Beacon et j’ai pensé que cela ferait un meilleur parc de patinage à roulettes / skateboard! Quel gaspillage d’espace.

Je connais d’innombrables artistes qui disent n’avoir jamais appris à dessiner à l’école d’art. Vous ne trouverez jamais de diplômés d’écoles de musique qui n’aient pas étudié la théorie musicale, la forme et l’analyse, le contrepoint, les connaissances de base de leur instrument et généralement un second instrument (piano pour les non-pianistes). Vous ne trouvez pas de majors en langues étrangères qui n’ont pas étudié la grammaire, ni de maths en mathématiques qui n’ont pas suivi l’algèbre de base. Imaginez que les ingénieurs en logiciels jouent aux jeux vidéo toute la journée au lieu d’apprendre le code. Cela ne changera pas dans le monde des écoles d’art tant que les restaurateurs et les galeries ne cesseront de faire tourner des œuvres d’art qui ne répondent pas aux normes de qualité fondamentales.

Un commentaire à ceux qui ont parlé des différences entre musique et art:
Tout comme nous ne connaissons pas tous les noms d’artistes qui ont joué un rôle dans les films Pixar, ou conçu de brillantes idées de conception marketing, de scénarimage ou de création de personnages, nous ne voyons pas tous ces musiciens dans les coulisses faire tourner le monde musical. Ce n’est pas juste de la musique pop. C’est vrai que si vous voulez juste jouer quelques accords et écrire les paroles du rap, ou jeter de la peinture sur une toile dans de jolies couleurs, vous n’avez pas besoin d’aller à l’école de musique OU à l’école d’art pour ça! (Je ne dénigre pas la musique populaire, ce que j’aime bien. Je tiens juste à le souligner. Et si vous voulez un excellent musicien de renfort pour votre concert, vous finirez probablement par embaucher un de ces diplômés de l’école de musique. ) En tant que diplômé du conservatoire de musique, je peux vous dire que nous avons tous appris le jazz, la composition, les arrangements musicaux et d’autres formes créatives de création musicale. Je vois un parallèle évident avec l’art, où, à partir des bases, on peut aller dans différentes directions. Sans eux, vous êtes coincé dans votre propre monde. Si c’est ce que vous voulez, pas de problème; Cependant, vous n’avez pas besoin d’aller à l’école pour rester coincé dans votre propre monde.

Maintenant du blog:
Blogger said… Celia a dit …
Mon opinion de spécialiste des arts (BA Fine Arts) est qu’il est / était important d’apprendre à utiliser tous mes outils, y compris mes compétences en observaton.
13 décembre 2018 à 12h52

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Blogger said… Rubysboy a dit …
Je pense que le dessin, la couleur, la composition et la manipulation des matériaux sont des notions fondamentales.
Une certaine habileté à reproduire l’aspect de surface d’une variété de scènes et d’objets me semble fondamentale. Mais la fluidité dans l’utilisation d’un schéma de représentation particulier développé en Europe de 1500 à 1900 me semble être une option que beaucoup d’étudiants débutants choisiront probablement, mais ce n’est pas la seule option. Je serais ravi si un jeune artiste d’aujourd’hui pouvait faire aussi bien que Giotto (pré-perspective), un peintre chinois en manuscrit ou un peintre miniature indien, un sculpteur de masques africain, un tatoueur maori, un Picasso ou un Matisse. Ce que les ateliers enseignent est un style associé à des compétences fondamentales.

La comparaison avec la musique est un peu trompeuse. Une comparaison plus appropriée serait la musique classique, la musique de Haydn, Mozart et Beethoven au 18ème siècle. Chaque conservatoire de musique devrait-il enseigner les compétences fondamentales de la musique classique? Une bonne question qui ressemble beaucoup à celle de savoir si les écoles d’art devraient enseigner les techniques de dessin et de peinture européennes du XIXe siècle.

13 décembre 2018 à 13h26

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Blogger said… Kevin Mizner a dit …

On peut toujours choisir de ne pas utiliser une compétence qui a été apprise, mais on ne peut pas utiliser une compétence qui n’a pas été apprise.
13 décembre 2018 à 14h10

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Blogger said… Richard a dit …

Donc, j’enseigne depuis plus de 10 ans. J’ai tout appris de la conception graphique, de l’illustration 3d et de la conception de jeux. Chaque école où j’ai enseigné a ou a eu les bases, allant du dessin de base à la perspective et à l’anatomie, à la couleur de base et au design. La question est double. 1. Les étudiants ne pensent pas à l’essentiel quand ils commencent, mais se concentrent vraiment sur le nouveau projet en cours. Peu importe qu’il s’agisse d’une illustration ou d’un modèle 3D, ils sont plus axés sur le projet que les bases de la couleur, du design et des principes. 2. Je pense que les écoles n’insistent pas sur l’importance des bases. Une ou deux classes pour le dessin, une classe pour le design et une classe pour la couleur, si elles ne sont pas associées à la classe de design. Dans mes cours, j’échoue souvent aux étudiants pour ne pas avoir / comprendre les bases. Et ils ne le font pas car ils sont tellement concentrés sur la prochaine étape ou le prochain processus.
13 décembre 2018 à 14h51

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Blogger said… Brian Blankenship a dit …
“On peut toujours choisir de ne pas utiliser une compétence qui a été apprise, mais on ne peut pas utiliser une compétence qui n’a pas été apprise.”
Ce ^^^^^^^

«Apprendre à dessiner», c’est apprendre à voir et à résoudre des problèmes. Cela correspond à presque tous les aspects de l’art auxquels je peux penser. Les compétences fondamentales du dessin et de la peinture passent également au domaine numérique … Les artistes traditionnels utilisant le numérique ont connu beaucoup de succès (mais la plupart des personnes avec lesquelles j’ai eu des contacts personnels ont fini par utiliser le numérique en tant que outil de montage car ce n’était pas la machine magique qu’ils avaient envisagée.) MAIS je ne peux vraiment penser à personne que j’ai personnellement croisée (et je suis sûr qu’il existe des exceptions quelque part) qui a fonctionné dans le sens opposé … ceux J’ai commencé avec le numérique qui posait de nombreux problèmes fondamentaux avec le dessin et la peinture numérique, certains flashs mais aucune substance, et ne pouvait pas (ou n’était pas) capable de gérer les médias traditionnels. J’ai vu des artistes numériques spectaculaires, mais c’est un outil, et ces artistes peuvent manipuler un pinceau aussi bien qu’une tablette WACOM.

Une fois, une fille a voulu rejoindre ma classe mais a dit: “Je n’aime pas dessiner”. Je lui ai dit que c’était comme dire que quelqu’un voulait participer à un cours d’anglais avec écriture créative, mais qu’il n’aimait pas écrire … Je ne pouvais pas établir de lien. Le directeur / directeur était bouleversé et ne comprenait pas pourquoi, si les étudiants voulaient dessiner un dinosaure, l’ordinateur ne pourrait pas le faire pour eux …

13 décembre 2018 à 15h11

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Blogger said… Michael Pianta a dit …
Je pense que la question n’est pas de savoir si TOUS les étudiants doivent acquérir ces compétences (comme la question est posée dans le titre du Guardian), mais si les écoles d’art sérieuses devraient pouvoir offrir cette instruction aux étudiants intéressés.

Je suis allé dans une université, j’ai obtenu un BFA, puis un atelier et ensuite j’enseigne dans ce même atelier. J’ai eu de nombreuses conversations avec des gens sur le fait que les universités ignoraient principalement les compétences “fondamentales” et les soiraient. Quand je parle de ça aux gens, souvent, ils ne me croient pas tout à fait. Une fois, une femme diplômée en musique visitait l’école – elle travaillait pour un conseil des arts de la ville qui nous avait octroyé une subvention – et moi-même, les autres instructeurs et le directeur expliquions que la plupart des programmes de BFA n’enseignent tout simplement pas ces compétences. . Elle avait du mal à y croire. Cela nous a pris à tous pour la convaincre. J’ai eu de nombreuses conversations similaires avec des donateurs, des membres du public intéressés qui sont venus à nos expositions, des parents et des conjoints d’étudiants et d’étudiants potentiels, etc.

La comparaison avec les conservatoires de musique est appropriée, car tout le monde semble supposer que les programmes d’art fonctionnent de la même manière, c’est-à-dire que les étudiants sont libres de poursuivre leurs intérêts, qu’il s’agisse de la musique classique traditionnelle et de la performance ou de styles plus contemporains et d’avant-garde. Mais lors de mon programme BFA (qui était un très petit programme), l’hostilité au réalisme traditionnel était plutôt enracinée. Je sais pertinemment qu’une poignée d’étudiants ont abandonné leurs études ou ont changé de majeure parce que le corps professoral était tellement opposé à ce qu’ils poursuivent des techniques et des sujets traditionnels. Un autre groupe d’entre nous a abandonné nos premiers objectifs “réalistes” et a commencé à réaliser des œuvres “contemporaines” avec plus ou moins de succès. Exactement comme décrit dans la citation, on nous a tous dit que faire du travail réaliste était peu sophistiqué, et que même savoir comment les peintures traditionnelles étaient “supposées” être faites ruinerait notre créativité pour toujours. Fondamentalement, vous n’aurez pas à vous “dégrader” si vous n’acquérez jamais une compétence au départ. Cela semblait être l’attitude dominante de mon ministère et je ne pense pas que ce soit unique à cet égard.

Comme vous pouvez probablement le constater, cela me tient à coeur. Je pourrais vraiment continuer, mais je devrais peut-être m’arrêter ici, lol!

13 décembre 2018 à 15h44

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13 décembre 2018 à 16h27

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Blogger said… Paul Sullivan a dit …
Je me demande pourquoi le mérite d’enseigner les bases de la formation artistique est soudainement remis en question. N’est-ce pas une vieille question? Les bases de la formation artistique ont été abandonnées par les programmes de beaux-arts proposés par de nombreuses universités il y a plus de 60 ans. At-il fallu longtemps pour que les «écoles d’art» s’implantent?

Au milieu des années 50, je me souviens de mes amis et de moi-même discutant de la possibilité que tôt ou tard des instructeurs de niveau collégial ne pourraient enseigner le dessin et la peinture.

Il est intéressant de noter combien d’habiletés fondamentales ont été perdues au cours de l’âge sombre, non seulement dans le domaine de l’art, mais également dans des domaines tels que la construction et la médecine. Ils sont tombés en panne et ne sont plus transmis aux générations suivantes.

13 décembre 2018 à 16h28

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Blogger said… Susan Cushing a dit …

En tant qu’aîné qui a du mal à mettre ses idées en peinture, je réalise quotidiennement que mon manque de compétences fondamentales est un grand handicap.
C’est comme si je réinventais la roue, chaque fois que je résolvais un problème qui, rétrospectivement, est évident pour les amis qui ont les bases
compétences en passant par des cours de couleur, de perspective, de dessin, etc. J’aimerais pouvoir passer 2 à 3 ans dans les études de dessin d’un programme de formation classique. Cela permettrait à mes idées de se manifester car je maîtriserais mes outils et mes médiums ainsi que ma coordination œil / cerveau / main. Je suis très reconnaissant pour les livres et les cours en ligne maintenant offerts. «Couleur et lumière» de M. Yenrug a été d’une grande aide. Merci pour le travail de publication de ce livre.
13 décembre 2018 à 17h45

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Blogger said… Lauren Foster-MacLeod a dit …
En fait, je pense qu’il est ignoble de NE PAS enseigner aux beaux-arts à dessiner et à peindre des objets de la vie. En même temps, apprenez-leur à penser de manière créative. Un diplôme en beaux-arts pour un artiste en arts visuels devrait enseigner les techniques du dessin – vraiment dessiner! – et aussi comment penser de manière créative, utiliser différents types de supports (peinture, sculpture, photographie, gravure, etc.), afin qu’ils ne soient pas simplement diplômés avec des compétences et qu’il n’y ait pas de grands concepts pour faire de l’art passionnant avec eux . Je vois un mariage d’ancien et de nouveau.

S’ils acquièrent les compétences réelles, ils sont en réalité aptes à l’emploi (bien que probablement indépendants) lorsqu’ils obtiennent leur diplôme. Et, pendant que j’y suis, apprenez-leur aussi des compétences en affaires – ce que nous n’avions pas appris lorsque je fréquentais des écoles d’art dans les années 1970.

13 décembre 2018 à 18h52

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Blogger said… M. Wood a dit …
C’est compliqué. Évidemment, si vous voulez faire un certain type d’art … apprendre à dessiner, les principes fondamentaux semblent très importants et bénéfiques. L’utilité dépend donc de l’artiste et du type de travail qu’il effectue. Dans un contexte artistique libéral, je pense que les étudiants seraient exposés à tous les types d’art et qu’ils s’intéressent davantage à certains types d’art, ils peuvent approfondir leurs connaissances des compétences dont ils pourraient avoir besoin. Pour un artiste abstrait, je pense qu’après un certain temps, ils pourraient quitter la vie, mais il y a certainement d’autres artistes abstraits qui tirent de l’observation pour obtenir leur image. Donc, je suppose que cela se résume à l’individu. Je pense qu’en milieu scolaire, ils devraient absolument exposer les élèves à l’observation directe.
13 décembre 2018 à 21h00

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Blogger said… Le radar Neiman a dit …

Mais qu’y a-t-il d’autre que des fondamentaux? Quelles sont les alternatives?
En lisant cet article, je ne comprends pas s’il existe une autre approche de l’enseignement ou si cela implique autre chose.
14 décembre 2018 à 01h48

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Blogger said… MK Buike a dit …

La plupart de mes études artistiques ont eu lieu au lycée, dans les années 1960. Je suis à jamais reconnaissant d’avoir appris les bases du dessin. J’ai brièvement envisagé de devenir une majeure en art à l’université. Cependant, comme l’a dit un des auteurs ci-dessus, le ministère était tellement anti-réalisme que je savais que je ne réussirais pas bien. D’après ce que je sais maintenant, j’aurais peut-être été mieux dans un programme d’illustration.

Quoi qu’il en soit, maintenant que je redécouvre l’art à la retraite avec Urban Sketchers, je suis tellement heureux d’avoir suivi cette formation initiale sur les bases du dessin.

Donc, oui, ces bases devraient être enseignées. Aussi abstrait que soit devenu Picasso, on peut voir dans ses premiers travaux qu’il pouvait vraiment dessiner!

14 décembre 2018 à 01h52

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Blogger said… Jonathan Noble a dit …
Eh bien, le problème est qu’il est impossible d’éviter les principes fondamentaux de toute sphère d’activité pour obtenir une facilité. Il se peut que les propos de ces «tuteurs» soient quelque peu véridiques.

Il est intéressant de noter que la dernière ligne est la suivante: «Cette question ne se pose pas dans les conservatoires de musique». Je veux dire, elle le dit même dans son nom. L’école s’appelle une «conservation de la musique» et non une «nouvelle conception de la musique. Ce n’est pas appelé un conceptionnaire de musique. Et presque aucun des grands musiciens qui ont changé et poussé la musique occidentale contemporaine au cours des 100 dernières années ne vient d’un conservatoire. Des tonnes de techniciens incroyables. Mais ceux qui proposent de nouvelles idées, qui font avancer les choses et développent des genres: évitent presque universellement d’éviter la formation de base, sauf au strict minimum.
Jimi Hendrix aurait-il même été Jimi Hendrix s’il avait eu toute cette formation de conservatoire de musique? Nous pourrions le dire, mais toute liste des 100 plus grands innovateurs et créateurs de l’histoire de la musique moderne consistera essentiellement en éléments fondamentaux non scolarisés et en grande partie absents (au-delà des installations de base).
L’art occidental moderne n’est bien sûr pas une voie aussi claire, mais quand on y arrive vraiment, ce sont les artistes qui nous font découvrir de nouveaux genres et de nouvelles approches. Ceux qui secouent les racines fondamentales de la culture populaire. Ils n’ont généralement pas été complétés par le type de personnalité qui a la ténacité et la diligence nécessaires pour travailler dans un atelier, innombrables heures par année, passant 30 heures à réaliser des dessins au fusain parfaits de moulages en plâtre.
Ou peut-être que chaque fois que nous pratiquons les principes fondamentaux, nous sommes en train de creuser dans ces voies neuronales, à la fois dans nos coups physiques réels, nos mouvements de brosse, mais aussi dans notre façon d’observer, ce que nous observons et comment nous le pensons.
Probablement, la créativité serait entravée par trop de pré-forages dans les voies neuronales au début de la carrière de quelqu’un. Nous devons probablement, dans une certaine mesure, choisir entre une créativité absolue et un savoir-faire artisanal, et probablement même davantage si nous sommes déjà préconçus individuellement pour pencher davantage dans une direction, et l’autre direction serait probablement si pénible pour nous que la décision lui-même.

Donc, je pense que probablement la réponse est: faites ce qui vous touche. Parce que franchement, si vous n’aimez pas dessiner, pourquoi le faites-vous quand même? C’est la base de tous les principes fondamentaux que nous devons peut-être apprendre.

14 décembre 2018 à 06h33

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Blogger said… Chris Iliff a dit …

J’enseigne les beaux-arts et l’illustration dans une université du pays de Galles. Nos modules de base de première année comprennent l’enseignement de compétences fondamentales telles que le dessin de la vie, la perspective, la théorie des couleurs, etc. Mais parallèlement, les étudiants sont également tenus de suivre des cours de photographie traditionnelle, de gravure, d’illustration et d’art contemporain. Le sujet est débattu par des personnes bien plus qualifiées que moi mais, à mon sens, l’enseignement des compétences de base est extrêmement important pour tous les étudiants, pas seulement pour ceux qui veulent être des peintres réalistes. Apprendre à observer le monde en détail, à déconstruire, à filtrer et à enregistrer est la clé pour développer des idées uniques dans n’importe quel domaine artistique choisi par l’étudiant. Les étudiants qui choisissent de faire de la photographie ou de l’art contemporain aux 2e et 3e années peuvent toujours appliquer les mêmes principes appris dans un cours de la vie. L’argument semble suggérer qu’en n’enseignant pas les compétences fondamentales, vous leur permettez d’être plus libres de faire ce qu’ils veulent. Mais sans donner aux élèves au moins une certaine compréhension de ces compétences, cela limite leur vocabulaire artistique et au lieu de donner plus de liberté, vous développez uniquement des compétences dans un domaine cognitif spécifique, ce qui leur donne en réalité moins de liberté. L’ironie est que l’approche radicale consiste maintenant à enseigner des compétences.
14 décembre 2018 à 6h44

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Blogger said… Brian Blankenship a dit …
“L’ironie est que l’approche radicale consiste maintenant à enseigner des compétences.”

Nous avons traversé une période (et espérons que nous en sortons) où, dans le spectre, tout ce qui est considéré comme fondamental, de pensée conservatrice ou comme valeur «fondamentale» doit être rigoureusement moqué et détruit, comme c’est le cas du début à la fin. ‘vieille garde’. Et ce qui ne se réalise pas, c’est que ce sont ces choses qui ont apporté un tel succès. Comme quelqu’un l’a mentionné, Picasso est entré dans des domaines expérimentaux, mais il pouvait dessiner et peindre de manière réaliste.

1. Aux États-Unis, depuis au moins 30 ans, la mémorisation par coeur a été marginalisée en raison de la mentalité inutile de la vieille école. Ainsi, tout le monde s’est arrêté avec certaines des compétences mathématiques de base enseignées: tables de multiplication, addition et soustraction de base. Maintenant, ce sont de nouvelles mathématiques que personne ne comprend. 1 + 1 = 2 … Vieille Garde …. 1 + 1 = quoi que vous souhaitiez … il n’y a littéralement pas de bonne réponse, car il s’agit de vos pensées et de vos sentiments à ce sujet … et moi ‘ Je ne plaisante pas. Donc, si vous passez par un service rapide au volant, que vous donnez la monnaie exacte et qu’ils vous doivent un dollar, vous risquez d’être coincé dans l’attente pendant 20 minutes afin que le responsable vienne réinitialiser le système … et il ne vous croira pas quand vous dites-leur qu’ils ne vous doivent qu’un dollar (histoire vraie qui s’est produite plus d’une fois). Maintenant, certains districts commencent à repenser cela.

2. écriture cursive. Ils constatent depuis l’élimination de ce problème que plus de la moitié des étudiants qui entrent à l’université doivent suivre des cours, car ils ne peuvent pas utiliser l’anglais de base. Parallèlement à cette compétence, on enseignait la structure des phrases et les diagrammes. Comme mon ancien directeur (qui était professeur d’anglais depuis plus de 20 ans) a déclaré: “Il n’est pas nécessaire de connaître les différentes parties d’une phrase pour pouvoir écrire une phrase.” Les tests de fin d’année à l’échelle de l’État, en partie écrite, vous donnent une note supérieure à la note de passage si vous pouvez donner une idée. Structure de la phrase, orthographe, ponctuation ??? Tout cela a été jugé inutile et on vous a dit d’ignorer cela aussi longtemps que vous pouviez avoir une idée générale. Les aînés du secondaire pouvaient écrire une phrase qu’un enfant de quatre ans écrirait et c’était acceptable. Les États-Unis se situent près du sommet en matière de tests d’estime de soi, où les étudiants pensent qu’ils sont … mais la réalité des tests des compétences difficiles montre que nous sommes au mieux au centre de la liste. Quelque part le long de la ligne, vérité, habileté, victoire et défaite ont été placées dans un placard pour que la génération du papier bulle se sente bien tout le temps … et elle est devenue le groupe de personnes le plus misérable sur la planète.

La marine pendant un certain temps a même cessé d’enseigner la navigation dans les étoiles en base. Qui a besoin de cela quand vous avez le GPS … bien sûr, alors nous sommes dans les nouvelles tout l’été pour avoir écrasé des cuirassés sur des navires de pêche … mais quelqu’un a finalement compris que les systèmes peuvent tomber en panne et qu’il est important de connaître quelques bases inconditionnelles tirez du sac si vous devez.

EoR (Fin de Rant)

14 décembre 2018 à 08h23

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Blogger said… Gini a dit …
Vous devriez visionner la vidéo de 10 minutes intitulée «Le point et la ligne: une romance en mathématiques inférieures». Je ne veux pas être un gribouillis.
14 décembre 2018 à 08h25

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Blogger said… Mejas Yenrug a dit …

Merci à tous … Ce sont des commentaires très réfléchis et perspicaces.

Radar, beaucoup de gens qui n’ont pas suivi les programmes d’art universitaire contemporain sont étonnés d’entendre dire que ce que nous considérons comme des compétences fondamentales en dessin est constamment mis au défi, mais ils le sont souvent.

Le commentaire de Jonathan est utile car il nous fait prendre un grand recul par rapport à la question. Le problème, à mon avis, c’est que l’art signifie tant de choses à tant de gens qu’il n’ya pas de valeurs partagées qui soient enseignées, même au niveau des principes fondamentaux. J’ai un ami qui enseigne un cours de dessin fondamental dans une université. Son idée est que les principes fondamentaux devraient inclure des éléments tels que la perspective, l’ombrage et la proportion. Mais ses collègues du département des beaux-arts estiment qu’une telle formation de base favorise une pensée étroite et que les étudiants devraient être plus impliqués dans la création de marques non dirigée. Ils pensent que la pratique consistant à faire des marques libère nécessairement; mon ami pense que c’est auto-indulgent et contre-productif.

Il y aura toujours des frictions entre des idées concurrentes dans toutes les écoles et c’est une bonne chose. But if a school’s idea of art is too expansive and inclusive, it risks making the program self-defeating. To the extent that the faculty and students share basic values and goals about what art is, it’s possible to create a coherent curriculum.

Rubysboy, The real difference in my mind between music training and art training traces back to the nature of the art forms. In music (classical music at least) the repertoire must always be re-created by sympathetic artists who acquire the skills to perform it. There is no music without musicians performing it. There’s no real equivalent in painting. Turner’s paintings are finished; they don’t require young painters to replicate them on a regular basis. So in any setting of musical education, there must always be respect for history and tradition. In art it’s possible to be an artist and throw all traditional skills in the dumpster.

December 14, 2018 at 8:34 AM

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BloggerJamie Williams Grossman said…
Don’t even get me started! This would never happen in the music education field because you’d never get audiences to listen to or buy the resulting music. In art however, we have conservators who create spin around kindergarten-style works hung upside down, using verbiage to sell it to curiosity-seekers. Visual art should be able to tell its own story without a five page explanation. Personally, I think they feel threatened by artists who know the basics, and how to deliver a message visually, without a five page explanation. I recently went to DIA in Beacon and thought it would make a better roller skating/skateboard park! What a waste of space.

I know countless artists who say they never learned to draw in art school. You never find graduates of music schools who didn’t study music theory, form and analysis, counterpoint, basic knowledge of their instrument, and usually a second instrument (piano for non-pianists). You don’t find foreign language majors who didn’t study grammar, or math majors who didn’t take basic algebra. Imagine if software engineer majors just played video games all day, instead of learning code. This is not going to change in the art school world until conservators and galleries stop spinning art that doesn’t meet basic quality standards.

December 14, 2018 at 8:59 AM

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BloggerJamie Williams Grossman said…
A comment back to those who have spoken about differences in music and art:
Just as we don’t know all the artists’ names who have played a role in Pixar movies, or designed brilliant marketing design ideas, or do storyboard designing, or create characters, we don’t see all those musicians behind the scenes who are making the musical world go round. It’s not just pop music out there. It’s true that if you just want to play a few chords and write rap lyrics, or throw paint at a canvas in pretty colors, you don’t need to go to music school OR art school for that! (I am not denigrating popular music, which I do like. I’m just making a point about it. And if you want a great back up musician for your concert, you’ll probably end up hiring one of those music school graduates.) As a music conservatory graduate, I can tell you that we all learned jazz, composition, arranging, and other creative forms of music-making. I see a clear parallel with art, where from the basics, one can go in many different directions. Without them, you’re stuck inside your own world. If that’s what you want, no problem; however, you don’t need to go to school to be stuck in your own world.
December 14, 2018 at 9:15 AM

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BloggerJamie Williams Grossman said…
Wish I could edit my posts here, but I meant to say “curators” instead of “conservators” in my comments. They are obviously not the same thing. Senior moment!
December 14, 2018 at 10:11 AM

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BloggerCat165 said…
Many of the artists that we revere for their avant-guarde or new style have classical, traditional training, so I can’t imagine that teaching traditional skills is being debated! I agree with Kevin!
A point often overlooked, but many artists with classical training may relate to, learning how to see is a tool that may enhance one’s effectiveness in many fields, not just art.
I believe that everyone would benefit from learning how to see and draw.
December 14, 2018 at 10:59 AM

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